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Enthusiasm : A Waking Mountain, 서정아트 부산
이춘환, 전통과 혁신《Enthusiasm : a waking mountain》은 이춘환 화백이 지난 20년간 지속해온 산의 기운 연작의 최근 신작들을 두루 살피는 기획전이다. 그는 1988년 첫 개인전을 시작으로 매일 규칙적으로 작품에 몰두하며 묵을 중심으로 한 수묵화부터 아크릴을 주재료로 한 캔버스 작업까지 작가의 목표와 작품이 나아갈 길을 정직하게 보여주고 있다.산의 기운은 그의 작품세계를 관통하는 미학을 계승하는 동시에 작가의 전체 작품세계를 이해할 때 가장 중요한 시리즈로 꼽을 수 있다. 그는 본격적으로 작업을 시작한 1980년대 초반부터 지금까지 매우 체계적으로 작품 제작의 단계를 밟아왔다. 이러한 열의와 탐구는 작가 자신에게 필요에 의한 진전의 과정이었을 것이며, 큰 흐름에서는 더욱 순수한 추상으로 이르는 과정이었다.캔버스에 아크릴을 주재료로 사용해 산의 기운을 표현하는 방식은 초창기 전통적인 수묵화 작업 이후 점진적으로 변혁을 맞이해왔다. 지금껏 이 화백의 산의 기운 연작은 세부 내용을 덜어내고 단순화시킨 색, 면으로 산의 기운을 표현한 조형의 힘으로써 우리에게 자연의 정수를 느끼게 했다. 이번 기획전의 근작들 또한 형태와 색채에 대한 작가의 헌신적인 탐구로 더욱 정제된 선과 면, 엄선한 색으로 기본적인 조형 요소들이 긴장감 속에 모종의 균형감을 이루며 강렬한 에너지를 뿜어낸다. 같은 빨강 계열의 작품에서도 선홍, 다홍, 진홍 등 미묘한 차이를 지니며 기본 삼원색을 기반으로 하되 변주가 구사된 색들이 조화롭다. 장엄한 산맥과 떠오르는 태양을 암시하는 분홍빛 하늘은 이춘환 화백의 조형언어를 통해 직접적으로 자연의 아름다움에 다가가게 한다. 특히 일필로 제작된 산의 기운을 통해 일상적으로 만나는 자연의 요소들을 더욱더 회화적 언어로 추상화하는 화백의 집요한 실험 과정을 엿볼 수 있다. 형태를 점차 단순화시켜 큰 화면에 사방 면의 산이 보이는 시점의 조감도를 펼쳐내 더욱 자신감 넘치게 자연의 모습을 담아내거나, 직접 한지를 제작하여 요철 있는 표면의 재질감을 최대한 살리는 방식으로 작업한 신작은 앞으로 작가의 회화 언어의 발전에 어떤 결정적인 역할을 할 것 인지 주목된다. 작풍의 전환기를 겪으며 유사한 조형과 같은 계열의 색에서도 미묘한 차이를 드러내며 거대한 자연의 힘을 표현한 산의 기운 시리즈의 현재와 앞으로의 도달할 수 있는 작가의 경지를 이번 기획전을 통해 가늠해보려 한다.2023년 미술의 시대적 지형도 속 이춘환 화백의 신작을 두루 살피는 이번 전시는 작가의 작품 세계 속 선택과 방향 전환에 따라 변화하는 작품의 궤적을 쫓아가는 길라잡이가 될 것이다.전시작가이춘환 ―Enthusiasm : A Waking Mountain Lee Choun Hwan, Tradition and Innovation"Enthusiasm: A Waking Mountain" is a celebration of the latest additions to artist Lee Choun Hwan's The Mood of the Mountain series. This expansive series, spanning from ink paintings to acrylic paintings on canvas, is a testament to Lee's unwavering artistic journey of the past two decades. Starting from his first solo exhibition in 1988, Lee has shared his discipline, aspirations, and direction as an artist through the series.The latest installment of The Mood of the Mountain continues to reflect Lee's core aesthetic vision, which has been shaped and refined over the past four decades through dedicated and methodical artistic practice. This magnum opus reflects the artist’s passion and inquisitive spirit and provides a deeper insight into his journey towards pure abstraction. Lee expresses the vigor of the mountains in his paintings through the use of acrylic paint, a choice distinct from his earlier works in which he employed traditional ink. The series of Lee's paintings embodies the essence of nature through its subtle, muted color scheme and its formal representation of the mountain's energy as a plane.The latest works on display showcase Lee's focused exploration of form and color, exuding a vibrant energy. The interplay of basic formative elements creates a delicate balance, lending a sense of tension amidst refinement and precise lines and planes. The artist's use of color is a noteworthy feature, with Lee mainly utilizing primary colors but giving a harmonious and subtle variation within the same color families, such as bright red, deep red, and crimson. Lee invites the viewer to experience the beauty of nature through his unique formative language, as depicted in his representation of the majestic mountain range and the pink, sunshine-filled sky.Lee captures the essence of nature through abstraction by transforming everyday elements into a pictorial language, which