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Chung Sang Hwa   정상화

1932 ~

끊임없는 노동으로 화면을 일구어 나가는 작가, 정상화

정상화는 한국의 대표적인 단색조 추상화가 중 한 명이다. 그는 1932년 경북 영덕 출생으로 1957년 대학을 졸업한 후, 《한국현대작가초대전》(1960), 《악뛰...<상세보기>

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Zeng Fanzhi    쩡판즈

1964 ~

가면을 통해 인간과 세계를 관조하는 20세기 중국의 대표 예술가

쩡판즈는 현대미술의 3세대 작가로 중국 아방가르드 미술을 대표한다. 그는 1964년 중국 우한에서 태어났다. 이 시기는 1960년대 중국의 내부적 사회변화와 서구의 표현주의의 도입이 있던 시기로 중국인으...<상세보기>

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Jeff Koons   제프 쿤스

1955 ~

생존하는 가장 비싼 예술가이자 포스트 모던 키치의 왕

제프 쿤스는 현대 미술의 수수께끼이자, 데미안 허스트와 같은 신세대 미술가들에게 큰 영향을 끼친 인물이다. 그의 ...<상세보기>

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Jean-Michel Othoniel   장-미셸 오토니엘

1964 ~

아름다운 유리구슬을 꿰어 치유와 희망의 메시지를 전하는 아티스트

‘유리의 연금술사’라고 불리는 장 미셸 오토니엘은 프랑스 현대미술사를 대표하는 작가로 현재 파리를 기반으로 활동하고 있다. ...<상세보기>

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Julian Opie   줄리안 오피

1958 ~

간결함이 만들어낸 현대인의 초상, 영국의 대표 팝아티스트

줄리안 오피는 영국의 조각가이자 디지털 아티스트로 전 세계 미술계의 영향력 있는 대표적인 팝 아티스트로 손꼽힌다. 조각과 회화의 영역을 폭넓게 아우르는 후기 모더니즘...<상세보기>

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Jonas Wood   조나스 우드

1977 ~

독특한 색상과 구성으로 일상의 풍경과 사물을 담다

조나스 우드는 보스턴 출신의 현대회화 작가로 일상에서 만나는 인물, 식물, 풍경, 인테리어 등 친밀한 소재를 독특한 색채감과 구성으로 표현해 낸 것이 특징이다. 그 ...<상세보기>

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James Jean   제임스 진

1979 ~

무한한 상상력으로 화려하고 몽환적인 세계를 창조하다

제임스 진은 세계적인 팬덤을 가지고 있는 일러스트레이터이자 회화 작가이다. 대만 출신인 그는 3살이 되던 해 미국 뉴저지로 이주해 뉴욕의 미술 명문인 The Scho...<상세보기>

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Chung Sang Hwa 정상화 1932 ~

  • Artist Statement

    정상화는 한국의 대표적인 단색조 추상화가 중 한 명이다. 그는 1932년 경북 영덕 출생으로 1957년 대학을 졸업한 후, 《한국현대작가초대전》(1960), 《악뛰엘 그룹전》(1962), 《세계문화자유회의 초대전》(1963) 등 다수의 정기전, 그룹전에 참여했고, 파리비엔날레(1965), 상파울로비엔날레(1967) 등에 한국 작가로 출품했다. 


    1967년 프랑스 파리로 넘어가 공부했지만 1년여만의 아내의 갑작스러운 병으로 귀국하게 되었다. 귀국한 작가는 아내의 병간호를 하다 고베 화랑의 독촉으로 1969년부터 1977년까지 일본 고베에서 거주하며 작품 활동을 했고, 1978년부터 1992년까지는 파리로 다시 건너가 작업에 몰두하였다. 이후 1992년 한국으로 귀국한 이후 현재까지 계속해서 창작 활동을 이어가고 있다. 


    학창 시절에는 대상을 재현하는 구상 회화를 주로 그렸지만, 1950년대 중후반 이후 앵포르멜 경향의 표현주의적 추상을 실험하였다. 이후 일본 고베로 건너갈 무렵부터 작가는 앵포르멜에서 단색조 추상으로의 전환을 시도하였다. 이후 1970-80년대 고베와 파리에서의 작업 활동을 통해 현재의 그의 가장 큰 특징인 단색조의 격자형 화면 구조가 확립되었다. 


    정상화 작가는 고령의 나이에도 조수 없이 혼자서 작업을 하고 있어 평균 한 달에 한 작품 정도를 완성한다. 작가의 작품 숫자가 워낙 적기도 하고, 또 독보적인 조형세계를 이뤄 그의 작품은 그 희소성으로 인해 많은 컬렉터들의 선망의 대상이 되기도 한다. 



    * 참고자료 : 국립현대미술관, 매일경제 '구순 화가 정상화 “아무도 내 작품 흉내낼 수 없다”'

    * 사진출처 : LÉVY GORVY

  • Professional Experiences

    2021 정상화, 국립현대미술관, 서울

    2020 레비 고비 갤러리, 런던, 영국

    2018 버그루언 갤러리, 샌프란시스코, 미국

    2016 도미니크 레비 갤러리, 뉴욕, 미국

    2016 그린 나프탈리 갤러리, 뉴욕, 미국

    2014 갤러리현대, 두가헌갤러리, 서울

    2013 우손 갤러리, 대구

    2011 생테티엔 현대미술관, 생테티엔, 프랑스

    2009 갤러리현대, 서울

    2008 장 푸르니에 갤러리, 파리, 프랑스

    2007 학고재, 서울

    2004 경남도립미술관, 창원

    1998 원화랑, 서울

    1994 카사하라 화랑, 오사카, 일본

    1992 갤러리현대, 서울

    1992 시로타 화랑, 도쿄, 일본

    1991 갤러리 우에다, 도쿄, 일본

    1989 도로테아 반 데어 쾰른 갤러리, 마인츠, 독일

    1988 모토마치 화랑, 고베, 일본

    1982 주불한국문화원, 파리, 프랑스

    1980 오브옉트 갤러리, 부퍼탈, 독일

    1980 에르프트구 예술인협회, 베르그하임, 독일

    1979 후쿠오카 화랑, 후쿠오카, 일본

    1977 갤러리 코코, 교토, 일본

    1977 모토마치 화랑, 고베, 일본

    1970 시나노바시 화랑, 오사카, 일본

    1968 장 까미옹 갤러리, 파리, 프랑스

    1967 신문회관, 서울

    1962 국립중앙공보관, 서울

    1956 비원다방, 마산


  • Education

    1956 서울대학교 회화과 학사

큐레이터 노트

정상화는 60년 화업의 대표적인 국내 단색화 거장 중 한 명이다. 정상화는 그만의 독특한 격자 화면으로 유명한데, 캔버스에 고령토를 바른 후 수직·수평 혹은 대각선을 따라 접어 화면에 균열을 낸 후 고령토를 뜯어내고 물감으로 다시 그 자리를 메운 후 덜어내는 행위를 반복한다.

정상화를 가장 대표하는 격자형 구조의 대형 화면은 1970~80년대 일본 고베와 프랑스 파리에서 확립되었고, 이후 ‘뜯어내고 메우기’ 기법이 점차 추가되었다. 작가는 “평면인 화면에 나만의 방법으로 공간을 만들어내는 작업이다. 화면에 요철이 생기며 평면이 입체적 공간으로 확장해 간다”라고 설명했다. 고령토가 메워지고 또 뜯어진 자국으로 인해 캔버스는 2차원의 평면에서 3차원의 입체로 변화한다는 것이다.

또한 정상화 작품의 또 다른 중요한 키워드는 ‘노동’이다. 정상화는 조수를 쓰지 않고 손수 작품을 제작하는 것으로 유명하다. 작가는 이에 대해 “화면 안에 내 노동을 차곡차곡 축적하는 방법으로 섬세한 색과 밀도의 변화로 우주를 드러내고 싶었다”라고 언급했다. 대량 생산을 기조로 하는 팝아트와 같은 현대미술의 주류적 흐름과 오히려 역행하는 방향을 택한 그는 ‘남들이 안 하는 것, 그리고 못 하는 것’을 끊임없이 추구한다.

