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Zeng Fanzhi    쩡판즈

1964 ~

가면을 통해 인간과 세계를 관조하는 20세기 중국의 대표 예술가

쩡판즈는 현대미술의 3세대 작가로 중국 아방가르드 미술을 대표한다. 그는 1964년 중국 우한에서 태어났다. 이 시기는 1960년대 중국의 내부적 사회변화와 서구의 표현주의의 도입이 있던 시기로 중국인으...<상세보기>

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Jeff Koons   제프 쿤스

1955 ~

생존하는 가장 비싼 예술가이자 포스트 모던 키치의 왕

제프 쿤스는 현대 미술의 수수께끼이자, 데미안 허스트와 같은 신세대 미술가들에게 큰 영향을 끼친 인물이다. 그의 ...<상세보기>

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Anish Kapoor   아니쉬 카푸어

1954 ~

명상을 통해 숭고한 조각을 만드는 아티스트

세계적으로 유명한 영국의 조각가 아니쉬 카푸어는 인도 봄베이 태생으로, 1972년에 미술 공부를 하기 위해 영국으로 건너갔다. 그는 혼지 미술 대학과 첼시 미술, 디자인대학을 다닌 후 울버햄프턴 폴리테크닉에서 ...<상세보기>

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Jean-Michel Othoniel   장-미셸 오토니엘

1964 ~

아름다운 유리구슬을 꿰어 치유와 희망의 메시지를 전하는 아티스트

‘유리의 연금술사’라고 불리는 장 미셸 오토니엘은 프랑스 현대미술사를 대표하는 작가로 현재 파리를 기반으로 활동하고 있다. ...<상세보기>

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Andy Warhol   앤디 워홀

1928 ~ 1987

대중문화와 자본주의를 재료로 한 팝아트의 대가

앤디 워홀은 전통적인 미술의 개념과 일상생활을 통합하는 대중미술의 파생물인 팝 아트(Pop art)를 대표하는 거장이자 20세기 가장 영향력 있는 미술가이다. 그는 ...<상세보기>

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Alex Katz   알렉스 카츠

1927 ~

가장 뉴욕적인 화가이자 현대 초상회화의 거장

뉴욕 브루클린에서 태어난 카츠는 1950년대 이래 인물 초상을 주로 그리며 가장 뉴욕적인 화가로 자리매김했다. 알렉스 카츠는 단순하고 과감한 화면 구성과 대담한 채색...<상세보기>

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Michael Craig-Martin   마이클 크레이그 마틴

1941 ~

단순함이 만들어 낸 예술, 영국 개념 미술의 거장

마이클 크레이그 마틴은 제1세대 영국 개념미술가들 사이에서 영향력 있는 인물로 아일랜드 출신의 설치미술가이자 화가이다. 미니멀아트로부터 영향을 받았고, 후기 작품은 ...<상세보기>

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Tracey Emin   트레이시 에민

1963 ~

상처와 치유, 자기 고백적 표현의 예술가

영국의 미술가로 회화부터 비디오, 아플리케 패브릭 등 다양한 매체를 사용하여 고백적이고 자전적인 주제를 표현한다. 설치작품 ‘나의 침대’로 터너 상 후보에 오르며 미...<상세보기>

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Julian Opie   줄리안 오피

1958 ~

간결함이 만들어낸 현대인의 초상, 영국의 대표 팝아티스트

줄리안 오피는 영국의 조각가이자 디지털 아티스트로 전 세계 미술계의 영향력 있는 대표적인 팝 아티스트로 손꼽힌다. 조각과 회화의 영역을 폭넓게 아우르는 후기 모더니즘...<상세보기>

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Mel Bochner   멜 보크너

1940 ~

예술과 비예술의 경계를 지우는 타이포그래피 예술가

멜 보크너는 미국 출신의 개념미술가이며, 뉴욕에서 활동한다. 보크너는 1970년대 후반부터 그림을 그리기 시작했는데, 그의 그림은 단어를 이용한 간단한 업부터 자신이...<상세보기>

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Zeng Fanzhi 쩡판즈 1964 ~

  • Artist Statement

    쩡판즈는 현대미술의 3세대 작가로 중국 아방가르드 미술을 대표한다.
    그는 1964년 중국 우한에서 태어났다. 이 시기는 1960년대 중국의 내부적 사회변화와 서구의 표현주의의 도입이 있던 시기로 중국인으로서 특별한 시기였다.

    쩡판즈는 1985년 당시 처음으로 모더니즘 미술을 접하고 강한 충격을 받았다. 아마추어 청년화가들의 모임에 작품을 출품하며 입시를 준비하던 그는 후베이 미술학원 유화과에 입학하여 표현주의적 방식을 집중 연구하고 실험하였고, 회화 예술 영역에서 중국 사회의 발전을 표현하였다. 
     

    쩡판즈는 주로 가면을 소재로 하여 인간의 내면과 외부세계 사이의 모순을 강조한다. 1993년 베이징이라는 대도시로 이주하면서, 거대 도시가 내뿜고 있는 허영, 기만, 자기만족, 고독, 이질감 속에서 홀로서기를 해야 했던 작가의 경험을 작품에 반영하고 있다. 이러한 경험은 쩡판즈의 작품 안에서 마스크를 씌운 사람들로 표현되었는데, 가면과 얼굴 피부가 밀착되어 표정을 담아내고 있다는 점이 특징적이다. 쩡판즈의 가면은 단순히 얼굴을 가리는 도구가 아니라, 얼굴의 표정과 마음까지 통제해 버리는 수단인 것이다. 
     

    그의 작품들은 주로 병원의 풍경을 배경으로 하여 인물의 내면적인 세계와 심리를 표현하는 데 중점을 두었는데, 거친 붓터치와 커다란 눈동자, 커다란 손과 얼굴로 불균형적인 신체 비례 등을 특징으로 들 수 있다. 다양한 형상으로 작업해온 가면 시리즈는 격변을 겪고 있는 중국의 역사 속에서 사회와 개인, 개인과 개인, 자아와 욕망의 관계를 반영한다. 
     

    2005년 이후, 쩡판즈의 작품은 점차 절제 있는 중국 전통화의 선묘법 형태로 변화하였다. 그는 중국 수묵화 풍의 <무제(Untitled)> 시리즈를 통해 중국의 광활한 자연에 감정을 이입하였다. 그가 주목받게 된 가면 시리즈에 안주하지 않고, 중국 전통회화에 관심을 놓지 않으며 선으로 유화를 표현하려 끊임없이 노력한다. 


    ‘모든 일상이 영감의 원천’이라는 쩡판즈는, 중국의 데미안 허스트라는 별명을 얻으며 세계의 주목 받는 스타 작가가 되었다. 쩡판즈의 작품 가격으로는 2011년작 <최후의 만찬>이 2330만 달러에 낙찰돼 아시아 현대 미술 역사상 최고가를 기록하기도 했으며, 최근에도 여전히 높은 가격대를 기록하고 있다. 



    “예술가라면 사회를 관조해야 한다. 21세기를 살고 있는 내가 아무도 없는 산골에 들어가 18세기의 모습을 그릴 수는 없는 노릇이다. 그렇기 때문에 예술은 그 시대, 사회와 반드시 어떤 연관 관계가 있다. 이것은 작가가 의도해서 보여 주는 것이 아니라, 시간이 한참 지난 후 여러 대중에 의해 판단되는 것이다.” - 曾梵志, Zeng Fanzhi

     


    참고 : 두산백과, 김달진미술연구소 

  • Professional Experiences

    2018

    Hauser & Wirth, 'Zeng Fanzhi. In the Studio', London, UK

    Hauser & Wirth, 'Zeng Fanzhi. In the Studio', Zurich, Switzerland

    Hauser & Wirth, 'Zeng Fanzhi. In the Studio', Central, Hong Kong, China
     

    2017

    The Van Gogh Museum, 'Zeng Fanzhi. Van Gogh', Amsterdam, Netherlands
     

    2016

    UCCA Ullens Center for Contemporary Art, 'Zeng Fanzhi. Parcours', Beijing, China
     

    2015

    Gagosian Gallery, 'Zeng Fanzhi. Paintings, Drawings and Two Sculptures', New York NY

    ShanghART Gallery Beijing, 'Zeng Fanzhi. The Louvre Project', Beijing, China
     

    2014

    Louvre, 'Zeng Fanzhi', Paris, France
     

    2013

    Musée d’Art Moderne de la Ville de Paris, 'Zeng Fanzhi', Paris, France

    Punta della Dogana, 'Zeng Fanzhi', Venice, Italy
     

    2012–2013

    Zeng Fanzhi, Gagosian Gallery, London, England 
     

    2011

    Zeng Fanzhi, Gagosian Gallery, Hong Kong 

    The World Belongs to You, Palalazzo Grassi, Venice, Italy

    Fusion, Contemporary Art Exhibition, Yiyuan Space, Wuhan, China
     

    2010

    Zeng Fanzhi: The Sublime, Union Temple, Brooklyn, USA 

    Zeng Fanzhi, Shanghai Rockbund Art Museum, Shanghai, China 

    Zeng Fanzhi, The National Gallery of Foreign Art, Sofia, Bulgaria 

    Made in popland, National Museum of Contemporary art, Gwacheon, Korea

    And-Writers 2010, Nan Jing Biennale, Jiangsu Provingcial Art Museum, Nangjing, China

    2010 The Constructed Dimension, 2010 Chinese Contemporary Art Invitational Exhibition, National Art Musume of China, Beijing, China

    Reshaping History: Chinart from 2000-2009, Special Documenta, China National Convention Center, Beijing, China

    Thirty Years of Chinese Contemporary Art, Minsheng Art Museum, Shanghai, China

    Fairy Tales: Selections from the MaGMA's collection, Opera Gallery, Singapore

    Photo Exhibition of Contemporary Artists, Today Art Museum, Beijing, China


    ...

    * 2010년 이전 이력 생략

  • Education

    Hubei Academy of Fine Arts, Oil Painting Department

  • Award

    1992

    “Excellence Prize” in the First Guangzhou Biennale
     

    2009

    “Martell Artist of the Year”

    “Oil Painter of the Year” in the “Fourth Annual AAC Award for the Most Influential Participants of Chinese Art”

    “Golden Age Prize” by the Bulgarian Ministry of Culture


큐레이터 노트

쩡판즈는 20세기 중국 현대 회화의 일명 ‘4대 천왕’으로 불리는 대표 작가 중 한 명이다. 쩡판즈의 인물들은 과장된 눈과 손을 가지고 있지만, 그럼에도 불구하고 인물들의 표정은 잘 드러나지 않거나 아예 가면을 씌워 얼굴을 가려 버리기도 한다. 끊임없이 변화 중인 현대 중국을 살아가고 있으며, 그 중에서도 대도시 베이징에서 홀로 서기 위한 작가의 투쟁적인 삶이 잘 드러난다.