is demonstrated through his ongoing experimentation with materials and techniques. The works on display feature several characteristics unique to Lee, such as conveying the energy of mountains with a single brushstroke, presenting the bold, large-scale depiction of a bird's-eye view of the mountains, or using Korean paper–that he creates himself–in a distinctive way to accentuate its unique surface texture. They collectively and ultimately allude to the direction in which Lee’s visual language may evolve. "Enthusiasm: A Waking Mountain" offers a glimpse into Lee's present and future direction with The Mood of the Mountain series, which showcases the immense power of nature. As Lee undergoes a transition in his artistic style, the series has developed to include subtle variations in shape and color. This exhibition will become an opportunity to observe the evolution of this series and the potential for Lee's artistry to reach new heights.We hope “Enthusiasm: A Waking Mountain" provides a glimpse into Lee Choun Hwan's work in the context of the 2023 art world and offers a guiding light for following the trajectory of his ever-evolving artistic choices and practice. ArtistLee Choun Hwan   일자 2023. 03. 07 ~ 2023. 04. 13 장소 서정아트 부산 부산 해운대구 달맞이길 30 엘시티 제포디움동 3F  
02-15
2023 BAMA 부산국제화랑아트페어
일자 2023. 03. 02. ~ 03. 05.  장소 BEXCO 부스 E02 
02-15
The other Face of Material, 서정아트 강남
서정아트는 《The other Face of Material》展을 개최하며 김기드온, 이시산, 정아사란, 허연화 작가의 작업을 선보인다. 이번 전시는 사물과 현상을 이분법적으로 구분할 수 없음에 집중하여, 사물과 현상의 경계와 이면을 탐색하는 작가 4 명의 작업들을 소개하기 위하여 기획되었다. 김기드온 작가는 조형원리의 기본을 이루는 점, 선, 면을 와이어 매시와 로프를 통해 시리즈 조형 작품을 만든다. 단순함의 미학을 구현하는 김기드온 작가의 조형 작품 시리즈는 규칙적인 패턴을 형성하여 견고한 실루엣과 세련된 조형미를 보여준다. 오브제, 가구 그리고 공간 작업을 이어가고 있는 이시산 작가는 자연과 인공물, 인간 사이의 관계에 대해 탐구하며, 소재가 가진 순수한 본질을 바탕으로 정제된 언어의 형태로 작업을 하고 있다.이시산 작가의 작품에서 주요 소재는 돌과 스테인리스 스틸이다. 자연물인 돌이 지닌 개별성과 인공적 재료인 스테인리스 스틸이 함축하는 인위적인 면은 두 물질의 공생을 통해 드러나며 이 둘 사이를 잇는 긴장감도 함께 전해진다. 정아사란 작가는 현실과 가상세계, 그리고 그 사이를 부유하는 비가시적인 데이터를 수많은 레이어를 통해 구현한다. 정아사란 작가에게 디지털 데이터는 더 이상 가상의 좌표값이 아닌 투명한 환각과도 같은 잔존물이다. 작가는 유동적인 디지털 데이터를 흐르는 액체처럼 표현하며 디지털 데이터들의 여정을 보여준다.허연화 작가는 다양한 형태의 조각물과 실크스크린 그리고 페인팅 등을 통해 물의 유동적인 속성을 자신의 작업에 접목시킨다. 작가는 물과 관련된 풍경들을 작업해오며 인체가 빈번하게 체감하는 일상적인 공감각에서 벗어나는 감각들을 찾아내고, 각기 다른 성질의 액체들이 자연스럽게 섞이듯 관련 없어 보이는 사물과 사건들에 이야기를 부여한다. 이로써 연결되는 상황을 작업에 구현하며 구획된 공간에서의 탈피를 시도한다. 《The other Face of Material》은 단순하게 정의되는 ‘물질’의 고정된 의미에서 벗어나, 드러나지 않은 물질의 숨은 의미를 찾아가는 여정을 탐구하는 전시이다. 이번 전시를 통해 김기드온, 이시산, 정아사란, 허연화 4 명의 작가가 만든 물질의 여정에 함께하길 기대한다. 전시작가김기드온, 이시산, 정아사란, 허연화 ―The other Face of Material Seojeong Art is pleased to present 《The Other Face of Material》, a group exhibition featuring the works of Gideon Kim, Sisan Lee, Asaran Jeong, and Yeonhwa Hur. This exhibition focuses on the exploration of the boundaries and other sides of objects and phenomena through the eyes of these four artists, with a particular emphasis on their objection to dichotomous distinctions. Gideon Kim's series of sculptures are crafted using wire mesh and rope, forming points, lines, and planes that are fundamental elements of art. These sculptures embody the aesthetics of simplicity and feature regular patterns that create a solid silhouette and sophisticated aesthetic beauty.Sisan Lee's refined artistic language is based on the pure essence of materials. He explores the relationship between nature, human-made artifacts, and