이와 같이 정상화는 자신만의 독특한 작품 세계를 구축함으로써 한국 단색화라는 장르를 더 풍부하게 만드는 것에 일조한 작가이다. 한 영국 평론가는 정상화의 작품에 대해 “표면을 경작”하는 작가라고 칭했다. 단순 명료한 화면이지만 그 작업 과정은 결코 간단하지 않은 정상화의 작품들은 마치 명상을 하는 듯한 울림을 느끼게 한다.

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Zeng Fanzhi 쩡판즈 1964 ~

  • Artist Statement

    쩡판즈는 현대미술의 3세대 작가로 중국 아방가르드 미술을 대표한다.
    그는 1964년 중국 우한에서 태어났다. 이 시기는 1960년대 중국의 내부적 사회변화와 서구의 표현주의의 도입이 있던 시기로 중국인으로서 특별한 시기였다.

    쩡판즈는 1985년 당시 처음으로 모더니즘 미술을 접하고 강한 충격을 받았다. 아마추어 청년화가들의 모임에 작품을 출품하며 입시를 준비하던 그는 후베이 미술학원 유화과에 입학하여 표현주의적 방식을 집중 연구하고 실험하였고, 회화 예술 영역에서 중국 사회의 발전을 표현하였다. 
     

    쩡판즈는 주로 가면을 소재로 하여 인간의 내면과 외부세계 사이의 모순을 강조한다. 1993년 베이징이라는 대도시로 이주하면서, 거대 도시가 내뿜고 있는 허영, 기만, 자기만족, 고독, 이질감 속에서 홀로서기를 해야 했던 작가의 경험을 작품에 반영하고 있다. 이러한 경험은 쩡판즈의 작품 안에서 마스크를 씌운 사람들로 표현되었는데, 가면과 얼굴 피부가 밀착되어 표정을 담아내고 있다는 점이 특징적이다. 쩡판즈의 가면은 단순히 얼굴을 가리는 도구가 아니라, 얼굴의 표정과 마음까지 통제해 버리는 수단인 것이다. 
     

    그의 작품들은 주로 병원의 풍경을 배경으로 하여 인물의 내면적인 세계와 심리를 표현하는 데 중점을 두었는데, 거친 붓터치와 커다란 눈동자, 커다란 손과 얼굴로 불균형적인 신체 비례 등을 특징으로 들 수 있다. 다양한 형상으로 작업해온 가면 시리즈는 격변을 겪고 있는 중국의 역사 속에서 사회와 개인, 개인과 개인, 자아와 욕망의 관계를 반영한다. 
     

    2005년 이후, 쩡판즈의 작품은 점차 절제 있는 중국 전통화의 선묘법 형태로 변화하였다. 그는 중국 수묵화 풍의 <무제(Untitled)> 시리즈를 통해 중국의 광활한 자연에 감정을 이입하였다. 그가 주목받게 된 가면 시리즈에 안주하지 않고, 중국 전통회화에 관심을 놓지 않으며 선으로 유화를 표현하려 끊임없이 노력한다. 


    ‘모든 일상이 영감의 원천’이라는 쩡판즈는, 중국의 데미안 허스트라는 별명을 얻으며 세계의 주목 받는 스타 작가가 되었다. 쩡판즈의 작품 가격으로는 2011년작 <최후의 만찬>이 2330만 달러에 낙찰돼 아시아 현대 미술 역사상 최고가를 기록하기도 했으며, 최근에도 여전히 높은 가격대를 기록하고 있다. 



    “예술가라면 사회를 관조해야 한다. 21세기를 살고 있는 내가 아무도 없는 산골에 들어가 18세기의 모습을 그릴 수는 없는 노릇이다. 그렇기 때문에 예술은 그 시대, 사회와 반드시 어떤 연관 관계가 있다. 이것은 작가가 의도해서 보여 주는 것이 아니라, 시간이 한참 지난 후 여러 대중에 의해 판단되는 것이다.” - 曾梵志, Zeng Fanzhi

     


    참고 : 두산백과, 김달진미술연구소 

  • Professional Experiences

    2018

    Hauser & Wirth, 'Zeng Fanzhi. In the Studio', London, UK

    Hauser & Wirth, 'Zeng Fanzhi. In the Studio', Zurich, Switzerland

    Hauser & Wirth, 'Zeng Fanzhi. In the Studio', Central, Hong Kong, China
     

    2017

    The Van Gogh Museum, 'Zeng Fanzhi. Van Gogh', Amsterdam, Netherlands
     

    2016

    UCCA Ullens Center for Contemporary Art, 'Zeng Fanzhi. Parcours', Beijing, China
     

    2015

    Gagosian Gallery, 'Zeng Fanzhi. Paintings, Drawings and Two Sculptures', New York NY

    ShanghART Gallery Beijing, 'Zeng Fanzhi. The Louvre Project', Beijing, China
     

    2014

    Louvre, 'Zeng Fanzhi', Paris, France
     

    2013

    Musée d’Art Moderne de la Ville de Paris, 'Zeng Fanzhi', Paris, France

    Punta della Dogana, 'Zeng Fanzhi', Venice, Italy
     

    2012–2013

    Zeng Fanzhi, Gagosian Gallery, London, England 
     

    2011

    Zeng Fanzhi, Gagosian Gallery, Hong Kong 

    The World Belongs to You, Palalazzo Grassi, Venice, Italy

    Fusion, Contemporary Art Exhibition, Yiyuan Space, Wuhan, China
     

    2010

    Zeng Fanzhi: The Sublime, Union Temple, Brooklyn, USA 

    Zeng Fanzhi, Shanghai Rockbund Art Museum, Shanghai, China 

    Zeng Fanzhi, The National Gallery of Foreign Art, Sofia, Bulgaria 

    Made in popland, National Museum of Contemporary art, Gwacheon, Korea

    And-Writers 2010, Nan Jing Biennale, Jiangsu Provingcial Art Museum, Nangjing, China

    2010 The Constructed Dimension, 2010 Chinese Contemporary Art Invitational Exhibition, National Art Musume of China, Beijing, China

    Reshaping History: Chinart from 2000-2009, Special Documenta, China National Convention Center, Beijing, China

    Thirty Years of Chinese Contemporary Art, Minsheng Art Museum, Shanghai, China

    Fairy Tales: Selections from the MaGMA's collection, Opera Gallery, Singapore

    Photo Exhibition of Contemporary Artists, Today Art Museum, Beijing, China


    ...

    * 2010년 이전 이력 생략

  • Education

    Hubei Academy of Fine Arts, Oil Painting Department

  • Award

    1992

    “Excellence Prize” in the First Guangzhou Biennale
     

    2009

    “Martell Artist of the Year”

    “Oil Painter of the Year” in the “Fourth Annual AAC Award for the Most Influential Participants of Chinese Art”

    “Golden Age Prize” by the Bulgarian Ministry of Culture


큐레이터 노트

쩡판즈는 20세기 중국 현대 회화의 일명 ‘4대 천왕’으로 불리는 대표 작가 중 한 명이다. 쩡판즈의 인물들은 과장된 눈과 손을 가지고 있지만, 그럼에도 불구하고 인물들의 표정은 잘 드러나지 않거나 아예 가면을 씌워 얼굴을 가려 버리기도 한다. 끊임없이 변화 중인 현대 중국을 살아가고 있으며, 그 중에서도 대도시 베이징에서 홀로 서기 위한 작가의 투쟁적인 삶이 잘 드러난다.