혹자는 쩡판즈를 미국의 팝 아트 작가 장 미셸 바스키아(Jean-Michel Basquiat, 1960~1988)와 비교하기도 한다. 그 이유로는 두 예술가는 차별로 인해 고통받은 경험이 있으며, 이러한 경험이 그들의 예술에 지대한 영향을 끼쳤다는 점이다. 바스키아는 백인 중심 사회였던 미국에서 흑인이라는 비주류로 살아왔다. 쩡판즈는 중국의 문화혁명이 절정에 이를 때 초등학교를 다녔으며, 이 때 그의 담임선생님은 쩡판즈의 눈동자가 불온하다는 이유로 불순분자 취급을 하였다. 당시 마오쩌둥에 대한 충성심의 상징으로 붉은 마스크를 받았는데, 초등학교를 졸업할 때까지 붉은 마스크를 받지 못한 사람은 쩡판즈 혼자였다고 한다.

이러한 ‘고독’과 ‘고립’의 경험은 쩡판즈의 예술세계에 있어 중요한 중심축이 된다. 쩡판즈는 중국의 사회 속에서, 그리고 고향을 떠나 베이징이라는 대도시로 이주하고 난 뒤로도 계속해서 이방인이었다. 비주류로 살아가는 고독은 쩡판즈의 작품을 관통하는 공통적인 주제이다. 쩡판즈의 인물들은 가면을 쓰고 모두 같은 표정으로 웃고 있다. 실제로 어떤 표정을 짓고 있을지는 알 수 없으나, 모두가 비슷한 주류, 공동체에 소속되고 싶어하는 쩡판즈의 충족되지 못한 욕구가 잘 드러난다.

쩡판즈는 자신의 연작에 대해, 자신의 내면과 고유한 경험과 추억, 세계에 대한 관점을 그린 것이라고 언급했다. 또한, 작품을 보는 관람객들도 그들 자신의 내면을 생각하기를 바란다고도 언급했다. 쩡판즈가 생각하는 예술가의 역할이란 이처럼 질문을 던지며 사람들에게 생각할 수 있는 부호를 던져 주는 것이다. 개인과 개인, 그리고 개인과 사회의 관계에서 얻게 되는 경험들은 쩡판즈에게 새로운 영감이 되고, 이는 세계인들에게 또 다른 시사점을 남긴다.

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Jeff Koons 제프 쿤스 1955 ~

  • Artist Statement

    제프 쿤스는 현대 미술의 수수께끼이자, 데미안 허스트와 같은 신세대 미술가들에게 큰 영향을 끼친 인물이다. 그의 불분명한 성격과 저속한 대상들에 대한 집착은 그가 반어법적인 비평가인지, 아니면 대중문화와 소비주의의 진정한 애호가인지 그의 정체성에 대한 혼란을 야기한다. 쿤스는 여덟 살이라는 어린 나이에 일찍이 도용에 눈을 떴다.


    그는 옛 거장들의 그림을 모사하고는 ‘제프리 쿤스’라고 서명하여 그것을 아버지의 가게에서 팔았다. 1976년에 메릴랜드 미술대학교를 졸업하고 뉴욕으로 간 쿤스는 뉴욕 근대미술관의 멤버십 안내부에서 뛰어난 실력을 가진 영업사원으로 인정받았다. 이 시기에 쿤스의 작품세계는 풍선 장난감과 같은 기성품들을 사용하는 등 대담하고 참신했다.


    쿤스는 뻔뻔스러운 자기 홍보와 대량 생산되는 상품들을 여러 종류의 미디어를 통해 예술의 지위로 격상시키는 일로서, 1980년대를 마무리했다. 그는 ‘새로운 시리즈’(1980~1983)의 일부로서 진공청소기들을 진열용 유리 상자에 넣어, 시리즈 작품을 만든 것으로 유명해졌다. 정지된 시간과 움직임의 환상을 만들어 내고자 물탱크 안에서 떠다니는 농구공들을 포함한 시리즈 작품 ‘평형’(1985)에서 그는 미국 문화의 상징적인 요소들을 연이어 다루었다.


    1980년대 전반에 걸쳐, 그는 장난감이나 키치적인 대상들을, 스테인리스나 자기 등 다양한 재료들을 사용하여 세련되고 멋진 대형 조각품으로 바꾸어놓았다. ‘진부’(1988)라는 시리즈에서 쿤스는 마이클 잭슨과 그의 애완동물인 침팬지 버블스를 실물과 똑같은 크기의 조각으로 제작하여 사회적 취향과 유명인에 관한 논란을 제기했다. 1991년, 그에 대한 악평은 그가 이탈리아 포르노 여배우이자 국회의원인 일로나 스텔라와 결혼했을 때 극에 달했다.


    성에 관한 노골적인 세부 묘사로 자신들의 관계를 드러낸 ‘메이드 인 헤븐’(1990~1991) 시리즈물은 논란을 일으키면서 베네치아 비엔날레에서 처음으로 전시되었다. 쿤스는 <강아지>(1992)란 작품으로 가장 큰 성공은 이루었다. 이 작품은 높이 12미터의 웨스트 하일랜드 테리어 종의 강아지 조형물로, 1997년 이후로 스페인 빌바오 구겐하임 미술관 외부에서 전시되고 있다. 1990년대 중반 이후로 그는 팽창하는 세계를 기념하는 대형 미술 작품들에 몰두했다.

    * 참고자료 : 제프 쿤스 [JEFF KOONS] (501 위대한 화가, 2009. 8. 20., 스티븐 파딩, 박미훈, 위키미디어 커먼즈, 내셔널 갤러리 런던, 프랑스국립박물관연합(RMN), 더 브릿지먼 아트 라이브러리, 비피케이)


    * 사진출처 : HypeArt (hypebeast.com)

  • Professional Experiences

    2019   

    Jeff Koons at the Ashmolean. Ashmolean Museum, Oxford


    2018   

    Jeff Koons: Works from the Astrup Fearnley Collection. Astrup Fearnley Museum, Oslo, Norway 

    Jeff Koons. Gagosian Gallery, 976 Madison Avenue, New York

    Jeff Koons: Easyfun-Ethereal. Gagosian Gallery, 555 W 24th Street, New York

    Masterpieces. De Nieuwe Kerk Amsterdam, Amsterdam


    2017 

    Jeff Koons. Gagosian Gallery, Beverly Hills, California 


    2016   

    Jeff Koons. Almine Rech Gallery, London, England 

    Jeff Koons: Now. Newport Street Gallery, London, England 

    Jeff Koons: Ballerina. Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires (MALBA), Buenos Aires, Argentina 


    2015   

    Jeff Koons: Gazing Ball Paintings. Gagosian Gallery, 522 W 21st Street, New York

    Jeff Koons: Balloon Venus (Orange). Natural History Museum Vienna, Vienna, 

    Jeff Koons In Florence. Palazzo Vecchio and Piazza della Signoria, Florence

    Jeff Koons: Hulk (Friends). Österreichische Galerie Belvedere, Vienna

    Jeff Koons: A Retrospective. Guggenheim Museum Bilbao, Bilbao, Spain 

    ARTIST ROOMS: Jeff Koons. Norwich Castle Museums & Art Gallery, Norwich

    Jeff Koons: Gazing Ball (Charity). Albright-Knox Art Gallery, Buffalo, New York 

    Jeff Koons: Jim Beam - J.B. Turner Engine and Six Individual Cars. Craig F. Starr Gallery, New York


    ...


    * 2015년 이전 이력 생략

  • Education

    Maryland Institute College of Art, Baltimore, MD

    School of the Art Institute of Chicago, IL

    BFA, Maryland Institute College of Art, Baltimore, MD

  • Award

    2007  

    Officer of the French Legion of Honor, Paris, France


    2009  

    Governor’s Awards for the Arts Distinguished Arts Award, New York, Pennsylvania


    2013  

    State Department’s Medal of Arts awarded by Secretary of State Hillary Rodham Clinton, Art in Embassies, Washington D.C. 

    [awarded during 50th anniversary of the Art in Embassies Program]


    2014  

    Academy of Achievement’s Golden Plate Award, 51st Annual International Achievement Summit, San Francisco, California


큐레이터 노트

'포스트모던 키치의 왕'이라 불리는 제프 쿤스는 미국의 대중문화와 일상생활 속에서 선택한 대상물들을 거대한 크기의 작품으로 선보이며 특유의 처세술과 스타성으로 대중적인 인기와 더불어 상업적으로 성공한 예술가이다. 그는 모두에게 익숙하고 친숙한 대상물을 새로운 시각으로 재창조함으로써 현대미술은 어렵다는 편견을 깨고 대중들이 쉽게 이해하고 해석하며 소통할 수 있도록 만들었다.

제프 쿤스의 대표작으로는 생일 파티나 기념일에 쉽게 볼 수 있는 소품들인 풍선, 꽃, 하트 등을 주제로한 'Celebration(축하 기념)' 시리즈가 있다. 'Celebration' 시리즈는 크게 강아지, 백조, 원숭이 등의 동물을 풍선의 형태로 표현한 작품들과 생일 케이크, 꽃, 하트 풍선, 부활절 계란과 같은 소품을 풍선 형태로 한 작품들로 나눌 수 있다. 마치 어린 시절을 회상케 하는 이러한 작품 외에도 아름다움이 돋보이는 다이아몬드를 형태로한 작품이 있는데, 이 작품은 실제 다이아몬드처럼 52컷의 예리하고 정밀하게 표현되었으며, 다섯가지(레드, 블루, 그린, 핑크, 옐로우)의 유니크한 색상으로 제작된 것이 특징이다.

제프 쿤스의 대형 작품은 주로 스테인리스 스틸 소재를 사용하여 실제의 느낌을 주되 재료의 의외성을 준다. 반짝이도록 금속을 연마하고 제작하는 기술은 독자적인 기술로, 혁신적이면서도 그의 작품 세계를 더욱 정밀하고 섬세하게 표현해준다. 그의 복잡하고 기하학적인 디자인의 작품을 축소하여 만든 에디션 작품 또한 혁신 기술 도입과 전문가의 정밀한 작업을 통해 이루어진다. 프랑스 자기 회사인 베르나르도(Bernardaud)와의 협업을 통해 원작의 스테인리스 스틸이 아닌 자기(Porcelain)를 소재로 표면을 특수 가공 처리하여 원작의 금속 재질처럼 보이도록 제작한다. 에디션으로 제작되는 이 작품들은 제프 쿤스의 키치한 예술성과 베르나르도의 기술력이 만난 최고의 역작이라 할 만하다.

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Anish Kapoor 아니쉬 카푸어 1954 ~

  • Artist Statement

    세계적으로 유명한 영국의 조각가 아니쉬 카푸어는 인도 봄베이 태생으로, 1972년에 미술 공부를 하기 위해 영국으로 건너갔다. 그는 혼지 미술 대학과 첼시 미술, 디자인대학을 다닌 후 울버햄프턴 폴리테크닉에서 학생들을 가르쳤고, 이후 리버풀에 있는 워커 갤러리에서 근무하던 중 미술가로 데뷔하였다. 이후 런던에 정착하여 지금까지 활발하게 작품 활동을 이어가고 있다. 
     