humans by creating objects, furniture, and spaces. Lee often employs stone and stainless steel in his work, and the combination of the two materials emphasizes the individuality of the natural stone and the artificiality of stainless steel, which subsequently brings out the tension between the natural and the artificial.Asaran Jeong's layered works explore the intersection between the real world and the virtual world, and the unseen data that connects them. Jeong views digital data as an illusionary remnant, an ephemeral presence, rather than just a series of virtual coordinates. She uses fluid, flowing forms to express the movement and trajectory of digital data in her art.Yeonhwa Hur delves into the fluidity of water through various forms of sculpture, silkscreen, and painting. Hur often explores landscapes related to water, seeking out sensations that deviate from the daily experiences of the human body. She imbues seemingly unrelated objects and events with a story, similar to how liquids of different properties naturally blend together. Through this connectedness, Hur aims to break free from compartmentalized spaces in her work.《The Other Face of Material》 is an exhibition that delves into the discovery of the once-hidden, tacit significance of materials, going beyond conventional understanding. We invite audiences to join us as these four artists take us on a journey to uncover the unique qualities and potential—the other face—of various materials.ArtistGideon Kim, Sisan Lee, Asaran Jeong, Yeonhwa Hur   일자 2023. 02. 01 ~ 2023. 03. 08 장소 서정아트 강남 서울 강남구 봉은사로47길 12 
01-17
이춘환: All things In Nature, 반얀트리 서울
반얀트리 서울 클럽동에서는 2023년 새해를 맞이하여 아티스트 탐색 프로젝트로 이춘환(b. 1956) 작가의 작업을 선보입니다. 2023년 1월 4일부터 3월 6일까지 진행되는 이번 전시는 한국화를 현대적으로 재해석하여 독창적인 조형 세계를 그려 내는 이춘환 작가의 회화 작품들로 구성되어 있습니다. 20대 초반 등단 이후에 문인화와 수묵화를 주로 작업해 온 그는 자연을 품에 안은 ‘삼라만상’을 주제로 하여 〈산의 기운〉, 〈달항아리〉, 〈황금 월매〉와 같은 반구상 작업에서 한국적 소재를 찾기 시작했고, 이후 〈빛+결〉 시리즈에 이르러 완결된 추상성을 보여주고 있습니다. 이춘환 작가의 대표 연작 중 하나인 〈산의 기운〉은 계룡산, 북한산, 설악산, 월출산 등 산의 모습을 조형적으로 함축해 색과 구도를 단순화한 작업입니다. 작업 초기 시기인 수묵화 시기부터 서양화 재료를 혼합한 현재의 작업까지 이어온 〈산의 기운〉 시리즈는 색과 형태의 단순화 과정을 통해 오히려 산세의 웅장함을 드러내고 있습니다. “전부 채워내고 나서야 비로소 비울 수 있다”는 동양 철학적 사고를 작품에 접목한 이춘환 작가의 〈산의 기운〉은 대자연을 품에 안은 삼라만상의 존재가치를 생동감 있게 담아내고, 관람객이 마치 산의 현장에서 직접 자연의 모습을 관조하는 느낌을 받도록 〈산의 기운〉을 통해 자연과의 교감을 이끌어냅니다. 〈All things in Nature〉 전시는 자연의 생명과 소멸이 시작되는 작은 점이 작가가 그려낸 캔버스 속 자연물을 구성하는 선과 면으로 이어진다는 이춘환 작가의 작업관을 보여주기 위해 기획되었습니다. 작가가 그려낸 캔버스 속 자연의 모습은 다양한 색과 패턴으로 구성되어 있음에도 불구하고, 절제되고 안정감 있는 균형감을 보여줍니다. 어느 한 쪽으로 치우치지 않고 중심을 잡고 있는 캔버스 속 자연의 모습은 관람객에게 평온함과 고요함을 선사할 것입니다. 이춘환 작가는 대한민국미술대전 특선(2001) 및 제4회 대한 민국창조문화예술대상에서 대상(2016) 등의 수상 경력으로 국내에서 입지를 다졌으며, 일본 자주현전에서 문화교류상(요코하마미술관)을 받아 한국화의 아름다움을 국제적으로 널리 알린 바 있습니다. 또한, 2013년 대한민국 미술대전 초대작가로 선정된 이래 2018년 제37회 대한민국미술대전 구상부문 한국화 운영위원장으로 선출되었으며, 이어 (사) 한국미술협회 이사와 국회 문화체육관광 위원장(2016)을 역임하며 2019 년부터 제9회, 제10회 호국미술대전 운영위원으로서 활동하였습니다. 최근 전시로는 2021년 미국 뉴욕 첼시에서 진행된 개인전 〈BUKHANSAN〉과 2022년 영국 런던 사치갤러리에서 진행된 개인전 〈Lee Choun Hwan: Rooted Island〉가 있습니다.  일자 2023. 01. 04 ~ 2023. 03. 06 장소 반얀 트리 클럽 & 스파 서울 (서울시 중구 장충단로60, 클럽동 로비)Banyan Tree Club & SPA Seoul (Jang Chung Dan-Ro 60, Jung-Gu, Seoul, Korea) 
12-21
불야성(不夜城)：The White Way, 서정아트 강남