혹자는 쩡판즈를 미국의 팝 아트 작가 장 미셸 바스키아(Jean-Michel Basquiat, 1960~1988)와 비교하기도 한다. 그 이유로는 두 예술가는 차별로 인해 고통받은 경험이 있으며, 이러한 경험이 그들의 예술에 지대한 영향을 끼쳤다는 점이다. 바스키아는 백인 중심 사회였던 미국에서 흑인이라는 비주류로 살아왔다. 쩡판즈는 중국의 문화혁명이 절정에 이를 때 초등학교를 다녔으며, 이 때 그의 담임선생님은 쩡판즈의 눈동자가 불온하다는 이유로 불순분자 취급을 하였다. 당시 마오쩌둥에 대한 충성심의 상징으로 붉은 마스크를 받았는데, 초등학교를 졸업할 때까지 붉은 마스크를 받지 못한 사람은 쩡판즈 혼자였다고 한다.

이러한 ‘고독’과 ‘고립’의 경험은 쩡판즈의 예술세계에 있어 중요한 중심축이 된다. 쩡판즈는 중국의 사회 속에서, 그리고 고향을 떠나 베이징이라는 대도시로 이주하고 난 뒤로도 계속해서 이방인이었다. 비주류로 살아가는 고독은 쩡판즈의 작품을 관통하는 공통적인 주제이다. 쩡판즈의 인물들은 가면을 쓰고 모두 같은 표정으로 웃고 있다. 실제로 어떤 표정을 짓고 있을지는 알 수 없으나, 모두가 비슷한 주류, 공동체에 소속되고 싶어하는 쩡판즈의 충족되지 못한 욕구가 잘 드러난다.

쩡판즈는 자신의 연작에 대해, 자신의 내면과 고유한 경험과 추억, 세계에 대한 관점을 그린 것이라고 언급했다. 또한, 작품을 보는 관람객들도 그들 자신의 내면을 생각하기를 바란다고도 언급했다. 쩡판즈가 생각하는 예술가의 역할이란 이처럼 질문을 던지며 사람들에게 생각할 수 있는 부호를 던져 주는 것이다. 개인과 개인, 그리고 개인과 사회의 관계에서 얻게 되는 경험들은 쩡판즈에게 새로운 영감이 되고, 이는 세계인들에게 또 다른 시사점을 남긴다.

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Jeff Koons 제프 쿤스 1955 ~

  • Artist Statement

    제프 쿤스는 현대 미술의 수수께끼이자, 데미안 허스트와 같은 신세대 미술가들에게 큰 영향을 끼친 인물이다. 그의 불분명한 성격과 저속한 대상들에 대한 집착은 그가 반어법적인 비평가인지, 아니면 대중문화와 소비주의의 진정한 애호가인지 그의 정체성에 대한 혼란을 야기한다. 쿤스는 여덟 살이라는 어린 나이에 일찍이 도용에 눈을 떴다.


    그는 옛 거장들의 그림을 모사하고는 ‘제프리 쿤스’라고 서명하여 그것을 아버지의 가게에서 팔았다. 1976년에 메릴랜드 미술대학교를 졸업하고 뉴욕으로 간 쿤스는 뉴욕 근대미술관의 멤버십 안내부에서 뛰어난 실력을 가진 영업사원으로 인정받았다. 이 시기에 쿤스의 작품세계는 풍선 장난감과 같은 기성품들을 사용하는 등 대담하고 참신했다.


    쿤스는 뻔뻔스러운 자기 홍보와 대량 생산되는 상품들을 여러 종류의 미디어를 통해 예술의 지위로 격상시키는 일로서, 1980년대를 마무리했다. 그는 ‘새로운 시리즈’(1980~1983)의 일부로서 진공청소기들을 진열용 유리 상자에 넣어, 시리즈 작품을 만든 것으로 유명해졌다. 정지된 시간과 움직임의 환상을 만들어 내고자 물탱크 안에서 떠다니는 농구공들을 포함한 시리즈 작품 ‘평형’(1985)에서 그는 미국 문화의 상징적인 요소들을 연이어 다루었다.


    1980년대 전반에 걸쳐, 그는 장난감이나 키치적인 대상들을, 스테인리스나 자기 등 다양한 재료들을 사용하여 세련되고 멋진 대형 조각품으로 바꾸어놓았다. ‘진부’(1988)라는 시리즈에서 쿤스는 마이클 잭슨과 그의 애완동물인 침팬지 버블스를 실물과 똑같은 크기의 조각으로 제작하여 사회적 취향과 유명인에 관한 논란을 제기했다. 1991년, 그에 대한 악평은 그가 이탈리아 포르노 여배우이자 국회의원인 일로나 스텔라와 결혼했을 때 극에 달했다.


    성에 관한 노골적인 세부 묘사로 자신들의 관계를 드러낸 ‘메이드 인 헤븐’(1990~1991) 시리즈물은 논란을 일으키면서 베네치아 비엔날레에서 처음으로 전시되었다. 쿤스는 <강아지>(1992)란 작품으로 가장 큰 성공은 이루었다. 이 작품은 높이 12미터의 웨스트 하일랜드 테리어 종의 강아지 조형물로, 1997년 이후로 스페인 빌바오 구겐하임 미술관 외부에서 전시되고 있다. 1990년대 중반 이후로 그는 팽창하는 세계를 기념하는 대형 미술 작품들에 몰두했다.

    * 참고자료 : 제프 쿤스 [JEFF KOONS] (501 위대한 화가, 2009. 8. 20., 스티븐 파딩, 박미훈, 위키미디어 커먼즈, 내셔널 갤러리 런던, 프랑스국립박물관연합(RMN), 더 브릿지먼 아트 라이브러리, 비피케이)


    * 사진출처 : HypeArt (hypebeast.com)

  • Professional Experiences

    2019   

    Jeff Koons at the Ashmolean. Ashmolean Museum, Oxford


    2018   

    Jeff Koons: Works from the Astrup Fearnley Collection. Astrup Fearnley Museum, Oslo, Norway 

    Jeff Koons. Gagosian Gallery, 976 Madison Avenue, New York

    Jeff Koons: Easyfun-Ethereal. Gagosian Gallery, 555 W 24th Street, New York

    Masterpieces. De Nieuwe Kerk Amsterdam, Amsterdam


    2017 

    Jeff Koons. Gagosian Gallery, Beverly Hills, California 


    2016   

    Jeff Koons. Almine Rech Gallery, London, England 

    Jeff Koons: Now. Newport Street Gallery, London, England 

    Jeff Koons: Ballerina. Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires (MALBA), Buenos Aires, Argentina 


    2015   

    Jeff Koons: Gazing Ball Paintings. Gagosian Gallery, 522 W 21st Street, New York

    Jeff Koons: Balloon Venus (Orange). Natural History Museum Vienna, Vienna, 

    Jeff Koons In Florence. Palazzo Vecchio and Piazza della Signoria, Florence

    Jeff Koons: Hulk (Friends). Österreichische Galerie Belvedere, Vienna

    Jeff Koons: A Retrospective. Guggenheim Museum Bilbao, Bilbao, Spain 

    ARTIST ROOMS: Jeff Koons. Norwich Castle Museums & Art Gallery, Norwich

    Jeff Koons: Gazing Ball (Charity). Albright-Knox Art Gallery, Buffalo, New York 

    Jeff Koons: Jim Beam - J.B. Turner Engine and Six Individual Cars. Craig F. Starr Gallery, New York


    ...


    * 2015년 이전 이력 생략

  • Education

    Maryland Institute College of Art, Baltimore, MD

    School of the Art Institute of Chicago, IL

    BFA, Maryland Institute College of Art, Baltimore, MD

  • Award

    2007  

    Officer of the French Legion of Honor, Paris, France


    2009  

    Governor’s Awards for the Arts Distinguished Arts Award, New York, Pennsylvania


    2013  

    State Department’s Medal of Arts awarded by Secretary of State Hillary Rodham Clinton, Art in Embassies, Washington D.C. 