    1980년대 초반에 카푸어는 리처드 디컨(Richard Deacon), 빌 우드로(Bill Woodrow) 등과 함께 ‘영국의 젊은 조각가(The Young British Sculptors)’ 그룹의 한 일원으로 선정되었다. 이 그룹은 영국 문화원으로부터 전폭적인 후원을 받았으며, 실험적인 작품들로 국제적인 명성을 얻었다. 그 결과, 카푸어는 1990년 제 44회 베니스 비엔날레에 영국을 대표하는 작가로 참가하여 ‘프리미오 듀밀라’ 상을 받았고, 이듬해 1991년 영국 최고 권위의 현대미술상인 ‘터너상’을 수상하였다. 
     

    카푸어는 인도와 유럽의 정체성을 모두 가지고 있는 아티스트로, 그의 작품은 동양 미술과 서양 미술의 간극을 연결한다고 평가받는다. 카푸어의 모든 작품을 관통하는 키워드는 ‘숭고함’이다. 물성을 가장 뚜렷이 드러내는 조각이라는 매체를 통해 물성을 뛰어넘는 정신적인 사유를 담아내는 것이 목표이며, 카푸어는 이를 위해 매일 새벽 1시간 동안 참선과 독경을 통해 내면과 마주한다. 카푸어의 작품은 이처럼 내면을 응시하고 성찰하는 과정을 통해 사물의 또 다른 모습을 이끌어내는 것을 특징으로 한다. 

  • Professional Experiences

    2020

    ‘HOWL’, Rotunda, Pinakothek der Moderne, Munich, Germany (current)

    ‘Anish Kapoor at Houghton Hall’, Norfolk, U.K (current)

    ‘Anish Kapoor’, Regen Projects, Los Angeles, USA

    2019

    ‘Anish Kapoor’, Lisson Gallery, New York, USA

    ‘Anish Kapoor’, CAFA Art Museum / Imperial Ancestral Temple, Beijing

    Anish Kapoor Lisson Gallery, London

    Surge CorpArtes, Santiago; Fundación Proa, Buenos Aires

    Anish Kapoor Pitzhanger Manor, London


    2018

    Anish Kapoor Galerie Klüser, Munich, Germany

    Anish Kapoor in Beppu, Beppu Park, Japan

    Anish Kapoor–Works, Thoughts, Experiments, Serralves, Museu de Arte Contemorânea, Porto, Portugal

    Anish Kapoor, PUNKT Ø Galleri F 15, Moss, Norway

    Another (M)other, Kamel Mennour, Paris


    2017

    Anish Kapoor. My Red Homeland, Musée d’Art et Contemporain, Saint–Ètienne Mètropole, France

    ‘Concept of Happiness. Anish Kapoor’s Outline of Collapse’, Eye of Gyre, Tokyo

    Places of Origin–Monuments for the 21st Century, MAST Foundation, Bologna, Italy

    Ark Nova, Lucerne Festival, Tokyo Midtown

    Destierro, Parque de la Memoria, Buenos Aires

    Descension, Brooklyn Bridge Park, Public Art Fund, New York, USA

    Anish Kapoor, Lisson Gallery, London

    Stackhouse, Winnipeg Warming Huts, Manitoba, Canada

    Anish Kapoor, Galleria Massimo Minini, Brescia, Italy


    2016

    ‘Anish Kapoor’, Museo d’Arte Contemporane, Rome

    ‘Anish Kapoor’, Galleria Continua, Havana

    ‘Descension’, Nuit Blanche 2016, The Seine, Paris

    ‘Anish Kapoor’, Gagosian, Hong Kong

    ‘Anish Kapoor’, Scai The Bathhouse, Tokyo

    ‘Gathering Clouds’, Kukje Gallery, Seoul

    ‘Anish Kapoor’, Casamadre Arte Contemporanea, Naples, Italy

    ‘Tristan and Isolde’, Set design, English National Opera, London Coliseum

    ‘Archaeology, Biology’, Museo Universitario Arte Contemporáneo, UNAM, Mexico City

    ‘Anish Kapoor’, Lisson Gallery, Milan, Italy

    ‘Anish Kapoor’, Gladstone Gallery, New York, USA


    2015

    ‘Ascension’, Follia Continua, Paris

    ‘Ark Nova’, Lucerne Festival, Fukushima, Japan

    ‘My Red Homeland’, The Jewish Museum and Tolerance Center, Moscow

    ‘Anish Kapoor Chez Le Corbusier’, La Tourette, Lyon, France

    ‘Anish Kapoor Versailles’, Château de Versailles

    ‘Descension’, Galleria Continua, San Gimignano, Italy

    ‘Anish Kapoor’, Lisson Gallery, London

    ‘Anish Kapoor’, Gladstone Gallery, Brussels

    ‘Anish Kapoor’, Regen Projects, Los Angeles, USA


    2014

    ‘Ark Nova’, Lucerne Festival, Sendai, Japan

    ‘Descension’, Kochi-Muziris Biennale, India


    2013

    ‘Kapoor in Berlin’, Martin–Gropius–Bau, Berlin

    ‘Anish Kapoor in Istanbul’, Sakıp Sabancı Müzesi, Istanbul

    ‘Anish Kapoor’, Galleria Continua, Le Moulin, France

    ‘Ark Nova’, Lucerne Festival, Matsushima, Japan


    2012

    ‘Anish Kapoor’, MCA Sydney

    ‘Anish Kapoor’, Leeum, Samsung Museum of Art, Seoul

    ‘Anish Kapoor’, Lisson Gallery, London

    ‘Anish Kapoor’, De Pont Museum of Contemporary Art, Tilburg, Netherlands

    ‘Parcifal’. Set Design. Het Muzietheatre, De Nederlands Opera, Amsterdam

    ‘Orbit’, Queen Elizabeth Park, London

    ‘Anish Kapoor’, Pinchuk Art Centre, Kyiv

    ‘Anish Kapoor’, Gladstone Gallery, New York, USA


    2011

    ‘Anish Kapoor’, Rotonda della Besana, Milan, Italy

    ‘Dirty Corner’, Fabricca del Vappore, Milan, Italy

    ‘Leviathan’, Monumenta 2011, Grand Palais, Paris

    ‘Between Shit and Architecture’, Galerie Kamel Mennour, Chapelle des Petits Augustins, Beaux-Arts de Paris

    ‘Flashback’, Manchester Art Gallery; Sculpture Court, Edinburgh College of Art; Nottingham Castle Museum and Art Gallery, U.K, 2012

    ‘Ascension’, Basilica di San Giorgio Maggiore, Venice, Italy


    2010

    ‘Anish Kapoor, Delhi Mumbai’, National Gallery of

    Modern Art and Mehboob Studios, Mumbai, India

    ‘Turning the World Upside Down’,

    Kensington Gardens, The Royal Parks and the

    Serpentine Gallery, London

    ‘Temenos’, Middlesbrough, Tees Valley, UK

    ‘Anish Kapoor’, Museo Guggenheim de Arte Moderno

    y Contemporáneo, Bilbao, Spain

    ‘Turning the World Upside Down’, Israel Museum, Jerusalem

    ‘Anish Kapoor’, Middlesbrough Institute of Modern Art,

    Middlesbrough, U.K


    ...

    * 2010년 이전 이력 생략

  • Education

    Chelsea School of Art

    Hornsey College of Art

  • Award

    ■ Artistic accolades

    1990 Premio Duemila, Venice Biennale

    1991 Turner Prize

    1999 elected Royal Academician

    2011 Praemium Imperiale


    ■ Civilian honours

    2003 Commander of the Order of the British Empire (CBE)

    2011 French Ordre des Arts et des Lettres

    2012 Padma Bhushan, India's third-highest civilian honour.[92]

    2013 Knighthood


    ■ Honorary Fellowships

    1997 London Institute

    1997 Leeds University

    1999 University of Wolverhampton

    2001 Royal Institute of British Architects


    ■ Other

    2016 LennonOno Grant for Peace

    2017 Genesis Prize


큐레이터 노트

아니쉬 카푸어는 지금 세계에서 가장 주목받는 조각가 중 한 명이다. 그는 스테인리스 스틸(stainless steel)로 만들어진 대형 조각들로 잘 알려져 있는데, 그의 조각들은 주변 환경을 거울처럼 그대로 반사시켜 작품의 일부로 끌어들이기 때문에 ‘건축적인 조각’이라는 평가를 받는다. 이 작품들은 단단한 물질성을 갖고 있음에도 불구하고, 관람객들은 작품 자체의 물질보다 관람객 자신을 포함한 반사된 반영들을 보게 되는 것이다.

그는 스테인리스 조각 외에도 시리즈도 진행하고 있는데, 단어 그대로 텅 비어있는 공간을 작품의 일부로 활용하는 작업들이다. 그는 아무 것도 없는 ‘부재’의 공간과 그 공간 안에서 느낄 수 있는 관람자의 아득함 같은 비물질적인 것들을 작품 안으로 편입시킨다. 이외에도 붉은색의 커다란 바셀린 덩어리를 활용한 시리즈로 색채, 특히 그만의 독특한 붉은색에 대한 탐구를 하기도 했다.

결국 아니쉬 카푸어가 추구하고자 하는 공통된 주제는 ‘숭고함’이다. 아름다움과 달리 숭고함은 경계가 없으며 무한하다. 그래서 숭고함을 느낄 때는 경외감, 두려움, 낯설고 압도적인 데서 오는 일종의 불쾌감까지를 동반할 수 있다. 따라서 카푸어의 조각들의 미니멀리즘적으로 단순한 형태, 그러나 압도적인 거대한 크기는 이러한 숭고함을 표현하기 위한 장치들인 것이다. 이에 더해 카푸어는 “보이는 것이 다가 아니다” 라는 말을 종종 사용하는데, 작품과 관객이 신체적 그리고 정신적으로 교감하는 것이 바로 카푸어가 추구하는 ‘숭고’가 발생하는 지점이 아닐까 한다.

다른 작품

[별도문의] Mirror (Brandy Wine to Laser Red mix2 to Brandy Wine), 2018
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[별도문의] Mirror (Brandy Wine to Laser Red mix2 to Brandy Wine), 2018
[별도문의] Mirror (Brandy Wine to Laser Red mix2 to Brandy Wine), 2018
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Jean-Michel Othoniel 장-미셸 오토니엘 1964 ~

  • Artist Statement

    ‘유리의 연금술사’라고 불리는 장 미셸 오토니엘은 프랑스 현대미술사를 대표하는 작가로 현재 파리를 기반으로 활동하고 있다.
     

    프랑스 생테티엔(Saint-Etienne) 출신인 그는 1988년 프랑스의 파리 세르지 국립 예술 학교(École Nationale Supérieure d'Arts de Paris-Cergy)를 졸업하기 전인 1985년부터 사진, 조각, 설치, 미디어 작품 등으로 꾸준히 전시활동을 이어갔다. 오토니엘은 왁스와 유황을 이용해 만든 조각품으로 1992년 독일 카셀의 Documenta IX에 참가하면서 현대미술가로서의 존재감을 알리기 시작했다.