박지은 작가는 강렬한 먹선과 함께 도시의 야경을 담아내는 작가이다. 그의 작품은 검은 묵면을 바탕으로 하지만 그 안을 자세히 살펴보면 도시의 야경이 세밀하게 묘사되어 있는 것을 알 수 있다. 이 야경들은 서울, 뉴욕, 파리, 싱가포르 등 다양한 도시의 경관이며, 각자의 랜드마크로 이들이 실재하는 풍경임을 식별할 수 있다. 여기서 유추할 수 있듯, 작가에게 있어 여행은 영감을 얻는 주요한 수단이 된다. 작가는 여행 중 우연히 마주친 풍경, 순간, 분위기를 캔버스 위에 담아내는데, 사진으로 찍은 듯한 사실적인 야경에서는 강렬한 묵면의 프레임을 통해 마치 잔상처럼 한순간에 지나가는 듯한 운동감을 느낄 수 있으며, 이는 여행지에서 느낀 순간적인 감정을 관람자에게 하여금 마치 직접 겪은 것과 같이 기억 저편에서 끌어온 경험인 것처럼 인식하게 한다. 박지은이 사용하는 주된 재료는 변화하는 감정이다. 빠르게 변화하는 세상의 속도에 혼란스러움을 느낀 작가는 한 발 뒤로 물러나 세상을 관조하려 한다. 작가는 관조의 수단으로 여행을 택했는데, 그 누구도 아닌 익명의 상태로 세상 곳곳을 누비며 작가는 여러 감정의 변화를 느꼈다. 그 감정의 소용돌이 속에서 작가는 세상 어디에서도 변함없는 고요한 밤의 건물과 풍경, 지붕과 불빛에서 위로를 얻어 갈 수 있었던 것이다. 이번 전시에서는 작가가 탐구하는 여러 감정 중 특히 대조적인 감정의 변화에 주목하였다. 차오르다가도 텅 비고, 쓸쓸하다가도 황홀해지는 감정의 높낮이를 통해 영감을 얻는 박지은은 작품 그 자체로 대조를 표현한다. 한밤중에도 해가 떠 있는 것처럼 밝다는 의미의 ‘불야성(不夜城)’처럼 본 전시는 작품의 이런 대조적 성격에 주목하는데, 언뜻 보면 과감한 먹선으로만 이루어진 듯한 작품의 내부를 자세히 살펴보면 그 안에 야경의 불빛들이 섬세하게 묘사되어 있는 것을 발견할 수 있다. ‘불야성’이라는 단어는 그 자체로 역설적이다. 밤이지만 낮처럼 밝으며, 잠을 자는 고요한 시간이지만 사람들이 불을 켜고 모여 활기차기도 하다. 언뜻 차갑고 쓸쓸하게 느껴지는 밤의 야경은 사실 그 속의 개인들이 따뜻한 불빛을 켜야 만들어질 수 있는 것이라는 점이 또 하나의 대조이기도 하다.박지은 작가의 작품은 과감함과 세밀함, 차가움과 따뜻함, 고요와 활기가 공존하는 다채로운 이야기를 담아낸다. 이처럼 상반된 것들의 미학은 언제나 우리를 매료시킨다.전시작가박지은―불야성(不夜城)：The White Way Jieun Park is an artist who paints city nightscapes with intense Chinese ink brushstroke. Her work depicts a night view of a city implicitly and meticulously camouflaged under a black ink plane. Her night city landscape paintings are of Seoul, New York, Paris, and Singapore, which reveal their identities through landmarks. As can be inferred here, travel is an important source of inspiration for the artist; Park's canvas contains the scenery, moment, and atmosphere she encountered during her travels. Her realistic depiction of night scenery within the intense frame of black ink makes the viewer feel the fleeting movement as if seeing an afterimage. And this energy allows the viewer to feel the momentary feeling of travel as if it were directly experienced or drawn from the other side of memory.Jieun Park’s main medium is changing emotions. Bewildered by the staggering speed at which the world changes, Park tries to take a step back and contemplate the world, choosing travel as a means of contemplation. As she traveled the world anonymously, she felt various changes in her emotional state. And in the whirlpool of emotions, the artist found comfort in buildings, landscapes, roofs, and lights of the unchanging tacit night found in all corners of the world.“The White Way” pays attention to conflicting emotional states among the various emotions the artist has explored through her works. from filling up to emptiness and loneliness to ecstasy, Park expresses this contrast in her city nightscapes, inspired by the highs and lows of emotions. Hence, the title of her solo exhibition was taken from a term referring to a metropolis that is as bright as day even in the middle of the night. – a state as paradoxical as what Park delicately depicts. Within her seemingly bold strokes of black ink lie the lights that embroidered the nighttime. It is night, but it is as bright as day; it is time to go to bed, but the night is still lively with the lights on and people still gathering. The fact that the scenery of a cold and lonely night would not be complete without the people inside and their warm lights is another element of contrast inherent in this exhibition.Jieun Park's works are colorful stories in which boldness and meticulousness, coldness and warmth, and stillness and vitality coexist. And the aesthetics of contrast such as Park's work will never cease to fascinate the audience.ArtistJieun Park  일자 2022. 12. 17 ~ 2023. 01. 20 장소 서정아트 강남 서울 강남구 봉은사로47길 12 