    [awarded during 50th anniversary of the Art in Embassies Program]


    2014  

    Academy of Achievement’s Golden Plate Award, 51st Annual International Achievement Summit, San Francisco, California


큐레이터 노트

'포스트모던 키치의 왕'이라 불리는 제프 쿤스는 미국의 대중문화와 일상생활 속에서 선택한 대상물들을 거대한 크기의 작품으로 선보이며 특유의 처세술과 스타성으로 대중적인 인기와 더불어 상업적으로 성공한 예술가이다. 그는 모두에게 익숙하고 친숙한 대상물을 새로운 시각으로 재창조함으로써 현대미술은 어렵다는 편견을 깨고 대중들이 쉽게 이해하고 해석하며 소통할 수 있도록 만들었다.

제프 쿤스의 대표작으로는 생일 파티나 기념일에 쉽게 볼 수 있는 소품들인 풍선, 꽃, 하트 등을 주제로한 'Celebration(축하 기념)' 시리즈가 있다. 'Celebration' 시리즈는 크게 강아지, 백조, 원숭이 등의 동물을 풍선의 형태로 표현한 작품들과 생일 케이크, 꽃, 하트 풍선, 부활절 계란과 같은 소품을 풍선 형태로 한 작품들로 나눌 수 있다. 마치 어린 시절을 회상케 하는 이러한 작품 외에도 아름다움이 돋보이는 다이아몬드를 형태로한 작품이 있는데, 이 작품은 실제 다이아몬드처럼 52컷의 예리하고 정밀하게 표현되었으며, 다섯가지(레드, 블루, 그린, 핑크, 옐로우)의 유니크한 색상으로 제작된 것이 특징이다.

제프 쿤스의 대형 작품은 주로 스테인리스 스틸 소재를 사용하여 실제의 느낌을 주되 재료의 의외성을 준다. 반짝이도록 금속을 연마하고 제작하는 기술은 독자적인 기술로, 혁신적이면서도 그의 작품 세계를 더욱 정밀하고 섬세하게 표현해준다. 그의 복잡하고 기하학적인 디자인의 작품을 축소하여 만든 에디션 작품 또한 혁신 기술 도입과 전문가의 정밀한 작업을 통해 이루어진다. 프랑스 자기 회사인 베르나르도(Bernardaud)와의 협업을 통해 원작의 스테인리스 스틸이 아닌 자기(Porcelain)를 소재로 표면을 특수 가공 처리하여 원작의 금속 재질처럼 보이도록 제작한다. 에디션으로 제작되는 이 작품들은 제프 쿤스의 키치한 예술성과 베르나르도의 기술력이 만난 최고의 역작이라 할 만하다.

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Diamond (Red), 2020
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Diamond (Red), 2020
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Jean-Michel Othoniel 장-미셸 오토니엘 1964 ~

  • Artist Statement

    ‘유리의 연금술사’라고 불리는 장 미셸 오토니엘은 프랑스 현대미술사를 대표하는 작가로 현재 파리를 기반으로 활동하고 있다.
     

    프랑스 생테티엔(Saint-Etienne) 출신인 그는 1988년 프랑스의 파리 세르지 국립 예술 학교(École Nationale Supérieure d'Arts de Paris-Cergy)를 졸업하기 전인 1985년부터 사진, 조각, 설치, 미디어 작품 등으로 꾸준히 전시활동을 이어갔다. 오토니엘은 왁스와 유황을 이용해 만든 조각품으로 1992년 독일 카셀의 Documenta IX에 참가하면서 현대미술가로서의 존재감을 알리기 시작했다.

    1993년부터는 기쁨, 고통, 상실 및 회복의 경험을 다루기 위해 이탈리아 유리가공 기술자들과의 협업으로 유리를 작품에 사용하기 시작하였고, 이후에도 유럽과 일본, 인도를 오가며 많은 유리 공예가들과 새로운 공예 기술을 연구하며 작업을 이어갔다. 그의 대표적인 이미지로 사용되는 유리구슬 목걸이는 1996년 로마의 메디치 정원의 조각으로 처음 등장하였고, 이후 그의 작품에서 계속해서 반복되는 모티프로 자리잡았다. 
     

    오토니엘은 2000년 파리 지하철 개통 100주년을 기념하여 팔레 루아얄-루브르 박물관역에 무라노 유리와 알루미늄으로 제작한 <야행자들의 키오스크(Kiosque des Noctambules)>를 통해 국제적으로 주목을 받았고, 2015년 베르사유 궁전 '물의 극장'에 <아름다운 춤(Les Belles Danses)>을 영구 작품으로 설치하며 동시대의 영향력 있는 작가로 이름을 올렸다. 2019년에는 루브르 박물관의 유리 피라미드 30주년 기념전을 위해 제작된 <루브르의 장미(La rose du Louvre)>가 현대미술가의 작업으로는 이례적으로 박물관에서 영구 소장되어 화제를 모았다.
     

    현재 그의 작품은 파리 퐁피두 센터와 카르티에 재단, 루브르 박물관, 베니스 페기 구겐하임 컬렉션, 뉴욕 현대미술관과 브루클린미술관, 도쿄 모리미술관과 상해 유즈미술관 등에 영구 소장되어 있으며, 국내에서는 국제 갤러리, 삼성 리움미술관 등을 통해 소개된 바 있다.

    참고자료 : 국제갤러리, OCULA, Artnet


  • Professional Experiences

    2021

    (예정) “Les Noeuds Sauvages”, Montreal, Canada

    (예정) “Roses, Galerie Perrotin”, New York, USA


    2020 

    “Dream Road”, Galerie Perrotin, Tokyo, Japon


    2019 

    Musée du Louvre, Paris, France 

    “Oracles”, Galerie Perrotin, Paris, France 

    “Les Noeuds Mathématiques”, Centre Culturel Néstor Kirchner, Buenos Aires, Argentine

    “Iles Singulières”, Château La Coste, Puy-Sainte Réparade, France

    Galerie Perrotin, Shanghai, China 


    2018

    “Face à l'obscurité”, Musée d'Art Moderne et Contemporain de Saint-Etienne, Saint-Etienne, France

    “Motion – Emotion”, Musée des Beaux-Arts de Montréal, Montreal, Canada

    “Dark Matters”, Galerie Perrotin, New York, USA 

    “Nudos Salvajes, Instituto de Matematicas”, Universidad Nacional Autonoma de Mexico, Mexico


    2017

    “Géométries Amoureuses”, Centre Régional d’Art Contemporain d’Occitanie / Pyrénées –Méditerranée in Sète.

    “Géométries Amoureuses”, Carré Sainte-Anne, espace d’art contemporain de la Ville de Montpellier.

    “Le Cortège endormi”, Eglise Notre Dame de l’Assomption, Valloire, France.


    2016

    “Black Lotus”, Kukje Gallery, Séoul, South Korea.


    2015

    “Jean-Michel Othoniel, Le Cortège Endormi”, Théâtre de la Criée, Marseille, France.

    “Locus Solus”, Galerie des multiples, Dilecta, Paris, France.

    “La Rose des Vents”, Conservatory of Flowers, Golden Gate Park, San Francisco, United States.

    “Othoniel Versailles”, 836M Gallery, San Francisco, United States.

    “Invisibility Faces”, Goetheanum, Dornach, Switzerland.

    “Jean-Michel Othoniel : Secret flower sculptures”, Isabella Stewart Gardner Museum, Boston, United States.


    2014

    “DNA of Love”, Karuizawa New Art Museum, Karuizawa, Japan.

    “Jean-Michel Othoniel”, Hôtel-Dieu, Puy-en-Velay, France.

    “Monumental Sculptures”, Galerie Perrotin, Hong Kong, China.

    “Othoniel”, Atelier Cézanne, Aix-en-Provence, France.


    2013

    “Othoniel, Jewel Boxes”, Savannah College of Art and Design, Savannah, United States.

    “Les Nœuds de Babel”, Galerie Perrotin, Paris, France.


    2012

    “Othoniel” L&M Gallery, New York, United States.

    “My Way”, Brooklyn Museum, New York, United States.

    “My Way”, Museum Art Modern, Macao, China.

    “A Bruit Secret”, Galerie Karsten Greve, Koln, Germany.

    “My Way”, Hara Museum of Contemporary Art, Tokyo, Japan.