    1993년부터는 기쁨, 고통, 상실 및 회복의 경험을 다루기 위해 이탈리아 유리가공 기술자들과의 협업으로 유리를 작품에 사용하기 시작하였고, 이후에도 유럽과 일본, 인도를 오가며 많은 유리 공예가들과 새로운 공예 기술을 연구하며 작업을 이어갔다. 그의 대표적인 이미지로 사용되는 유리구슬 목걸이는 1996년 로마의 메디치 정원의 조각으로 처음 등장하였고, 이후 그의 작품에서 계속해서 반복되는 모티프로 자리잡았다. 
     

    오토니엘은 2000년 파리 지하철 개통 100주년을 기념하여 팔레 루아얄-루브르 박물관역에 무라노 유리와 알루미늄으로 제작한 <야행자들의 키오스크(Kiosque des Noctambules)>를 통해 국제적으로 주목을 받았고, 2015년 베르사유 궁전 '물의 극장'에 <아름다운 춤(Les Belles Danses)>을 영구 작품으로 설치하며 동시대의 영향력 있는 작가로 이름을 올렸다. 2019년에는 루브르 박물관의 유리 피라미드 30주년 기념전을 위해 제작된 <루브르의 장미(La rose du Louvre)>가 현대미술가의 작업으로는 이례적으로 박물관에서 영구 소장되어 화제를 모았다.
     

    현재 그의 작품은 파리 퐁피두 센터와 카르티에 재단, 루브르 박물관, 베니스 페기 구겐하임 컬렉션, 뉴욕 현대미술관과 브루클린미술관, 도쿄 모리미술관과 상해 유즈미술관 등에 영구 소장되어 있으며, 국내에서는 국제 갤러리, 삼성 리움미술관 등을 통해 소개된 바 있다.

    참고자료 : 국제갤러리, OCULA, Artnet


  • Professional Experiences

    2021

    (예정) “Les Noeuds Sauvages”, Montreal, Canada

    (예정) “Roses, Galerie Perrotin”, New York, USA


    2020 

    “Dream Road”, Galerie Perrotin, Tokyo, Japon


    2019 

    Musée du Louvre, Paris, France 

    “Oracles”, Galerie Perrotin, Paris, France 

    “Les Noeuds Mathématiques”, Centre Culturel Néstor Kirchner, Buenos Aires, Argentine

    “Iles Singulières”, Château La Coste, Puy-Sainte Réparade, France

    Galerie Perrotin, Shanghai, China 


    2018

    “Face à l'obscurité”, Musée d'Art Moderne et Contemporain de Saint-Etienne, Saint-Etienne, France

    “Motion – Emotion”, Musée des Beaux-Arts de Montréal, Montreal, Canada

    “Dark Matters”, Galerie Perrotin, New York, USA 

    “Nudos Salvajes, Instituto de Matematicas”, Universidad Nacional Autonoma de Mexico, Mexico


    2017

    “Géométries Amoureuses”, Centre Régional d’Art Contemporain d’Occitanie / Pyrénées –Méditerranée in Sète.

    “Géométries Amoureuses”, Carré Sainte-Anne, espace d’art contemporain de la Ville de Montpellier.

    “Le Cortège endormi”, Eglise Notre Dame de l’Assomption, Valloire, France.


    2016

    “Black Lotus”, Kukje Gallery, Séoul, South Korea.


    2015

    “Jean-Michel Othoniel, Le Cortège Endormi”, Théâtre de la Criée, Marseille, France.

    “Locus Solus”, Galerie des multiples, Dilecta, Paris, France.

    “La Rose des Vents”, Conservatory of Flowers, Golden Gate Park, San Francisco, United States.

    “Othoniel Versailles”, 836M Gallery, San Francisco, United States.

    “Invisibility Faces”, Goetheanum, Dornach, Switzerland.

    “Jean-Michel Othoniel : Secret flower sculptures”, Isabella Stewart Gardner Museum, Boston, United States.


    2014

    “DNA of Love”, Karuizawa New Art Museum, Karuizawa, Japan.

    “Jean-Michel Othoniel”, Hôtel-Dieu, Puy-en-Velay, France.

    “Monumental Sculptures”, Galerie Perrotin, Hong Kong, China.

    “Othoniel”, Atelier Cézanne, Aix-en-Provence, France.


    2013

    “Othoniel, Jewel Boxes”, Savannah College of Art and Design, Savannah, United States.

    “Les Nœuds de Babel”, Galerie Perrotin, Paris, France.


    2012

    “Othoniel” L&M Gallery, New York, United States.

    “My Way”, Brooklyn Museum, New York, United States.

    “My Way”, Museum Art Modern, Macao, China.

    “A Bruit Secret”, Galerie Karsten Greve, Koln, Germany.

    “My Way”, Hara Museum of Contemporary Art, Tokyo, Japan.


    2011

    “My Way”, Plateau/Samsung Museum of Art, Seoul, South Korea.

    “My Way”, Galeries du Musée, Centre Pompidou, Musée National d’Art Moderne, Paris, France.

    “Le Réel Merveilleux”, Galerie des Enfants, Centre Pompidou, Musée National d’Art Moderne, Paris, France.


    2010

    “The Precious Stonewall”, Lalit Kala Akademy’s, New Delhi, India.

    “Jean-Michel Othoniel”, Kukje Gallery, Seoul, South Korea. 
     

    ...

    * 2010년 이전 이력 생략

     

  • Education

    1996 Scholarship, Villa Médicis, Rome, Italy

  • Award

    2011

    Residency in the Isabella Stewart Gardner Museum, Boston, USA


    2009 

    Missions in India supported by the Institut Français (Production of the artwork Precious Stonewall, 2010)


    2006

    Chevalier de l’Ordre des Arts et des Lettres, France

    Citoyen d’Honneur de la ville de Saint-Étienne, France


    1999

    PICA, Portland


    1996

    Villa Médicis, Académie de France à Rome, Rome, Italy


    1992- 1993

    Villa Médicis Hors les Murs, Madrid, Spain


    1990-1993

    Centre International de Recherche sur le Verre et les Arts plastiques (CIRVA), Marseille, France


    1989

    Residency and interventions at the Fondation Cartier, Paris, France

    European Meetings for Artists, Valencia, Spain


    1988

    Scholarship in the Villa Saint-Clair, Sète, France


    1986

    Prix Tremplin, Musée du Donjon, Niort, France

큐레이터 노트

장-미셸 오토니엘은 다양한 시대와 장소의 의식 행위나 종교적 관습 등을 창작의 영감으로 삼고, 이를 개인의 경험을 토대로 작업으로 풀어왔다. 그는 이러한 주제를 '변형'이 용이한 매체인 유리, 황, 왁스 등을 활용하여 표현하였고, 재료를 불로 녹이는 등 인위적인 힘을 가하여 재료의 형태가 바뀌는 순간, 즉 작가 스스로 작업과정에 개입하는 행위에 중점을 두고 예술적 실험을 거듭해 왔다. 이 외에도 미국, 중국, 인도, 멕시코 등 다양한 문화권의 수공예가들과 협업하며 내용적, 형식적인 측면에서도 끊임없이 작업 세계를 확장시켰다.

오토니엘은 프랑스를 대표하는 작가로 파리라는 도시를 잘 담아내고 있다. 그의 작품들은 마치 오트 쿠튀르(Haute couture)에서 볼 수 있을 법하게 화려하고 섬세하다. 유리 작품을 만드는 과정이 '치유'의 과정이었다고 말하는 그는 작품에 사용하는 유리 구슬들을 완벽하고 깨끗한 형태가 아닌 어딘가 흠이 있지만 그럼에도 아름다운 형태를 지닌 것들로 고른다. 깨지거나 얼룩진 유리구슬은 오토니엘의 지나간 과거의 아픔들을 상징하며, 그는 이들을 모아 엮어 아름다운 하나의 작품으로 재탄생 시킨다.

그의 작품의 주재료로 사용되는 유리는 견고함과 연약함, 가벼움과 예민함을 상징한다. 작가 스스로의 감정은 물론, 상반되는 존재가 만났을 때의 긴장감과 긍정적인 에너지를 반영하고, 환상적인 기분을 선사하는 동시에 극한의 아름다움을 통해 일종의 공포심을 느끼게 한다. 오토니엘은 초기에 검고 불투명한 흑요석을 사용하다가, 이후 무라노 섬에서 제작한 다채롭고 투명한 유리를 사용하며 어두운 것 부터 밝은 것까지, 유리 활용의 변화를 통해 삶과 관점의 변화를 일깨워주는 과정을 보여주었다. 이전 작품에서 슬픔과 상처, 위안과 위로를 담았다면 현재의 오토니엘은 진취적이고 희망차며 생동감 넘치는 작품들을 선보인다. 작품을 통해 스스로의 감정을 그대로 표출한 그의 작품은 일종의 자화상이라고 볼 수 있다.

참고자료 : 디자인하우스 LUXURY, BAZAAR, VOGUE

다른 작품

[별도문의] Noued Sauvage, 2018
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[별도문의] Noued Sauvage, 2018
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Andy Warhol 앤디 워홀 1928 ~ 1987

  • Artist Statement

    앤디 워홀은 전통적인 미술의 개념과 일상생활을 통합하는 대중미술의 파생물인 팝 아트(Pop art)를 대표하는 거장이자 20세기 가장 영향력 있는 미술가이다. 그는 미술뿐만 아니라 사진작가, 영화 제작자, 음반 제작자 등으로 미국 대중문화의 전반에 큰 영향을 끼친 아티스트이다.


    그는 미국 펜실베니아 피츠버그 출생으로, 카네기 멜런 대학에서 미술 학사학위를 받은 후 상업미술가로 경력을 시작하였다. 1950년대에 워홀은 신발 광고와 같은 상업 삽화로 이름을 날렸으며, 책의 삽화를 그리거나 무대 디자인을 하기도 했다. 1960년부터 그는 ‘뽀빠이’와 ‘슈퍼맨’ 같은 연재만화를 이용해 실험적인 회화 작품을 제작하였다. 워홀은 첫 개인전에서 캠벨 수프 깡통을 그린 37점의 회화를 시작으로 현재의 앤디 워홀을 대표하는 대량생산되는 기성품과 유명인 도상 작업을 선보였다. 그러나 이러한 작업들은 당시 뉴욕의 화상들로부터 외면당하였다.


    이후 워홀은 1962년 뉴욕의 시드니 재니스 갤러리에서 열린 <새로운 사실주의자들(New Realists)>전에 참여해 주목을 받았다. 그는 미국을 대표하는 상업적인 소재들을 실크스크린 판화기법으로 제작하였는데, 이 작품들은 워홀의 스튜디오인 ‘더 팩토리(The Factory)’에서 그의 조수들에 의해 대량생산된 것이 특징이다. 이 팩토리에서는 롤링 스톤즈, 벨벳 언더그라운드 등 당대 대표되는 아티스트가 모이는 장소가 되었고, 1965년 벨벳 언더그라운드의 데뷔 앨범을 프로듀싱과 실크 스크린 프로세스에 의한 앨범 자켓 디자인을 하며 그 유명한 <바나나(Banana, The Velvet Underground & Nico Album Cover)> 앨범 커버가 탄생하였다. 1970년대부터는 사교계나 정치계의 인물들을 실크 스크린 프린트로 다수 제작하였다.