12-13
2022 CONTEXT Art Miami
일자 2022. 11. 29. ~ 12. 04.  장소 The CONTEXT Art Miami PavilionOne Herald Plaza @ NE 14th Street | Downtown MiamiOn Biscayne Bay between the Venetian & MacArthur Causeways 부스 B24  
11-29
투영하는 시선 The Projective View, 서정아트 부산
서정아트는 《투영하는 시선 Projective View》展을 개최하며 콜라주, 디지털 페인팅, 사진 및 조각 작업을 하는 3인의 작가 권선영, 이상수, 전병삼을 초대한다. 이번 전시는 현대의 삶을 바라보는 작가들의 관점과 해석을 이야기한다. 카메라의 초점을 어느 한 곳에 고정하듯, 사람들은 저마다의 시선으로 삶의 파편들을 추적하고 관찰하며 그 흔적을 담아 기록한다.  권선영 작가는 생활에서 접하는 수많은 이미지들을 축소해 디지털 인쇄물로 콜라주하여 자신만의 꽃밭을 만든다. 전단지, 책, 공병, 시계, 핸드크림 등 생활에서 접하는 소재들은 형형색색의 색감을 입고 새로운 의미를 갖추어 탄생한다. 권선영의 꽃밭은 겉보기에 화려하고 아름다운 이미지로 구현되지만 본래의 기능을 상실한 폐품 조각과 버려지는 것들로 가득하다는 점에서 그 이면을 보여주기도 한다. 단편적 오브제들의 우연한 만남은 눈에 보이지 않는 관계를 형성하며, 더 나아가 작가가 말하고자 하는 연속된 삶의 방향과도 같은 것이다.   최소한의 선(Line)으로 동물의 형상을 조형화하는 이상수는 동물 조각 연작을 선보이는 조각가다. 큰 뼈대를 주축으로 동물의 특징을 드러내고 유려한 곡선으로 움직임을 표현한 그의 조각들은 생략된 부분을 상상하게 함으로써 시각적 역동성을 보인다. 3D 프로그램으로 드로잉한 후 다양한 출력 방식으로 3차원의 공간 속 실제 조각으로 가공하는 일련의 작업 방식은 철제에 생명을 불어넣는 일이기도 하다. 동물들의 모습은 각각의 특성에 따라 보이는 특유의 몇 가지 행동들을 담아낸다. 간결한 선으로 형상을 재현한 피카소의 드로잉 작업을 보고 영감을 받은 이상수는 보이지 않는 것을 채우고, 자신의 상상력을 투영한다. 전병삼의 사진 작업 역시 대상을 재현하는 것이 아니라 대상을 ‘사라지게’ 함으로써 그 본질을 들여다보게 한다. 육안으로 쉽게 포착하지 못하는 작은 부분을 극대화하거나 반대로 생략을 통해 착시를 부르는 등 대상을 재현하는 방식은 다양하다. 그러나 전병삼의 작업은 여기서 더 나아가 ‘접기(Folding)’와 ‘펼치기(Unfolding)’를 통해 현상의 속성을 바라보는 데에 주목한다. 그 중에서도 현재 전시에서 볼 수 있는 ‘Moment’ 시리즈는 작가가 인쇄한 사진들을 절반으로 접었을 때 모서리 옆면에 비치는 이미지들을 중첩해서 쌓아 올린 결과다. 이 작업에서 보이는 것은 단순한 ‘선’의 연결일 뿐이지만, 수천장의 동일한 사진과 그 안에 담긴 수많은 이야기들이 켜켜이 쌓였다는 점에서 사라짐의 의미는 역설적이다. 사진이라는 매체를 활용하지만 사진의 본래 기능은 이 작업에서 사라진다는 점이 핵심이다. 두 가지 상반된 기능은 "사라짐은 끝이 아니라 새로운 시작이다"라고 강조해왔던 작가의 메시지를 상기시킨다.‘투영하는 시선’은 이미지의 중첩과 생략을 통해 우리가 바라보는 세상의 모든 관점에 대한 이야기를 함축한다. 3인의 작가 권선영, 이상수, 전병삼의 작업을 보며 그들의 시선이 머물던 곳과 대상을 상상하며 보이지 않는 부분을 채워가는 여정이 되길 기대한다.   전시작가권선영, 이상수, 전병삼 ―The Projective ViewSeojeong Art Busan is pleased to announce ‘The Projective View’, a 3-person exhibition of Kwon Sun Young, Lee Sang Soo, and Jeon Byeong Sam covering various artistic vocabularies from collage to digital painting, photography, and sculpture. This exhibition examines the perspectives and interpretations of artists looking at the lives of modern people. As if focusing on a camera, they trace and observe the fragments of life with their eyes and record the traces.Kwon Sun Young creates a flower garden by reducing the images she encounters in her daily life and collaging them into digital prints. Through her artistic perspective, everyday objects such as flyers, books, bottles, watches, and hand creams transform with new meanings and various colors. The artist's splendid and alluring garden also suggests a different side of everyday objects in that her garden consists of scrap pieces and discarded objects that have lost their original function. As the accidental collage of fragmentary images of objects forms an invisible relationship, Kwon's work draws the viewer's attention to the continuum of life.Lee Sang Soo presents a series of animal sculptures composed of minimal 'lines'. To create a visually dynamic sculpture, Lee draws out the animal's structural characteristics around the animal's main skeleton, adds a sleek silhouette to depict movement, and leaves the rest of the omitted physical features to the viewer's