    2011

    “My Way”, Plateau/Samsung Museum of Art, Seoul, South Korea.

    “My Way”, Galeries du Musée, Centre Pompidou, Musée National d’Art Moderne, Paris, France.

    “Le Réel Merveilleux”, Galerie des Enfants, Centre Pompidou, Musée National d’Art Moderne, Paris, France.


    2010

    “The Precious Stonewall”, Lalit Kala Akademy’s, New Delhi, India.

    “Jean-Michel Othoniel”, Kukje Gallery, Seoul, South Korea. 
     

    ...

    * 2010년 이전 이력 생략

     

  • Education

    1996 Scholarship, Villa Médicis, Rome, Italy

  • Award

    2011

    Residency in the Isabella Stewart Gardner Museum, Boston, USA


    2009 

    Missions in India supported by the Institut Français (Production of the artwork Precious Stonewall, 2010)


    2006

    Chevalier de l’Ordre des Arts et des Lettres, France

    Citoyen d’Honneur de la ville de Saint-Étienne, France


    1999

    PICA, Portland


    1996

    Villa Médicis, Académie de France à Rome, Rome, Italy


    1992- 1993

    Villa Médicis Hors les Murs, Madrid, Spain


    1990-1993

    Centre International de Recherche sur le Verre et les Arts plastiques (CIRVA), Marseille, France


    1989

    Residency and interventions at the Fondation Cartier, Paris, France

    European Meetings for Artists, Valencia, Spain


    1988

    Scholarship in the Villa Saint-Clair, Sète, France


    1986

    Prix Tremplin, Musée du Donjon, Niort, France

큐레이터 노트

장-미셸 오토니엘은 다양한 시대와 장소의 의식 행위나 종교적 관습 등을 창작의 영감으로 삼고, 이를 개인의 경험을 토대로 작업으로 풀어왔다. 그는 이러한 주제를 '변형'이 용이한 매체인 유리, 황, 왁스 등을 활용하여 표현하였고, 재료를 불로 녹이는 등 인위적인 힘을 가하여 재료의 형태가 바뀌는 순간, 즉 작가 스스로 작업과정에 개입하는 행위에 중점을 두고 예술적 실험을 거듭해 왔다. 이 외에도 미국, 중국, 인도, 멕시코 등 다양한 문화권의 수공예가들과 협업하며 내용적, 형식적인 측면에서도 끊임없이 작업 세계를 확장시켰다.

오토니엘은 프랑스를 대표하는 작가로 파리라는 도시를 잘 담아내고 있다. 그의 작품들은 마치 오트 쿠튀르(Haute couture)에서 볼 수 있을 법하게 화려하고 섬세하다. 유리 작품을 만드는 과정이 '치유'의 과정이었다고 말하는 그는 작품에 사용하는 유리 구슬들을 완벽하고 깨끗한 형태가 아닌 어딘가 흠이 있지만 그럼에도 아름다운 형태를 지닌 것들로 고른다. 깨지거나 얼룩진 유리구슬은 오토니엘의 지나간 과거의 아픔들을 상징하며, 그는 이들을 모아 엮어 아름다운 하나의 작품으로 재탄생 시킨다.

그의 작품의 주재료로 사용되는 유리는 견고함과 연약함, 가벼움과 예민함을 상징한다. 작가 스스로의 감정은 물론, 상반되는 존재가 만났을 때의 긴장감과 긍정적인 에너지를 반영하고, 환상적인 기분을 선사하는 동시에 극한의 아름다움을 통해 일종의 공포심을 느끼게 한다. 오토니엘은 초기에 검고 불투명한 흑요석을 사용하다가, 이후 무라노 섬에서 제작한 다채롭고 투명한 유리를 사용하며 어두운 것 부터 밝은 것까지, 유리 활용의 변화를 통해 삶과 관점의 변화를 일깨워주는 과정을 보여주었다. 이전 작품에서 슬픔과 상처, 위안과 위로를 담았다면 현재의 오토니엘은 진취적이고 희망차며 생동감 넘치는 작품들을 선보인다. 작품을 통해 스스로의 감정을 그대로 표출한 그의 작품은 일종의 자화상이라고 볼 수 있다.

참고자료 : 디자인하우스 LUXURY, BAZAAR, VOGUE

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Julian Opie 줄리안 오피 1958 ~

  • Artist Statement

    줄리안 오피는 영국의 조각가이자 디지털 아티스트로 전 세계 미술계의 영향력 있는 대표적인 팝 아티스트로 손꼽힌다. 조각과 회화의 영역을 폭넓게 아우르는 후기 모더니즘의 주요 작가인 그는 옥스퍼드에서 태어나 골드스미스 예술학교에서 마이클 크레이그-마틴의 가르침을 받았다.


    초기에는 가전제품, 건축구조, 추상적이고 기하학적인 모양의 조각 위주로 작업하였다. 그의 작품은 특히 앤디 워홀과 로이 리히텐슈타인의 작품인 고전적인 초상화, 일본의 목판화, 팝 아트 미학을 바탕으로 하고 있다. 최근에는 다양한 디지털 미디어를 이용하여 ‘움직이는 미디어’ 작품들을 선보이며 특유의 축약된 형식으로 현대인의 모습을 다양하게 표현해냈다. 굵은 선과 단순화된 도형을 통해 대상의 핵심을 잡아 역동적으로 표현해내는 것이 특징이다.


    줄리안 오피는 2009년 서울광장뿐만 아니라 전 세계의 다양한 도시와 공공 프로젝트를 진행하였고, 현재 테이트, 대영박물관, 뉴욕현대미술관, ICA 보스턴 등 전 세계 다양한 곳에서 작품을 만나볼 수 있다.

  • Professional Experiences

    2010 ~ 2020


    2020

    Berardo Museum, Lisbon, Portugal


    2019

    Eden Project, Cornwall, UK

    Lisson Gallery, New York, USA

    Gerhardsen Gerner, Oslo, Norway

    Lehmbruck Museum, Duisburg, Germany

    Tokyo Opera City Art Gallery, Tokyo, Japan

    Krobath Gallery, Vienna, Austria


    2018

    F1963, Busan, South Korea

    Alan Cristea Gallery, London, UK

    Krakow Witkin Gallery, Boston, USA

    National Gallery of Victoria, Melbourne, Australia


    2017

    Fosun Foundation, Shanghai, China

    Fundacion Bancaja, Valencia, Spain

    “Julian Opie After Van Dyck” National Portrait Gallery, London, UK

    Suwon Ipark Museum, Suwon, Korea


    2016

    Art Geneve, Geneva, Switzerland

    Gerhardsen Gerner. Berlin, Germany

    Krobath. Vienna, Austria 

    Maho Kubota Gallery, Tokyo


    2015

    ARCO, Madrid, Spain 

    Mario Sequeira, Braga, Portugal

    “Recent Works”, Kunsthalle Helsinki. Helsinki, Finland

    Alan Cristea Gallery, London, UK

    Gerhardsen Gerner, Oslo, Norway


    2014

    SCAI The Bathhouse, Tokyo, Japan

    “Ikon Icon 2000s”, Ikon, Birmingham, UK

    MoCAK (Museum of Contemporary Art Krakow), Krakow, Poland

    “Julian Opie Collected Works” Holburne Museum, Bath and Bowes Museum, Durham, UK

    Gerhardsen Gerner, Berlin, Germany

    Krobath Galerie, Berlin, Germany

    Channing School for Girls, ARK Gallery, London, UK

    Kukje Gallery, Seoul, South Korea 

    “Winter and other Seasons: Landscapes by Julian Opie”, British Council, London, UK


    2013

    Barbara Krakow, Boston, USA

    Valentina Bonomo, Rome, Italy

    Krobath Gallery, Vienna, Austria

    Patrick de Brock, Knokke, Belgium

    Alan Cristea Gallery, London, UK

    Gerhardsen Gerner, Oslo, Norway


    2012

    Sakshi Gallery, Mumbai, India

    Lisson Gallery, London, UK


    2011

    Lisson Gallery, Milan, Italy

    National Portrait Gallery, London, UK

    Krobath, Berlin, Germany

    Alan Cristea Gallery, London, UK (exh cat)

    Bob van Orsouw, Zurich, Switzerland


    2010

    Barbara Krakow Gallery, Boston, USA

    Mario Sequeira, Braga, Portugal

    IVAM, Valencia, Spain

    Galerist, Istanbul, Turkey


    ...