    팝아트는 상업주의와 소비주의에 깊이 물들은 사회에 관해 이야기한다. 앤디 워홀의 작품은 미술의 전통적인 개념과 일상생활을 통합하는 대중미술의 파생물인 팝 아트의 전제를 입증한다. 그가 즐겨 사용한 실크스크린 기법은 기계와 조수의 힘을 빌려 의식적으로 완성작에서 미술가의 흔적을 지웠다. 이와 같이 원작자의 배제를 통한 작품의 대량생산과 대담하고 선명한 색채가 팝 아트의 특징으로 볼 수 있다. 스스로 기계이기를 원했던 워홀은 기계와 같은 미술을 만들어냈고, 기계를 통해 무한히 복제되는 세계 속에서 자신의 작품 또한 명성과 함께 증식을 거듭하고 있다. 



    참고문헌 : [네이버 지식백과] 앤디 워홀 [ANDY WARHOL] (501 위대한 화가, 2009. 8. 20., 스티븐 파딩, 위키미디어 커먼즈), [네이버 지식백과] 앤디 워홀 [Andy Warhol] (두산백과) 

  • Professional Experiences

    1987

    'Andy Warhol: Il Cenacolo', Milan: Refettorio delle Stelline

    'Warhol: Shadows', Houston: The Menil Collection, Richmond Hall

    'Andy Warhol: "Ich erkannte dafs alles, was ich tue, mit dem Ton zusammenhangt"', Hamburg: Kunstverein in Hamburg

    'Remembering Andy: Warhol's Recent Works', Tokyo: Watari Gallery

    'Lenin by Warhol', Munich: Galerie Bernd Kluser

    'Andy Warhol: Recent Work', New York: Leo Castelli Gallery

    'Andy Warhol: A Memorial', Bridgehampton: Dia Art Foundation

    'Andy Warhol: Skulls 1976', New York: Dia Art Foundation

    'Andy Warhol: Arbeiten/Works 1962-1986', Salzburg: Galerie Thaddaeus Ropac


    1986

    'Andy Warhol: Disaster Paintings 1963', New York: Dia Art Foundation

    'Andy Warhol: Major Prints', Paris: Galerie Daniel Templon

    'Andy Warhol: Self-Portraits', London: Anthony d'Offay Gallery

    'Andy Warhol: Photographs', New York: Robert Miller Gallery

    'Hand-Painted Images: Andy Warhol 1960-1962', New York: Dia Art Foundation

    'Andy Warhol: Oxidations Paintings', New York: Larry Gagosian Gallery


    1985

    'Andy Warhol: Reigning Queens 1985', New York: Leo Castelli Gallery

    'Ads', New York: Amelie A. Wallace Gallery, State University of NY at Old Westbury

    'Warhol, Basquiat Paintings', New York: Tony Shafrazi Gallery

    'The Silkscreens of Andy Warhol: 1962-1985', New York: Lehman College Art Gallery

    'Andy Warhol: Paintings 1962-1985 & Early Prints', Cologne: Paul Maenz Gallery

    'Vesuvius by Warhol', Naples: Museo di Capodimonte


    1984

    'Jean-Michel Basquiat, Francesco Clemente, Andy Warhol', Zurich: Galerie Bruno Bischofberger

    'Portraits of Ingrid Bergman by Andy Warhol', Malmo: Galerie Borjeson

    'Andy Warhol: Renaissance Paintings', London: Waddington Graphics

    'Andy Warhol: Details of Renaissance Paintings', New York: Schellman & Kluser Gallery


    1983

    'Warhol's Animals: Species at Risk', New York: American Museum of Natural History

    'Andy Warhol in the 1980's', Ridgefield, CT: Aldrich Museum of Contemporary Art

    'Andy Warhol's Electric Chairs', San Francisco: Fraenkel Gallery

    'Andy Warhol: Paintings for Children', Zurich: Galerie Bruno Bischofberger



    * 생전 5년간의 전시내역 (1980 ~ 1987년 전시)

  • Education

    1949 Carnegie Institute of Technology

  • Award

    35th Annual Art Award for Distinctive Merit for a shoe advertisement

    36th Annual Art Directors Club Medal and Award of Distinctive Merit


큐레이터 노트

앤디 워홀의 작품을 한 마디로 정의하자면, 가장 ‘미국적’인 예술로 정리할 수 있다. 미국은 치밀한 자본주의를 바탕으로 성장한 국가이다. 자본주의를 적극적으로 활용함으로써 고속 성장했지만, 한편으로는 모든 요소를 돈으로 환산하는 세속적인 요소가 공존하는 국가이다. 워홀은 미국의 이런 양면적인 요소를 작품에 잘 반영한 아티스트이다.

“내가 미국이 대단하다고 생각하는 이유는 부자나 가난한 사람이나 똑같은 것을 소비한다는 점이다. 대통령이나 우리나 똑같은 코카콜라를 마신다. 돈을 더 준다고 더 나은 코카콜라를 마실 수 없다.”

이와 같이 워홀은 모두에게 공평한 대중문화야말로 진정한 민주주의라고 생각했다. 대중문화 이미지가 홍수처럼 쏟아지는 시대에 코카콜라, 캠벨 수프 깡통, 마릴린 먼로와 같은 대상들을 예술의 주요 소재로 삼았다.

하지만 동시에 대중문화의 공허함과 덧없음 또한 워홀의 재료가 되었다. 워홀이 주 소재로 삼았던 당대의 섹시 스타 마릴린 먼로는 화려한 삶을 살았지만 실제로는 불행과 고독으로 가득한 사람이었다. 하지만 마릴린이 사망하고 나서도 워홀이 만든 마릴린의 형상은 지금도 팝아트의 대표적인 이미지로 남아 있다. 이처럼 풍요롭지만 공허한 이미지는 워홀이 사용하는 주 재료가 되었고, 이후에는 해골 이미지를 이용하여 더욱 노골적으로 이러한 양면성을 강조하기도 하였다.

앤디 워홀은 자신을 ‘최초의 상업 예술가’로 칭했으며, 실제로도 자본주의의 수혜를 입은 대표적인 아티스트이기도 하다. 워홀은 58세의 나이에 갑작스럽게 생을 마감했지만, 그의 화려한 작품들은 여전히 현대인들에게 널리 사랑받으며 미술 시장에서 높은 가격대를 기록하고 있다.

다른 작품

[별도문의] Clockwork Panda Drummer, 1983
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[별도문의] Clockwork Panda Drummer, 1983
[별도문의] Clockwork Panda Drummer, 1983
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Alex Katz 알렉스 카츠 1927 ~

  • Artist Statement

    뉴욕 브루클린에서 태어난 카츠는 1950년대 이래 인물 초상을 주로 그리며 가장 뉴욕적인 화가로 자리매김했다. 알렉스 카츠는 단순하고 과감한 화면 구성과 대담한 채색, 절제된 분위기를 특징으로 추상과 구상, 전통과 아방가르드가 맞닿아 있는 현대적 리얼리즘을 보여준다.


    브루클린에서 처음 그림을 시작한 그는, 퀸스, 소호로 옮기며 계속 작업을 했다. 카츠는 1968년 이후 소호에 작업실을 갖고 있다. 메인 주에 있는 스코히건 미술학교에서 일 년 동안 공부한 후, 그는 뉴욕으로 가서 쿠퍼 유니언에서 공부했다. 그의 첫 개인전은 1954년 로코 갤러리에서 열렸고, 첫 회고전은 1986년 휘트니 미술관에서 열렸다.


    카츠는 개성적인 인물회화로 유명하다. 자신의 아내와 아들, 친구들과 동료 선후배 예술가들, 우아하고 세련된 맨해튼의 지식인들과 시골 부유층 사람들이 그의 초상화의 모델이 되어 주었다. 그의 작품은 전통적 초상화 장르에 속하지만 추상표현주의 회화처럼 거대한 크기를 자랑한다. 또한 광고나 영화 속에 등장하는 인물처럼 클로즈업과 화면 분할을 통해 인물들을 한순간에 멈춘 듯 포착해 낸다. 대상의 세밀한 부분들을 과감히 생략하고 두드러지는 특징만을 잡아 단순화시킨 그는 빠르게 스치고 지나가는 대상을 객관적으로 표현해내며 미국 화단에서 새로운 사실주의 화풍을 주도해왔다.


    카츠는 야심적이고 우아하며 비개성적이고 거대한 크기로 당대를 반영하는 동시에 시간을 초월하는 것을 ‘하이 스타일(high style)’이라고 정의했다. 이러한 특징은 그의 회화에 고스란히 담겨 있다. 그는 또한 “그림에 전통적인 요소가 없다면 힘을 얻을 수 없다”라고 말했다. 구상과 추상, 전통과 아방가르드가 조화롭게 결합된 그의 회화에서 우리는 전형적인 ‘아메리칸 스타일(American style)’을 발견할 수 있다.


    참고 : 두산백과, 네이버 지식백과 / 501 위대한 화가, 2009. 8. 20., 스티븐 파딩, 박미훈, 위키미디어 커먼즈, 내셔널 갤러리 런던, 프랑스국립박물관연합(RMN), 더 브릿지먼 아트 라이브러리, 비피케이

  • Professional Experiences

    2019 

    Alex Katz, Daegu Art Museum, Daegu, South Korea Contemporary Counterpoint
    Alex Katz. Water Lilies - Homage to Monet series, 2009-2010, Musee de l’Orangerie, Paris, France 

    Alex Katz: Red Dancers, Galerie Thaddaeus Ropac, Paris, France 

    Alex Katz / Moby Dick, Colby Museum of Art, Waterville, Maine  


    2018 

    Alex Katz: Grass and Trees, Richard Gray Gallery, Chicago, Illinois 

    Alex Katz: Models and Dancers, Lotte Museum of Art, Seoul, Korea 

    Brand-New & Terrific: Alex Katz in the 1950s, Neuberger Museum of Art, Purchase, New York Alex Katz: Coca-Cola Girls, Timothy Taylor Gallery, London, England 

    Alex Katz: Splits, Galeria Javier Lopez & Frances Fer, Madrid, Spain 

    ARTIST ROOMS: Alex Katz, Tate Liverpool, Liverpool, England, U.K. 

    Alex Katz, Museum Brandhorst, Munich, Germany  


    2017 

    Brand-New & Terrific: Alex Katz in the 1950s, The Cleveland Museum of Art  


    2016 

    Alex Katz: Quick Light, Serpentine Gallery, London  


    2015 

    Alex Katz: This is Now, High Museum of Art, Atlanta (exh. cat.) 

    Brand-New & Terrific: Alex Katz in the 1950s, Colby College Museum of Art, Waterville, Maine (exh. cat.) 

    Alex Katz at the Met, Metropolitan Museum of Art, New York


    ...


    * 2010년 이전 이력 생략

  • Education

    The Cooper Union, New York.