imagination. He brings steel animal structures to life by creating drawings using 3D programs and then processing them utilizing various output methods to give them physicality. In addition, Lee's sculptures capture the actions and movements unique to each animal. Inspired by Picasso's drawings that reproduce shapes with simple drawing lines, Lee Sang Soo projects his imagination to fill the invisible.Jeon Byeong Sam and his photographs also allow us to look into the essence of objects in the way of obliteration rather than representation. There are various ways to reproduce objects, such as maximizing small parts that cannot be easily captured with the naked eye or creating an optical illusion through omission. Jeon goes further by paying attention to the properties of phenomena through the methods of 'folding' and 'unfolding'. The Moment series introduced in this exhibition is made by layering layers of image fragments that exude from the sides of a printed photograph when folded in half. What is seen in this work may be simply a series of 'lines', but the thousands of identical photos and countless stories contained within them simultaneously raise the question of presence and absence of meaning. The artist creates this paradox by choosing photography as a medium and actively annihilating its original function, reinforcing the artistic message that “disappearing is not the end, but a new beginning”.'Projective View' implies a story about all aspects of the world we see through overlapping and omission of images. This exhibition is a journey of confronting the invisible–where they were and what they saw–in the works of Kwon Sun Young, Lee Sang Soo, and Jeon Byeong Sam, and fills that void with your active imagination.ArtistKwon Sun Young, Lee Sang Soo, Jeon Byeong Sam 일자 2022. 11. 24 ~ 2023. 01. 04 장소 서정아트 부산 부산 해운대구 달맞이길 30 엘시티 제포디움동 3F  
11-16
2022 Diaf 대구국제아트페어
일자 2022. 11. 24. ~ 11. 27.  장소 EXCO 부스 A16 
11-10
나난 개인전, 시트콤〈그 옥수수 The Corn〉, 서정아트 부산
사각형 캔버스 안에만 국한되지 않는 나난의 작업들은 우연히 마주한 창문 위의 페인팅이나, 생동감 넘치는 종이 꽃다발 등의 형태로 우리의 삶 속에서 대중과 소통하고 있다. 국내외 유수의 브랜드들이 나난 작가와 협업하기를 희망하며, 그에게 구애의 손길을 내밀지 않은 기업을 손에 꼽을 정도이다. 이러한 러브콜은 나난이 동시대 예술가중 대중에게 가장 사랑받는 아티스트 라는 것을 입증함과 동시에 나난의 작품이 남녀노소 누구나, 언제 어디서든 쉽게 만날 수 있다는 대중성을 기반한다.  나난은 이번 전시 ‘시트콤 <그 옥수수> 에피소드 01- 즐거운 나의 옥수수’에서 ‘옥수수’를 매개로 시트콤의 한 장면을 유쾌하게 연출한다. 관람객은 마치 시트콤을 보는 것처럼 전시를 통해 즐거움을 느끼고 나난이 함께 나누고자 한 긍정적인 메시지를 전달받는다. 관용구인 ‘Home sweet home’을 오마주한 부제 ‘Corn sweet corn’에서 알 수 있듯, 본 전시는 나난의 지금까지의 작업 전반을 관통하는 사랑과 행복의 의미를 집약적으로 향유할 수 있는 예술적 감각의 공간이다. 나난은 전시의 주체이며 기쁨의 존재인 옥수수에게 우리가 흔히 접하는 식재료 이상의 강력한 존재감을 부여하며 그가 추구하는 선한 에너지로 가득찬 삶의 방향과 여정을 안내한다. 이번 전시의 관람 포인트는 나난이 ‘옥수수’를 어떻게 해석하고 풀어냈는지 지켜보는 것이다. 해석의 결과물인 진주 귀걸이를 한 옥수수가 이번 전시의 주인공이다. 전시장에 들어서자마자 전 세계적인 반향을 일으킨 푸른 두건과 진주 귀걸이를 한 ‘옥수수’가 바로크풍의 프레임 속에서 고혹적인 자태로 관람객을 맞이한다. 동시에 옥수수 두건 위에 다채롭게 표현된 옥수수밭 원화를 함께 선보이며, 이와 연계된 비디오 설치를 통해 두건 원화 제작 과정을 일부 엿볼 수 있다. 작가는 ‘옥수수’의 탄생 스토리를 더욱 심도 있게 풀어내기 위해 옥수수밭에서 직접 사운드를 채취하고, 옥수수를 재배하는 전문 농업인과의 인터뷰 영상을 함께 설치하여 관람객들에게 특별한 경험을 선사하고자 한다. 이뿐만 아니라 관람객의 참여와 호흡을 기반으로 하는 시들지 않는 꽃다발 롱롱타임플라워 꽃집도 함께 선보일 예정이다. 일상 속에서 마주한 예술이 큰 기쁨이 되길 바라는 작가 나난의 바램을 담아, 그의 ‘옥수수’가 어떠한 메시지를 전하게 될지, 이번 전시를 통해 획일화되거나 일반화된 예술의 소명이 아닌 공감과 위트가 피어나는 감상의 기회를 가져보길 기대한다.