    * 2010년 이전 이력 생략

  • Education

    Goldsmiths, University of London

  • Award

    2001 Music Week CADS, Best Illustration for Best of Blur 

    1995-1996 Residency at the Atelier Calder in Sache, France 

    1995 Sargant Fellowship at the British School in Rome

큐레이터 노트

줄리안 오피는 건축물과 오브제를 재해석한 작품으로 세계적인 주목을 받기 시작했다. 이후 컴퓨터를 사용하는 드로잉으로 발전하면서 눈코입 없이 동그란 얼굴로 걷고 있는 특유의 작업 시리즈를 보여준다. 사진이나 단편 영화를 단순화해 컴퓨터 그래픽을 이용해 구상 미술로 재생산한 그의 작업은 팝 아트의 전형적인 특징을 지닌다.
1990년대 들어서는 본격적으로 ‘인물’에 집중하기 시작했다. 줄리안 오피는 특정 장소의 인물을 보여주면서 그 도시의 분위기와 역동적인 삶을 표현했다. 사람들이 걸을 때 가장 자연스러운 상태라고 생각한 그는 걷는 모습을 통해 도시와 직업군의 색상과 온도까지 묘사했다. 줄리안 오피의 작업에서 볼 수 있는 독특한 특징은 ‘렌티큘러(Lenticular)’의 활용이다.
3D 이미지 기법의 하나인 렌티큘러는 다층의 이미지가 중첩되기 때문에 정면에서는 고정된 이미지로 보이지만 각도를 달리하면 이미지가 변형된다. 줄리안 오피는 이러한 렌티큘러의 특징을 이용하여 보는 각도에 따라 모듈화된 인물의 이미지가 걷게 되는 이른바 ‘Walking’ 시리즈를 탄생시켰다. 줄리안 오피의 초상화 스타일과 디지털 디자인은 현대 미술 분야를 넘어 상업 디자인 분야로 확장하고 있다. 2001년 영국의 록밴드 블러(Blur)의 앨범 재킷을 디자인하면서 대중에게 널리 알려졌고, 뮤직 위크 CADS에서 최우수 일러스트레이션상을 수상한 바 있다.

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Jonas Wood 조나스 우드 1977 ~

  • Artist Statement

    조나스 우드는 보스턴 출신의 현대회화 작가로 일상에서 만나는 인물, 식물, 풍경, 인테리어 등 친밀한 소재를 독특한 색채감과 구성으로 표현해 낸 것이 특징이다. 그 중에서도 그의 화풍이 돋보이는 식물 그림들이 가장 유명하다. 현재 전 세계 미술 애호가들 사이에서 주목받는 작가이며, 10년 사이 100배가량의 작품가가 상승하는 등 눈에 띄는 상승세로 최근 미술시장에서 활발하게 거래되고 있는 떠오르는 작가이다.
     

    조나스 우드는 어릴적부터 프랜시스 베이컨(Francis Bacon), 알렉산더 칼더(Alexander Calder), 짐 다인(Jim Dine), 로버트 마더웰(Robert Motherwell), 래리 리버스(Larry Rivers), 앤디 워홀(Andy Warhol)과 같은 유명한 예술가들의 작품을 수집하는 조부의 영향을 받으며 성장하였다. 그는 1999년 뉴욕 제네바에 있는 호바트와 윌리엄 스미스 대학에서 심리학과 스튜디오 아트를 전공하여 학사 학위를 취득하였고, 이후 2002년에 시애틀 워싱턴 대학에서 회화와 드로잉으로 석사 학위를 받았다. 
     

    졸업 직후 로스엔젤레스로 이주하여 화가 로라 오웬스(Laura Owens)의 스튜디오에서 2년 그리고 조각가 맷 존슨(Matt Johnson)의 스튜디오에서 2년 동안 어시스트로 일하며 본인의 작업 세계를 넓혔다. 우드는 LA의 화창한 날씨와 잘 어울리는 밝고 경쾌한 색채를 담은 작품들을 작업하였고, 이 작품들은 LA에 위치한 MOCA(The Museum of Contemporary Art) 건물 외벽을 장식하기도 했다. 
     

    조나스 우드에 대해 이야기할 때 그의 아내이자 뮤즈, 예술적 파트너인 도예 작가 쿠사카 시오(Shio Kusaka)에 대한 이야기를 빼놓을 수 없다. 우드가 시오의 도자기에 그림을 그리기도 하고, 우드의 그림 속에 시오의 도자기가 등장하기도 한다. 그 둘은 현재까지도 함께 작업실을 공유하고 있으며, 공동 전시를 개최하는 등 서로의 완벽한 뮤즈로 다양한 작품 활동을 선보이고 있다. 

    참고문헌 : Gagosian Gallery, David Kordansky Gallery, 위키백과

  • Professional Experiences

    2019

    “Jonas Wood” Dallas Museum of Art, Dallas, TX.


    2018

    “Jonas Wood: Prints” Gagosian, 976 Madison, New York, NY.


    2017

    “Jonas Wood: Interiors and Landscapes” David Kordansky Gallery, Los Angeles, CA.

    “Shio Kusaka & Jonas Wood” Museum Voorlinden, Wassenaar, The Netherlands.

    “Ed Ruscha / Jonas Wood: Notepads, Holograms, and Books” Gagosian Gallery, San Francisco, CA.


    2016

    “Jonas Wood: Still Life With Two Owls”Museum of Contemporary Art Los Angeles, Los Angeles, CA.


    2015

    “Jonas Wood” Gagosian Gallery at Eden Rock Gallery, St. Barths.

    “Jonas Wood” Gagosian Gallery, Britannia Street, London, England.

    “Shio Kusaka and Jonas Wood” Karma, New York, NY.

    “Jonas Wood and Shio Kusaka: Blackwelder” Gagosian Gallery, Hong Kong, China.


    2014

    David Kordansky Gallery, Los Angeles, CA.


    2013

    “Clippings” Lever House, New York, NY.

    Anton Kern Gallery, New York, NY.

    “Jonas Wood & Shio Kusaka: Still Life with Pots” Glenn Horowitz Bookseller, East Hampton, NY.

    Shane Campbell Gallery, Chicago, IL.


    2012

    David Kordansky Gallery, Los Angeles, CA.


    2011

    Anton Kern Gallery, New York, NY.

    “Anthony Pearson and Jonas Wood: UNTITLED” New York, NY.

    Patrick De Brock Gallery, Knokke, Belgium.


    2010

    “Jonas Wood: Prints” Cirrus Gallery, Los Angeles, CA.

    “Hammer Projects: Jonas Wood” The Hammer Museum, Los Angeles, CA.

    “Chris Caccamise and Jonas Wood” La Montagne, Boston, MA.


    2009

    Shane Campbell Gallery, Chicago, IL.

    “Jonas Wood and Mark Grotjahn ‘Collaborative Works” ’ T&S n’ Kreps, New York, NY.

    Gallery MinMin, Tokyo, Japan.


    2008

    Anton Kern Gallery, New York, NY.


    2007

    Shane Campbell Gallery, Chicago, IL.

    Anton Kern Gallery, New York, NY.

    “Primitives: Chris Caccamise and Jonas Wood” Cereal Art, Philadelphia, PA.


    2006

    Black Dragon Society, Los Ang


    2005

    RAW & CO, Cleveland, OH.