    Skowhegan School of Painting and Sculpture, Skowhegan, Maine

큐레이터 노트

알렉스 카츠(Alex Katz)는 데이비드 호크니와 더불어 가장 화사하고 아름다운 그림을 그린다고 평가받는 거장이다. 그는 르네상스 시대의 미술가들처럼 사진을 사용하지 않고 실물을 보고 스케치를 했다. 그는 자신의 가장 뛰어난 드로잉들을 캔버스에 풀 사이즈의 카툰으로 옮겼다. 이 정확한 이미지들은 손으로 섞어 만든 색으로 칠해 구체화되었다. 카츠는 가족과 친구들, 동료 미술가들의 초상화를 자주 그렸다. 작품 속 인물들은 감정을 노출시키지 않고 드러냄과 감춤을 자유자재로 구사하며 풍부한 색채 속에 절제된 분위기를 보여준다.

카츠는 흔히 미국 팝 아티스트로도 알려져 있는데, 과감하게 생략되고 잘린 평면적인 인물들은 매스미디어에서 흔히 볼 수 있는 이미지를 연상시킨다. 그러나 알렉스 카츠는 팝 아트와 자신의 회화를 분명하게 경계 짓는다. 기존의 팝 아트는 이미 존재하는 이미지 중에서 아티스트가 선택한 이미지만을 변형해 탄생시키지만, 알렉스 카츠는 직접 보고, 느끼고, 선택한 대상을 이미지화하는 것이 구별되는 특징이다.

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Michael Craig-Martin 마이클 크레이그 마틴 1941 ~

  • Artist Statement

    마이클 크레이그 마틴은 제1세대 영국 개념미술가들 사이에서 영향력 있는 인물로 아일랜드 출신의 설치미술가이자 화가이다. 미니멀아트로부터 영향을 받았고, 후기 작품은 재현과 리얼리티의 문제를 탐구하였다. 


    초기 작품들은 종종 재스퍼 존스나 도널드 저드 같은 미국 미술가들의 작품과 연관성을 보였다. 또한 조각 작품에 ‘발견된’ 오브제를 사용한 데서 미니멀아트로부터 영향을 받았음을 알 수 있다. 그는 후기 작품들에서 미술에서의 재현과 리얼리티의 문제를 탐구하는 데 주력하여 밝고 선명한 색 대신에 일상적인 오브제들을 다룸으로써 이미지와 선, 단어, 색채 사이의 밀접한 관계를 만들어냈다. 


    그의 가장 유명한 작품은 <참나무>(1973)는 높은 선반 위에 놓인 평범한 물컵이 어째서 참나무인지를 기호학적으로 보여주었다. 이 작품은 대상 그 자체보다 미술가의 의도가 중요함을 선언한 것으로, 크레이그 마틴의 작품 세계에서뿐만 아니라, 개념미술 운동에서도 중요한 전환점이 되었다.


    1980년대와 1990년대의 ‘영국의 젊은 미술가들(YBAs)’에게 중요한 영향을 끼친 것으로 유명한 크레이그 마틴은 런던의 골드스미스 칼리지에서 데미안 허스트, 새러 루커스, 게리 흄, 매트 리쇼, 트레이시 에민을 가르쳤고, 많은 개인전과 단체전을 통해 자신의 작품들을 대중에게 선보였다.



    참고 : (501 위대한 화가, 2009. 8. 20., 스티븐 파딩, 박미훈, 위키미디어 커먼즈, 내셔널 갤러리 런던, 프랑스국립박물관연합(RMN), 더 브릿지먼 아트 라이브러리, 비피케이)에서 발췌

  • Professional Experiences

    2019 

    Sculpture. Gagosian Gallery, London, England

    Present Sense. The Gallery at Windsor, FL


    2017 

    Michael Craig-Martin: All in All. Hyundai Gallery, Seoul, South Korea

    Quotidian. Alan Cristea Gallery, London, England


    2016 

    Michael Craig-Martin: Present Tense. Galerie Andres Thalmann, Zurich, Switzerland


    2015 

    Michael Craig-Martin: Transience. Serpentine Gallery, London, England

    MTV RE:DEFINE. Goss-Michael Foundation, Dallas, TX

    Shanghai Himalayas Museum, Shanghai, China; travelled to the Hubei Art, Museum, Wuhan, China


    2014 

    Michael Craig-Martin. Gagosian Gallery, Davies Street, London, England

    Objects of our Time. Alan Cristea Gallery, London, England

    Michael Craig-Martin. Gagosian Gallery, Hong Kong, China

    Michael Craig-Martin at Chatsworth. Chatsworth House, Derbyshire, England


    2013

    Michael Craig-Martin: Less Is Still More. Museum Haus Esters, Krefeld, Germany

    Michael Craig-Martin: Drawings 1967–1992, Recent Paintings and Prints.

    Galerie Andres Thalmann, Zurich, Switzerland


    2012 

    Alphabet by Michael Craig-Martin. Rugby Art Gallery and Museum, Rugby, England

    Michael Craig-Martin: Drawings. Luther W. Brady Art Gallery, George Washington University, Washington, D.C.

    Michael Craig-Martin: WORD-IMAGE-DESIRE. Hyundai Gallery, Seoul, Korea

    Michael Craig-Martin: Prints and Drawings. Galerie I.D., Geneva, Switzerland


    2011 

    Drawings. Alan Cristea Gallery. London, England

    Michael Craig-Martin. New Painting and Sculpture In the Gallery and the Sculpture Park, Roche Court, Wiltshire, England


    2010 

    Michael Craig-Martin. Gagosian Gallery, Athens, Greece

    Michael Craig-Martin. The Goss-Michael Foundation, Dallas, TX


    ...


    * 2010년 이전 이력 생략

  • Education

    Fine Art at Yale University, BA, MFA

    School of Visual Arts, New York 

    Bath Academy of Art


    Canterbury College of Art

    Artist-in-Residence, King’s College, Cambridge

    Goldsmith’s College, University of London

  • Award

    1994-2000 Appointed Millard Professor of Fine Art, Goldsmith’s College, University of London

    2001 Appointed CBE

    2006 Elected to the Royal Academy of Arts, London

    2016 Awarded Knighthood 

큐레이터 노트

영국 현대미술의 아버지라 불리는 마이클 크레이그-마틴은 전통적인 회화의 언어를 해체하고 개념미술을 선보인다. 크레이그-마틴은 일상적인 오브제와 예술의 경계에 대한 개념적인 탐구와 함께 선과 색채 사이에 밀접한 관계를 만들어냈다. 알루미늄판에 이미지를 프로젝터로 쏜 뒤 윤곽선을 만들어 매혹적이고 컬러풀한 색의 병치로 만들어낸 그의 강렬한 화면은 관람자의 감각적인 체험을 유도한다. 크레이그-마틴은 운동화, 안경, 라켓, 전구 등 현대 소비문화를 반영하는 동시대적 오브제를 작품 속 주요 소재로 삼고 있다. 단순 명료한 방식으로 이미지를 과장되게 일부분만 확대해서 보여주는 그의 방식은 ‘친숙한 것에 대한 낯선 시각적 경험’을 선사한다.

크레이그-마틴은 런던 골드스미스대학 교수로 재직하며, 영국 현대미술의 주역인 데미안 허스트, 줄리안 오피, 트레이시 에민 등 영국 젊은 아티스트 YBAs(Young British Artists)를 양성하는데 크게 기여했다. 그는 대영제국 훈장 CBS(Commander of the British Empire)를 받을 정도로 영국 현대미술의 발전에 큰 공헌을 인정받았다. 뉴욕 현대미술관, 런던 테이트 갤러리, 파리 퐁피두센터, 오스트리아 국립 박물관 등 세계 유수의 박물관과 미술관이 그의 작품을 소장하고 있다.

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Tracey Emin 트레이시 에민 1963 ~

  • Artist Statement

    영국의 미술가로 회화부터 비디오, 아플리케 패브릭 등 다양한 매체를 사용하여 고백적이고 자전적인 주제를 표현한다. 설치작품 ‘나의 침대’로 터너 상 후보에 오르며 미술계와 언론계의 유명 인사로 자리 잡았다. 트레이시 에민은 런던에 거주하면서 작품 활동을 하고 있다. 


    에민의 작품들은 회화, 드로잉, 사진, 설치물, 비디오 등으로 구성되어 있다. 그녀는 아플리케 천, 발견된 오브제, 모노 프린트, 네온 등의 다양한 매체를 사용하여 자신의 감정과 삶의 세세한 부분들을 전달했고, 프리다 칼로와 같은 미술가들의 전통을 따랐다. 켄트 주의 마게이트에서 성장한 에민은 젊은 시절에 상당한 정신적인 충격을 받는 불운과 상실감을 경험했다. 그녀의 작품은 그녀가 이러한 고통을 다루는 수단으로 비추어졌다. 


    에민은 어릴 적부터 미술을 공부하고 작품을 제작했다. 런던으로 이사 가기 전까지, 그녀는 메이드스톤 미술학교에 다녔고, 이후 1987년에 런던 왕립 미술아카데미에서 석사 학위를 받았다. 1993년에 에민은 자신의 창조적인 잠재력에 20파운드를 투자해달라는 편지를 사람들에게 보냈다. 그녀의 편지에 답한 사람들 가운데는 후에 그녀의 작품의 판매상이 되는 제이 조플링이 있었다. 조플링은 자신의 갤러리 ‘화이트 큐브’를 런던에 오픈하면서 에민에게 전시회를 제안했고, 이 전시회의 이름은 아이러니하게도 ‘나의 회고전’(1994)이었다. 이 전시회는 지극히 개인적인 에민의 삶을 대중에게 그대로 보여주는 기회였고, 그녀의 과거와 관련된 다양한 작품들과 기념물들이 전시되었다. 


    그녀는 곧 많은 동시대 미술가들과 친분을 쌓게 되었는데, 이들이 바로 ‘젊은 영국 미술가들(YBAs)’이었다.이후 에민은 런던 워털루에 트레이시 에민 미술관을 열었고 1998년에 문을 닫을 때까지, 친밀한 작품들로 많은 관람객들을 맞았다. 1999년에 그녀는 설치작품인 <나의 침대>(1998)로 터너 상 후보에 오르게 된다. 이 작품은 흙 묻은 내의, 빈 술병, 사용된 콘돔 등이 어지럽게 널려져 있는, 정리가 안 된 침대를 보여주었다. 이후 에민은 미술계와 언론계의 유명 인사로 자리 잡았다.