전시작가나난  ―Sitcom 〈The Corn〉 E01. Corn Sweet CornNot confined to any square canvas, Nanan Kang’s work communicates with the public in the form of a picture on a window or a bunch of paper flowers brimming with vitality. Prestigious leading domestic and foreign brands hope for cooperation with the artist. This proves that Nanan is an artist of our time most loved by the public, and her works have a popular appeal that anyone can enjoy, and they can meet with ease anywhere and anytime. In this exhibition Sitcom The Corn: EO.1-Corn Sweet Corn, Nanan hilariously produces a scene of a sitcom using corn as her medium. The viewer can take delight in the exhibition and receive the positive message Nanan intends to share, as if watching a sitcom. The exhibitition is a space of artistic sense and sensibility in which viewers are allowed to intensively relish the meaning of love and happiness, the cardinal theme of Nanan’s oeuvre. Nanan acts as a guide in our journey of life full of good-natured energy and joy, lending a stronger presence than just a food material to the corn, the subject of the exhibition as well as an object of joy. The viewing point of this exhibition is how Nanan interprets and denotes ‘corn,’ its primary subject matter. The main character of this art show is the corn with a pearl earring. As soon as a viewer steps inside the venue, the ‘corn’ wearing a blue headscarf and a pearl earring on an alluring figure welcomes them in a Baroquesque frame. On display at the same time are an original painting of a diversely depicted cornfield and a video installation associated with this. Nanan collected audio directly in a cornfield and displays a video featuring an interview with corn cultivation professionals to touch on the birth and growth of corn more deeply, thereby trying to provide viewers with a special experience. In addition to this, her series Long Long Time Flower based on the viewer’s participation and involvement will be on display as well. This exhibit explores what messages her corn conveys, revealing her hope that art can be a pleasure in everyday life. It is hoped this exhibition will serve as an opportunity for visitors to appreciate artworks alongside sympathy and wit.ArtistNanan Kang 일자 2022. 11. 05 ~ 11. 19 장소 서정아트 부산 부산 해운대구 달맞이길 30 엘시티 제포디움동 3F  
10-26
합(合)：CONFLUENCE, 서정아트 강남
피정원은 삶에서 축적된 경험과 그 경험에서 파생된 감정을 융합하여 캔버스 위 검은 추상으로 표현해왔다. 깊숙한 내면의 기억들이 검은 여백 속에 켜켜이 쌓아 두터운 마띠에르의 균열과 굴곡으로 형상화 된 것이다. 이번 전시는 서정아트에서 선보이는 작가의 첫번째 개인전으로, 'Untitled' 시리즈의 근간이 되는 'After Image' (2017-)에서 출발하여 확장된 현재의 'Untitled : Black Path'까지 이어지는 서사를 풀어낸다. 거칠게 나타나는 그의 어두운 화면은, 피정원이 어린시절 캐나다와 미국에서 유학생으로 지내며 도피처가 되었던 동굴에서 마주한 벽화에서 영감을 받고, 시각적 모티브를 얻었다. 벽화의 이미지는 시간과 공간의 변주가 축적되지 않으면 존재할 수 없기 때문에 축적된 경험과 내재된 감정을 시각화 하는 피정원 작업세계에 있어서 중요한 요소로 자리잡았다. 오랜 시간이 담겨있는 동굴 속 커다란 벽화처럼 작가는 시간의 서사를 기록하듯 그가 겪어온 순간들에 대한 정제시킨 감정과 기억을 캔버스에 옮겼다. 큰 화면 위에 기록된 두터운 마티에르는 거친 터치와 어두운 색감으로 정형화 되지 않은 여러 겹의 레이어로 나타나며, 그 위에 생성된 강렬한 균열이 하나의 이미지로 형성되어 합해진다.  작가가 마주한 유학 시절 강하게 자리잡은 개인적인 기억들은 2017년부터 'After Image' 시리즈로부터 시작된다. 한국에 대한 향수와 작가의 정체성을 상징하는 먹에 서양의 재료인 블랙 젯소를 섞은 바탕 위에 어린 유학생 시절의 기억부터 차곡차곡 쌓았고, 하나의 덩어리진 표현이 아닌 독립적인 개별의 이미지들이 캔버스 위 추상적 화면에 기록되었다. 그 연장 선에서 2020년부터 독립된 기억들은 한 덩어리로 번안된 <Untitled: Black Path> 연작으로 연결된다. 시멘트와 갈퀴드 오일이 만들어낸 검은 바탕위의 균열들이 시각적으로 극대화 되어 하나의 화면을 풍성하게 채운다. 특히 이번 전시에서 작가는 단순히 캔버스의 추상 회화를 본다는 의미를 넘어서 본인이 경험한 감정과 기억을 함께 공감하고, 상상할 수 있는 추상적 경험을 선사하기 위한 고민의 결실로 'Untitled : Black Path'의 대형 연작 시리즈를 선보인다. 작가가 최초로 시각적 모티브를 얻은 동굴의 이미지를 어두운 공간 안에 설치하여 압도되는 분위기 속에서 그의 작업 세계 안팎을 면밀히 느낄 수 있도록 이끌며, 완전한 추상으로의 여정을 떠나기 위한 준비과정으로 그 방향성을 제시한다. 