  • Education

    2002 MFA, Painting and Drawing, University of Washington, Seattle, WA.

    1999 BA, Psychology, Hobart and William Smith Colleges, Geneva, NY.

  • Award

    2017 TWO × TWO the amfAR Award of Excellence for Artistic Contributions

큐레이터 노트

조나스 우드는 LA 특유의 활기찬 특징을 가장 잘 드러내는 아티스트이다. 우드는 회화라는 전통적 매체를 충실하게 따르며 신세대적 발상을 접목시킨다. 큐비즘과 팝아트에서 영향을 받은 그의 작품은 단순하고 평면적으로 보이지만 독특한 깊이감을 보여주는 것이 특징이다. 구상적이지만 사실적이지는 않고, 그래픽 이미지나 일러스트처럼 평면적이지만 기하학적으로 균형이 맞기도 하다. 그는 자신에 대해 “구상주의 화가이지만 그림에 접근할 때에는 무엇이든 상관없다” 라고 말하며, “색이나 형태, 패턴에서 어떤 균형을 찾는 것이 중요하다” 라고 강조한다.

조나스 우드는 초상화, 정물화, 실내 인테리어나 풍경 등 일상에서 만나는 모습들을 주소재로 작업한다. 주로 일러스트나 애니메이션을 연상시키는 평평한 형태와 색면을 즐겨 사용하는 그는 새로운 것 그리고 익숙한 것의 경계를 허물어트리며 일상 생활에서 쉽게 볼 수 있는 풍경들에 대한 인식을 새롭게 한다. 그는 작업에 사진을 적극적으로 이용하는데, 사진을 콜라주하거나 작품에 직접 사용하기도 하고, 사진을 바탕으로 그림을 그리기도 한다.

일상을 소재로한 그림 중에서도 식물이나 화분, 화병 등을 그린 작품이 더욱 흥미로운 것은 입체적인 3차원 세계를 평평한 면과 선으로 재구성하여 식물이나 화분을 주인공으로 확대하거나 정성스럽게 묘사하며 새로운 스타일의 구성화로 담아냈기 때문이다.

이렇듯 우드의 독창적인 화풍으로 표현해 낸 식물 그림들은 현대인에게 편안한 휴식을 선사한다. 전위적이고 자극적으로 다가올 수 있는 현대 미술의 홍수 속에서 우드의 작품은 익숙하면서도 새로운 느낌으로 우리의 감각을 자극한다. 초록색이 가득한 풍경은 사실적인 일러스트 같기도 하면서, 입체적 회화를 연상시키기도 한다. 또한, 텍스타일 패턴의 형태와 유사성을 보이기도 하는데, 이는 평면적인 느낌을 주기도 한다.

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James Jean 제임스 진 1979 ~

  • Artist Statement

    제임스 진은 세계적인 팬덤을 가지고 있는 일러스트레이터이자 회화 작가이다. 대만 출신인 그는 3살이 되던 해 미국 뉴저지로 이주해 뉴욕의 미술 명문인 The School of Visual Arts (SVA)에서 일러스트레이션학을 전공한 뒤, 로스앤젤레스를 기반으로 현재까지 다양한 작업을 보여주고 있는 작가이다.
     

    그는 대학을 졸업하자마자 2001년부터 DC 코믹스의 《페이블스》(Fables) 시리즈의 커버 아트를 전담하면서 이름을 알리기 시작했다. 자신만의 독창적인 스타일이 담긴 커버 아트로 제임스 진은 만화계의 아카데미상이라 불리는 아이스너 어워즈(Eisner Awards)에서 5년 연속 수상하였고, 하비 어워즈(Harvey Awards)의 'Best Cover Artist'로 3년 연속 선정되었다. 이를 계기로 일러스트레이터로서의 입지를 더욱 다지게 된 그는 2008년, 본격적으로 자신이 원하던 회화 작업을 시작하게 된다. 
     

    제임스 진은 본인의 독특한 아이디어와 스토리를 화려한 드로잉 실력으로 표현해내며 순수 예술로서의 작품성뿐만 아니라 상업성까지 인정받게 되었다. 그는 세계적인 브랜드인 프라다와 10여년 간 3회에 걸쳐 협업을 진행하였고, 나이키, 애플과 같은 브랜드 외에도 타임, 뉴욕 타임스, 롤링 스톤, 보그와 같은 다양한 매체들과의 협업을 통해 전 세계적인 아티스트로 자리매김하게 되었다. 이 외에도 ‘쉐이프 오브 워터’, ‘블레이드 러너 2049’, ‘마더!’ 등의 일러스트레이션 영화 포스터를 제작하기도 하였다. 특히 국내에서는 2019년에 개봉한 박서준 주연의 ‘사자’ 영화 포스터를 그려 화제가 되었다.
     

    제임스 진은 2009년 뉴욕에서 열린 첫 개인전 《Kindling》을 통해 예술계뿐만 아니라 대중들에게도 큰 사랑을 받았다. 뉴욕현대미술관(MoMA), 로스앤젤레스 카운티 뮤지엄(LACMA) 등 세계 유수의 미술관에서 진행된 전시 외에도 2019년 국내에서 첫 대규모 회고전이 롯데뮤지엄에서 진행되었다. 현재는 BTS와 컬래버레이션한 전시 ‘[BTS X JAMES JEAN] SEVEN PHASES’가 용산에 위치한 HYBE INSIGHT에서 진행되고 있다.


    * 참고자료 : 위키백과, 롯데뮤지엄, Hypebeast Kr
    * 사진출처 : Hypebeast Kr. Photo by Seunghoon Jeong

  • Professional Experiences

    2021
    [BTS X JAMES JEAN] SEVEN PHASES, HYBE INSIGHT, Seoul, Korea

    2019

    Eternal Journey, Lotte Museum of Art, Seoul, Korea
     

    2018

    Azimuth, Kaikai Kiki Gallery, Tokyo, Japan
     

    2015

    Zugzwang, Hidari Zingaro Gallery, Tokyo, Japan
     

    2013

    Parallel Lives, Jack Tilton Gallery, New York, NY
     

    2011

    Rebus, Martha Otero Gallery, Los Angeles, CA
     

    2009

    Kindling, Jonathan Levine Gallery, New York, NY


  • Education

    1997-2001 B.F.A. The School of Visual Arts, New York, NY B.F.A

  • Award

    2008

    Bronze Lion, Cannes Lions Festival 2008, Cannes, France.

    Best Packaging Design (Nomination), Grammy Award, Los Angeles, CA

    Best Cover Artist, Eisner Award, San Diego, CA

    Best Publication Design, Eisner Award, San Deigo, CA
     

    2007

    Gold Medal, Society of Illustrators, New York, NY

    Best Cover Artist, Eisner Award, San Diego, CA

    Best Short Story, Eisner Award, San Diego, CA.

    Best Cover Artist, Harvey Award

    Gold Medal, Society of Illustrators, Los Angeles, CA
     

    2006

    Best Cover Artist, Eisner Award, San Diego, CA

    Best Cover Artist, Harvey Award
     

    2005

    Best Cover Artist, Eisner Award, San Diego, CA

    Best Cover Artist, Harvey Award
     

    2004

    Best Cover Artist, Eisner Award, San Diego, CA
     

    2001

    Alan M. Goffman Award, New York, NY
     

    2000

    Gold Medal, Society of Illustrators, Los Angeles, CA

    Gilbert Stone Award, School of Visual Arts, New York, NY

    Jellybean Photographics Millenium Award, New York, NY


큐레이터 노트

제임스 진의 작품은 화려한 색감과 디테일한 형태에 그의 상상력이 더해져 현실과 환상, 화려함과 어두움이라는 상반된 요소가 부딪히며 나타나는 몽환적인 작품세계가 특징이다. 일찍이 미국으로 이주해 생활을 한 제임스 진은 아시아인과 미국인 그 어느 쪽에도 속하지 못하면서 느낀 고립감과 자신의 정체성에 대한 혼란을 작품에 표현하였다. 자기 스스로의 내면세계를 들여다보며 느낀 감정은 물론, 자신의 삶과 정체성을 탐구하며 동양과 서양, 전통과 문화, 시간과 공간에 무한한 상상력을 더해 자신만의 내러티브 세계를 만들어 냈다.