    참고 : (501 위대한 화가, 2009. 8. 20., 스티븐 파딩, 박미훈, 위키미디어 커먼즈, 내셔널 갤러리 런던, 프랑스국립박물관연합(RMN), 더 브릿지먼 아트 라이브러리, 비피케이)에서 발췌


    “나에게, 미술가가 된다는 것은 멋진 것들을 만든다는 것만은 아니다. 그것은 메시지를 전달하는 것이다.” - Tracey Emin

  • Professional Experiences

    2019

    Tracey Emin: ‘A Fortnight of Tears’, White Cube, London

     

    2017

    Tracey Emin — The Memory of your Touch, Xavier Hufkens, Brussels

    The Line - One Artist Per Time, Dio Horia, Mikonos

     

    2016

    Tracey Emin, New Monotypes, Carolina Nitsch Contemporary Art, New York

     

    2015

    Tracey Emin – Nudes.Blue 29.01.-28-02.2015, Galerie Fluegel-Roncak, Nuremberg

     

    2014

    TRACEY EMIN - New editions., Galerie Fluegel-Roncak, Nuremberg

    The Last Great Adventure is You, White Cube, London, UK

     

    2013

    Tracey Emin: Angel without You. Knight Exhibition Series, ICA Miami

     

    2012

    You Don’t Believe in Love But I Believe in You, White Cube, São Paulo, State of São Paulo, Brazil

     

    2011

    Tracey Emin - The Vanishing Lake, White Cube, London, UK

     

    2009

    Those who suffer Love, White Cube, London, UK

     

    2005

    When I Think about Sex..., White Cube, London, UK

     

    2001

    You forgot to kiss my soul, White Cube, London, UK

     

    1993

    My Major Retrospective 1963-1993, White Cube, London, UK

  • Education

    Bachelor of Fine Art, Maidstone College of Art, Maidstone, Kent, UK

    MA, Royal College of Art, London, UK

    Doctor of Philosophy, London Metropolitan University, London, UK

    Doctor of Letters, University of Kent, Kent, UK

    Received a Honorary Doctorate, Royal College of Art, London, UK

  • Award

    2001 The Jury Prize Cairo Biennale Award, Cairo, Egypt

    1997 International Award for Video Art

큐레이터 노트

트레이시 에민은 영국의 젊은 예술가를 일컫는 YBAs(Young British Artists)의 작가이다.
에민의 작품은 회화, 드로잉, 비디오, 사진, 설치 등 다양한 매체로 구성되어 있다.
그녀는 텍스트, 아플리케 패브릭, 모노 프린트, 네온 등 다양한 매체를 이용하여 자신의 감정을 전달하는 자기 고백적 표현의 작품 활동을 한다.

예술을 활용한 이러한 자전적인 표현과 시각적인 서술을 통해서 그녀는 어린 시절의 트라우마를 극복할 수 있었음을 고백한다.
에민은 “나의 삶이 곧 예술이고, 나의 예술이 곧 나의 삶이다”고 말한 바 있다.
그녀의 일상과 삶이 담긴 시각적인 서술은 누구나 공감할 수 있는 주제로 예술적 표현을 확장하고 있다.

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작가 사진
Julian Opie 줄리안 오피 1958 ~

  • Artist Statement

    줄리안 오피는 영국의 조각가이자 디지털 아티스트로 전 세계 미술계의 영향력 있는 대표적인 팝 아티스트로 손꼽힌다. 조각과 회화의 영역을 폭넓게 아우르는 후기 모더니즘의 주요 작가인 그는 옥스퍼드에서 태어나 골드스미스 예술학교에서 마이클 크레이그-마틴의 가르침을 받았다.


    초기에는 가전제품, 건축구조, 추상적이고 기하학적인 모양의 조각 위주로 작업하였다. 그의 작품은 특히 앤디 워홀과 로이 리히텐슈타인의 작품인 고전적인 초상화, 일본의 목판화, 팝 아트 미학을 바탕으로 하고 있다. 최근에는 다양한 디지털 미디어를 이용하여 ‘움직이는 미디어’ 작품들을 선보이며 특유의 축약된 형식으로 현대인의 모습을 다양하게 표현해냈다. 굵은 선과 단순화된 도형을 통해 대상의 핵심을 잡아 역동적으로 표현해내는 것이 특징이다.


    줄리안 오피는 2009년 서울광장뿐만 아니라 전 세계의 다양한 도시와 공공 프로젝트를 진행하였고, 현재 테이트, 대영박물관, 뉴욕현대미술관, ICA 보스턴 등 전 세계 다양한 곳에서 작품을 만나볼 수 있다.

  • Professional Experiences

    2010 ~ 2020


    2020

    Berardo Museum, Lisbon, Portugal


    2019

    Eden Project, Cornwall, UK

    Lisson Gallery, New York, USA

    Gerhardsen Gerner, Oslo, Norway

    Lehmbruck Museum, Duisburg, Germany

    Tokyo Opera City Art Gallery, Tokyo, Japan

    Krobath Gallery, Vienna, Austria


    2018

    F1963, Busan, South Korea

    Alan Cristea Gallery, London, UK

    Krakow Witkin Gallery, Boston, USA

    National Gallery of Victoria, Melbourne, Australia


    2017

    Fosun Foundation, Shanghai, China

    Fundacion Bancaja, Valencia, Spain

    “Julian Opie After Van Dyck” National Portrait Gallery, London, UK

    Suwon Ipark Museum, Suwon, Korea


    2016

    Art Geneve, Geneva, Switzerland

    Gerhardsen Gerner. Berlin, Germany

    Krobath. Vienna, Austria 

    Maho Kubota Gallery, Tokyo


    2015

    ARCO, Madrid, Spain 

    Mario Sequeira, Braga, Portugal

    “Recent Works”, Kunsthalle Helsinki. Helsinki, Finland

    Alan Cristea Gallery, London, UK

    Gerhardsen Gerner, Oslo, Norway


    2014

    SCAI The Bathhouse, Tokyo, Japan

    “Ikon Icon 2000s”, Ikon, Birmingham, UK

    MoCAK (Museum of Contemporary Art Krakow), Krakow, Poland

    “Julian Opie Collected Works” Holburne Museum, Bath and Bowes Museum, Durham, UK

    Gerhardsen Gerner, Berlin, Germany

    Krobath Galerie, Berlin, Germany

    Channing School for Girls, ARK Gallery, London, UK

    Kukje Gallery, Seoul, South Korea 

    “Winter and other Seasons: Landscapes by Julian Opie”, British Council, London, UK


    2013

    Barbara Krakow, Boston, USA

    Valentina Bonomo, Rome, Italy

    Krobath Gallery, Vienna, Austria

    Patrick de Brock, Knokke, Belgium

    Alan Cristea Gallery, London, UK

    Gerhardsen Gerner, Oslo, Norway


    2012

    Sakshi Gallery, Mumbai, India

    Lisson Gallery, London, UK


    2011

    Lisson Gallery, Milan, Italy

    National Portrait Gallery, London, UK

    Krobath, Berlin, Germany

    Alan Cristea Gallery, London, UK (exh cat)

    Bob van Orsouw, Zurich, Switzerland


    2010

    Barbara Krakow Gallery, Boston, USA

    Mario Sequeira, Braga, Portugal

    IVAM, Valencia, Spain

    Galerist, Istanbul, Turkey


    ...


    * 2010년 이전 이력 생략

  • Education

    Goldsmiths, University of London

  • Award

    2001 Music Week CADS, Best Illustration for Best of Blur 

    1995-1996 Residency at the Atelier Calder in Sache, France 

    1995 Sargant Fellowship at the British School in Rome

큐레이터 노트

줄리안 오피는 건축물과 오브제를 재해석한 작품으로 세계적인 주목을 받기 시작했다. 이후 컴퓨터를 사용하는 드로잉으로 발전하면서 눈코입 없이 동그란 얼굴로 걷고 있는 특유의 작업 시리즈를 보여준다. 사진이나 단편 영화를 단순화해 컴퓨터 그래픽을 이용해 구상 미술로 재생산한 그의 작업은 팝 아트의 전형적인 특징을 지닌다.
1990년대 들어서는 본격적으로 ‘인물’에 집중하기 시작했다. 줄리안 오피는 특정 장소의 인물을 보여주면서 그 도시의 분위기와 역동적인 삶을 표현했다. 사람들이 걸을 때 가장 자연스러운 상태라고 생각한 그는 걷는 모습을 통해 도시와 직업군의 색상과 온도까지 묘사했다. 줄리안 오피의 작업에서 볼 수 있는 독특한 특징은 ‘렌티큘러(Lenticular)’의 활용이다.
3D 이미지 기법의 하나인 렌티큘러는 다층의 이미지가 중첩되기 때문에 정면에서는 고정된 이미지로 보이지만 각도를 달리하면 이미지가 변형된다. 줄리안 오피는 이러한 렌티큘러의 특징을 이용하여 보는 각도에 따라 모듈화된 인물의 이미지가 걷게 되는 이른바 ‘Walking’ 시리즈를 탄생시켰다. 줄리안 오피의 초상화 스타일과 디지털 디자인은 현대 미술 분야를 넘어 상업 디자인 분야로 확장하고 있다. 2001년 영국의 록밴드 블러(Blur)의 앨범 재킷을 디자인하면서 대중에게 널리 알려졌고, 뮤직 위크 CADS에서 최우수 일러스트레이션상을 수상한 바 있다.

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Mel Bochner 멜 보크너 1940 ~

  • Artist Statement

    멜 보크너는 미국 출신의 개념미술가이며, 뉴욕에서 활동한다. 보크너는 1970년대 후반부터 그림을 그리기 시작했는데, 그의 그림은 단어를 이용한 간단한 업부터 자신이 개척한 개념미술까지 다양한 스펙트럼을 아우른다. 보크너는 특히 ‘언어’를 사용한 작품으로 대표적인데, 개념미술에 있어 개념과 실체를 대조하기 위해, 혹은 개념을 설명하는 수단으로 언어를 사용하였다. 1997년 이후부터는 언어를 드로잉, 회화, 판화 등의 회화적 형식과 접목시키기도 하며, 개념미술 이후의 미술에서 언어가 어떻게 사용되는지를 보여준다. 

     

    보크너의 작품은 언어를 회화적 형식과 결합하는 방식으로 이루어진다. ‘블라 블라 블라(Blah Blah Blah)’ 또는 ‘하 하 하(Ha Ha Ha)’와 같이 의성어를 반복하거나, 하나의 문장이 반복적으로 사용되기도 한다. 또한, 배경과 텍스트를 다채롭게 배열함으로써 단어들을 인식하는 것이 더욱 어려워진다. 관람자는 텍스트를 내용보다 색으로 먼저 인식하게 됨으로써 결국 그것을 수용하는 과정에서 해체시켜 버리는 것이다. 이에 더해, 보크너는 인쇄를 통해 물성과 질감을 표현한다. 보크너는 유화물감, 수채물감, 고체의 안료를 사용하여 캔버스, 종이, 벨벳 등 다양한 질감을 만나 흡수하거나 혹은 반발하는 효과를 이용한다. 이러한 방법들은 텍스트와 의미적인 연관성보다는, 질료를 통해 드러나는 글자의 질감과 물성을 심미적 수단으로 사용하는 타이포그래피 작품에 가깝다.
     

    결국, 이와 같은 방법들을 통해 보크너는 단어나 문장들을 중첩시키면서 단순히 언어가 아니라 미술작품으로서의 물질적인 형식을 갖게 한다. 무의미하게 구성된 언어들로 인해 텍스트는 읽히는 기능을 상실하고 보여지는 텍스트로만 남게 되는데, 이는 텍스트의 기능을 ‘읽히는’것에서 ‘보이는’것으로 변경시키게 된다. 
     

    이와 같이 보크너의 작품에서 언어는 개념미술에서와 같이 의미나 개념을 전달하기 위한 구체적인 수단이 아닌, 조형을 위한 대상으로서 등장하고 있다. 타이포그래피 또한 언어적 소통의 목적보다는 조형적 실험에 가깝다. 따라서 기존의 텍스트 기반 미술들과 차별되는, 회화적 수단으로서의 언어를 이용한 미술의 스펙트럼을 넓혔다는 점에서 보크너의 작품은 특별한 의미가 있는 것이다. 

    “시각적 경험을 확장하거나 재창조하는 많은 방법이 있지만, 무엇보다도 ‘시각’을 유지하는 것이 중요하다.”
     


    참고 : 위키피디아 / 정무환, <멜 보크너의 미술에 나타난 언어의 타이포그래피적 표현과 의의>, <기초조형학연구>. 2015


  • Professional Experiences

    2017

    Simon Lee Gallery, Hong Kong

    Peter Freeman, Inc., New York, NY, US
     

    2015

    Mount Holyoke College Art Museum, South Hadley, MA

    Craig F. Starr Gallery, New York, NY, US

    Marc Selwyn Fine Art, Los Angeles, CA, US
     

    2014

    The Jewish Museum, NY, US

    Simon Lee Gallery, London, UK

    Barbara Krakow Gallery, Boston, MA
     

    2013

    Peter Freeman, Inc., New York, NY
     

    2012

    Whitechapel Gallery, London, UK; Haus der Kunst, Munich, Germany (2013) and Museu de Arte Contemporânea de Serralves, Porto, Portugal (2013)

    Karsten Schubert Gallery, London

    Egeran Gallery, Istanbul, Turkey

    Marc Selwyn Fine Art, Los Angeles, CA, US

    Quint Contemporary Art, La Jolla, CA, US
     

    2011

    National Gallery of Art, Washington DC, US

    Peter Freeman, Inc., New York, NY, US
     

    2010

    Galerie Nelson Freeman, Paris, France

    Marc Selwyn Fine Art, Los Angeles, CA, US

    Fraenkel Gallery, San Francisco, CA, US


    ...

    * 2010년 이전 이력 생략

  • Education

    BA at the Carnegie Mellon University, Pittsburgh, PA

    Appointed professor at Yale University, New Haven, CT

    Recipient, honorary doctor of fine arts degree from Carnegie Mellon University

큐레이터 노트

멜 보크너는 흔히 개념미술의 창시자로 일컬어진다. 개념미술은 마르셀 뒤샹(MARCEL DUCHAMP, 1887~1968)의 레디메이드 작품 이후 그 시작점을 찾을 수 있다. 이 시기의 예술가들은 예술작품이 될 수 있는 조건이 무엇인지, 예술의 범위가 어디부터 어디까지인지를 끊임없이 고찰하며 의문을 제기했다. 보크너 또한 이런 질문을 제기한 여러 개념미술가 중 한 명이다.

보크너는 드로잉, 회화, 판화 등 다양한 장르의 작업을 진행했는데, 특히 1990년대 이후 언어를 기반으로 한 회화 작품은 주목할 만 하다. 보크너의 회화 작품은 다채로운 색채에 반복적인 단어 혹은 문장이 중첩되는 점이 특징적인데, 이는 타이포그래피적 요소를 적극적으로 도입한 것으로 볼 수 있다. 그야말로 ‘문자’인지, ‘그림’인지, 관객들은 보크너의 그림 앞에서 이를 고민하게 되는 것이다.

이와 같이 보크너의 작업에서의 가장 특별한 점은 언어를 미술의 영역으로 편입시켰다는 것을 들 수 있다. 사실 현대미술에서는 이전의 그 어떤 시대보다 언어가 미술과 밀접한 시기이다. 근대 이전의 미술에서는 언어가 필요하지 않았다. 현실을 얼마나 잘 모방했는지가 훌륭한 미술의 지표였기 때문이다. 하지만 더 이상 미술이 현실을 모방하지 않게 되면서, 그 작품이 무엇을 이야기하려 하는지를 이야기하는 ‘언어’가 중요하게 된 것이다. 보크너의 작업은 바로 이 지점을 관통한다. 보크너의 작품 내에서 사용되는 언어 자체는 더 이상 언어가 아니게 되며, 텍스트를 의미 전달의 수단에서 이미지의 대상으로, 언어를 조형의 대상으로 다루었다. 이와 같은 보크너의 작품들은 예술과 비예술의 경계를 다시 한번 생각해 보게 한다.

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1. 신청 내용에 허위, 기재누락, 오기가 있는 경우
2. 미성년자가 담배, 주류 등 청소년보호법에서 금지하는 재화 및 용역을 구매하는 경우
3. 상행위(재판매)를 목적으로 구매하는 거래이거나, 거래 정황상 상행위(재판매)를 목적으로 한 구매로 판단되는 경우
4. 기타 구매신청에 승낙하는 것이 “몰” 기술상 현저히 지장이 있다고 판단하는 경우
② “몰”의 승낙이 제12조 제1항의 수신확인통지형태로 이용자에게 도달한 시점에 계약이 성립한 것으로 봅니다.
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8. 기타 전자적 지급 방법에 의한 대금 지급 등
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② “몰”은 이용자가 구매한 재화에 대해 배송수단, 수단별 배송비용 부담자, 수단별 배송기간 등을 명시합니다. 만약 “몰”이 약정 배송기간을 초과한 경우에는 그로 인한 이용자의 손해를 배상하여야 합니다. 다만 “몰”이 고의. 과실이 없음을 입증한 경우에는 그러하지 아니합니다. 제14조 (환급) “몰”은 이용자가 구매 신청한 재화 등이 품절 등의 사유로 인도 또는 제공을 할 수 없을 때에는 지체 없이 그 사유를 이용자에게 통지하고 사전에 재화 등의 대금을 받은 경우에는 대금을 받은 날부터 7영업일 이내에 환급하거나 환급에 필요한 조치를 취합니다. 제15조 (청약 철회 등) ① “몰”과 재화 등의 구매에 관한 계약을 체결한 이용자는 수신확인의 통지를 받은 날부터 7일 이내에는 청약의 철회를 할 수 있습니다.
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3. 시간의 경과에 의하여 재판매가 곤란할 정도로 재화 등의 가치가 현저히 감소한 경우
4. 같은 성능을 지닌 재화 등으로 복제가 가능한 경우 그 원본인 재화 등의 포장을 훼손한 경우
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③ “몰”이 상품이나 용역에 대하여 「표시. 광고의 공정화에 관한 법률」 제3조 소정의 부당한 표시. 광고행위를 함으로써 이용자가 손해를 입은 때에는 이를 배상할 책임을 집니다. 제19조 (회원의 ID 및 비밀번호에 대한 의무) 1. 제17조의 경우를 제외한 ID와 비밀번호에 관한 관리책임은 회원에게 있습니다.
2. 회원은 자신의 ID 및 비밀번호를 제3자에게 이용하게 해서는 안됩니다.
3. 회원이 자신의 ID 및 비밀번호를 도난 당하거나 제3자가 사용하고 있음을 인지한 경우에는 바로 “몰”에 통보하고 “몰”의 안내가 있는 경우에는 그에 따라야 합니다. 제20조(이용자의 의무) 이용자는 다음 행위를 하여서는 안됩니다.
1. 신청 또는 변경 시 허위 내용의 등록
2. 타인의 정보 도용
3. “몰”에 게시된 정보의 변경
4. “몰”이 정한 정보 이외의 정보(컴퓨터 프로그램 등) 등의 송신 또는 게시
5. “몰” 기타 제3자의 저작권 등 지적재산권에 대한 침해
6. “몰” 기타 제3자의 명예를 손상시키거나 업무를 방해하는 행위
7. 외설 또는 폭력적인 메시지, 화상, 음성, 기타 공서양속에 반하는 정보를 몰에 공개 또는 게시하는 행위 제21조 (연결“몰”과 피연결 “몰” 간의 관계) ① 상위 “몰”과 하위 “몰”이 하이퍼링크(예: 하이퍼 링크의 대상에는 문자, 그림 및 동화상 등이 포함됨)방식 등으로 연결된 경우, 전자를 연결 “몰”(웹 사이트)이라고 하고 후자를 피연결 “몰”(웹사이트)이라고 합니다.
② 연결 “몰”은 피연결 “몰”이 독자적으로 제공하는 재화 등에 의하여 이용자와 행하는 거래에 대해서 보증책임을 지지 않는다는 뜻을 연결“몰”의 초기화면 또는 연결되는 시점의 팝업화면으로 명시한 경우에는 그 거래에 대한 보증책임을 지지 않습니다. 제22조(저작권의 귀속 및 이용제한) ① “몰“이 작성한 저작물에 대한 저작권 기타 지적재산권은 ”몰“에 귀속합니다.
② 이용자는 “몰”을 이용함으로써 얻은 정보 중 “몰”에게 지적재산권이 귀속된 정보를 “몰”의 사전 승낙 없이 복제, 송신, 출판, 배포, 방송 기타 방법에 의하여 영리목적으로 이용하거나 제3자에게 이용하게 하여서는 안됩니다.
③ “몰”은 약정에 따라 이용자에게 귀속된 저작권을 사용하는 경우 당해 이용자에게 통보하여야 합니다. 제23조(분쟁해결) ① “몰”은 이용자가 제기하는 정당한 의견이나 불만을 반영하고 그 피해를 보상처리하기 위하여 피해보상처리기구를 설치, 운영합니다.
② “몰”은 이용자로부터 제출되는 불만사항 및 의견은 우선적으로 그 사항을 처리합니다. 다만, 신속한 처리가 곤란한 경우에는 이용자에게 그 사유와 처리일정을 즉시 통보해 드립니다.
③ “몰”과 이용자 간에 발생한 전자상거래 분쟁과 관련하여 이용자의 피해구제신청이 있는 경우에는 공정거래위원회 또는 시, 도지사가 의뢰하는 분쟁조정기관의 조정에 따를 수 있습니다. 제24조(재판권 및 준거법) ① “몰”과 이용자 간에 발생한 전자상거래 분쟁에 관한 소송은 제소 당시의 이용자의 주소에 의하고, 주소가 없는 경우에는 거소를 관할하는 지방법원의 전속관할로 합니다. 다만, 제소 당시 이용자의 주소 또는 거소가 분명하지 않거나 외국 거주자의 경우에는 민사소송법상의 관할법원에 제기합니다.
② “몰”과 이용자 간에 제기된 전자상거래 소송에는 대한민국의 법령을 적용합니다. 제25조(정보의 제공 및 광고의 게재) ① “회사”는 “회원”이 “몰” 이용 중 필요하다고 인정되는 다양한 정보를 공지사항 또는 전자우편이나 서신우편, SMS, 전화, 모바일메신저 등의 방법으로 회원에게 제공할 수 있습니다. 다만, 회원은 관련법에 따른 거래관련정보 및 고객문의 등에 대한 답변 등을 제외하고는 언제든지 전화, 우편 등에 대해서 수신 거절을 할 수 있습니다.
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최종개정일: 2019년 11월 20일

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