코믹스에서의 커버 아트 작업은 그에게 있어 기법, 지식, 통찰력과 더불어 여러 이미지와 그림체를 자연스럽게 섞는 방법, 작품의 스토리텔링을 더하는 방법을 터득하게 해주었다. 상업적인 일러스트레이터로서의 활발한 활동 이후, 예전부터 원하던 순수 회화의 길을 선택한 제임스 진은 다소 어둡고 우울하지만 강렬한 색감의 작품을 선보인다. 2010년대부터는 추상적인 작품을 시도하거나 복잡하고 불확실한 형태의 작품을 선보이기도 하였다.

제임스 진은 서양에서 그림을 배운 만큼 주로 아크릴, 유화, 콩테 등의 서양화 재료들을 사용하지만, 작품의 소재로는 동양화 혹은 동양문화에서 볼 수 있는 요소들을 사용하는 것이 특징이다. 동양인 아이, 호랑이, 꽃, 일본의 우키요에 등이 작품에 재해석되었으며, 세밀한 묘사와 독특한 색감의 조화에 제임스 진만의 스토리를 더해 판타지적인 이미지를 만들어 낸다.

제임스 진은 현재에 들어 밝은 에너지를 담아 또 다른 변화를 주고 있다. 자신의 아들에 대한 사랑을 작업으로 표현하며 그동안 찾지 못한 즐거움이나 기쁨의 감정들을 나타냈다. 늘 끊임없는 노력과 새로운 시도를 하는 그는 많은 인기와 함께 앞으로가 더욱 기대되는 작가이다.

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전화문의
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1. 신청 내용에 허위, 기재누락, 오기가 있는 경우
2. 미성년자가 담배, 주류 등 청소년보호법에서 금지하는 재화 및 용역을 구매하는 경우
3. 상행위(재판매)를 목적으로 구매하는 거래이거나, 거래 정황상 상행위(재판매)를 목적으로 한 구매로 판단되는 경우
4. 기타 구매신청에 승낙하는 것이 “몰” 기술상 현저히 지장이 있다고 판단하는 경우
② “몰”의 승낙이 제12조 제1항의 수신확인통지형태로 이용자에게 도달한 시점에 계약이 성립한 것으로 봅니다.
③ “몰”의 승낙의 의사표시에는 이용자의 구매 신청에 대한 확인 및 판매가능 여부, 구매신청의 정정 취소 등에 관한 정보 등을 포함하여야 합니다. 제 11조 (지급방법) ① “몰”에서 구매한 재화 또는 용역에 대한 대금지급방법은 다음 각 호의 방법 중 가용한 방법으로 할 수 있습니다.
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3. 온라인 무통장 입금
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8. 기타 전자적 지급 방법에 의한 대금 지급 등
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2. 이용자의 사용 또는 일부 소비에 의하여 재화 등의 가치가 현저히 감소한 경우
3. 시간의 경과에 의하여 재판매가 곤란할 정도로 재화 등의 가치가 현저히 감소한 경우
4. 같은 성능을 지닌 재화 등으로 복제가 가능한 경우 그 원본인 재화 등의 포장을 훼손한 경우
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⑧ “몰” 또는 그로부터 개인정보를 제공받은 제3자는 개인정보의 수집목적 또는 제공받은 목적을 달성한 때에는 당해 개인정보를 지체 없이 파기합니다. 제18조 (“몰“의 의무) ① “몰”은 법령과 이 약관이 금지하거나 공서양속에 반하는 행위를 하지 않으며 이 약관이 정하는 바에 따라 지속적이고, 안정적으로 재화. 용역을 제공하는데 최선을 다하여야 합니다.
② “몰”은 이용자가 안전하게 인터넷 서비스를 이용할 수 있도록 이용자의 개인정보(신용정보 포함)보호를 위한 보안 시스템을 갖추어야 합니다.
③ “몰”이 상품이나 용역에 대하여 「표시. 광고의 공정화에 관한 법률」 제3조 소정의 부당한 표시. 광고행위를 함으로써 이용자가 손해를 입은 때에는 이를 배상할 책임을 집니다. 제19조 (회원의 ID 및 비밀번호에 대한 의무) 1. 제17조의 경우를 제외한 ID와 비밀번호에 관한 관리책임은 회원에게 있습니다.
2. 회원은 자신의 ID 및 비밀번호를 제3자에게 이용하게 해서는 안됩니다.
3. 회원이 자신의 ID 및 비밀번호를 도난 당하거나 제3자가 사용하고 있음을 인지한 경우에는 바로 “몰”에 통보하고 “몰”의 안내가 있는 경우에는 그에 따라야 합니다. 제20조(이용자의 의무) 이용자는 다음 행위를 하여서는 안됩니다.
1. 신청 또는 변경 시 허위 내용의 등록
2. 타인의 정보 도용
3. “몰”에 게시된 정보의 변경
4. “몰”이 정한 정보 이외의 정보(컴퓨터 프로그램 등) 등의 송신 또는 게시
5. “몰” 기타 제3자의 저작권 등 지적재산권에 대한 침해
6. “몰” 기타 제3자의 명예를 손상시키거나 업무를 방해하는 행위
7. 외설 또는 폭력적인 메시지, 화상, 음성, 기타 공서양속에 반하는 정보를 몰에 공개 또는 게시하는 행위 제21조 (연결“몰”과 피연결 “몰” 간의 관계) ① 상위 “몰”과 하위 “몰”이 하이퍼링크(예: 하이퍼 링크의 대상에는 문자, 그림 및 동화상 등이 포함됨)방식 등으로 연결된 경우, 전자를 연결 “몰”(웹 사이트)이라고 하고 후자를 피연결 “몰”(웹사이트)이라고 합니다.
② 연결 “몰”은 피연결 “몰”이 독자적으로 제공하는 재화 등에 의하여 이용자와 행하는 거래에 대해서 보증책임을 지지 않는다는 뜻을 연결“몰”의 초기화면 또는 연결되는 시점의 팝업화면으로 명시한 경우에는 그 거래에 대한 보증책임을 지지 않습니다. 제22조(저작권의 귀속 및 이용제한) ① “몰“이 작성한 저작물에 대한 저작권 기타 지적재산권은 ”몰“에 귀속합니다.
② 이용자는 “몰”을 이용함으로써 얻은 정보 중 “몰”에게 지적재산권이 귀속된 정보를 “몰”의 사전 승낙 없이 복제, 송신, 출판, 배포, 방송 기타 방법에 의하여 영리목적으로 이용하거나 제3자에게 이용하게 하여서는 안됩니다.
③ “몰”은 약정에 따라 이용자에게 귀속된 저작권을 사용하는 경우 당해 이용자에게 통보하여야 합니다. 제23조(분쟁해결) ① “몰”은 이용자가 제기하는 정당한 의견이나 불만을 반영하고 그 피해를 보상처리하기 위하여 피해보상처리기구를 설치, 운영합니다.
② “몰”은 이용자로부터 제출되는 불만사항 및 의견은 우선적으로 그 사항을 처리합니다. 다만, 신속한 처리가 곤란한 경우에는 이용자에게 그 사유와 처리일정을 즉시 통보해 드립니다.
③ “몰”과 이용자 간에 발생한 전자상거래 분쟁과 관련하여 이용자의 피해구제신청이 있는 경우에는 공정거래위원회 또는 시, 도지사가 의뢰하는 분쟁조정기관의 조정에 따를 수 있습니다. 제24조(재판권 및 준거법) ① “몰”과 이용자 간에 발생한 전자상거래 분쟁에 관한 소송은 제소 당시의 이용자의 주소에 의하고, 주소가 없는 경우에는 거소를 관할하는 지방법원의 전속관할로 합니다. 다만, 제소 당시 이용자의 주소 또는 거소가 분명하지 않거나 외국 거주자의 경우에는 민사소송법상의 관할법원에 제기합니다.
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최종개정일: 2019년 11월 20일

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