뿐만 아니라 작가의 낙서, 드로잉, 스케치 등 작업 방식의 전반을 살펴 볼 수 있는 아카이브 작업실을 구현하며, 작가가 창조해내는 검은 추상의 탄생 과정을 선보인다. 작가가 경험한 시각적 경험이 캔버스 위 추상으로 변환되며, 형성된 이미지는 하나가 되어 강렬하게 표현되었다. 피정원의 조형언어로 재해석된 추상 회화는 보는 이의 감상이 더해져 단 하나의 매개체로 융합된다. 전시작가피정원―합(合)：CONFLUENCE 展Jungwon Phee expresses the hybrid of his experiences and emotions derived from those experiences by abstracting them in black on the canvas. Phee places his memories from his deep self in the cracks and curves of densely piled-up, black matière. Phee's first solo exhibition with Seojung Art examines the past and the present of his Untitled series, covering from its bedrock (After Image, 2017~) to the latest developments (Untitled: Black Path).The rough and black space inside Jungwon Phee’s paintings is inspired by the cave. The cave is linked to personal memories of Phee's early days as a hideout while studying in Canada and the United States; it is also where he encountered the murals that later became his visual motif. Cave murals cannot exist without the accumulation of changes in time and space, and this mechanism has become a crucial element for the artist to visualize the accumulated experiences and emotions. Just as the huge cave paintings evince a vast passage of time, refined versions of the emotions and memories of Phee's experiences get transferred to the canvas like a chronicle. The vast plain of Phee's painting is composed of layers of energetic brushstrokes and darkness; the image appears when the synthesis–confluence–of intense cracks in his thick and atypical matière occur.The influence of memories Jungwon Phee has accumulated while studying abroad is evident in the After Image(2017~) series. In After Image, Phee illustrates his childhood memories in a foreign country on a background painted with a mixture of black gesso, a material of western origin, and ink that symbolizes his national identity and nostalgia for his home country. What you see in the abstract realm of Phee's canvas is not a single expressive mass but individually transfigured images. This series is also in line with Untitled: Black Path which transforms his memories after 2020 into a single lump. Here, the rich cracks created by the mixture of cement and Galkyd fill the black background, maximizing the visual experience of his painting.In ‘CONFLUENCE’, Phee showcases a large-scale series from Untitled: Black Path, the result of his research into ‘imaginable’ abstract experiences that go beyond the act of seeing and reach a point of empathy for emotions and memories. Inspired by the caves, the source of his early inspiration, the space where the presentation of this series takes place is dim. This captivating ambiance invites the viewers to take a closer look at every aspect of his work, which ultimately prepares them for a journey toward complete abstraction. Phee also exhibits an archive of his doodles, drawings, and sketches that traces the process and birth of his abstraction-in-black. Phee translates his visual experience into abstraction on the canvas. As the created images unify, they become a force of expression. Finally, the abstraction reinterpreted in the formal language of Phee sparks a moment of confluence as it synthesizes with the audience's experience. And through this confluence, his work ultimately becomes a medium between the artist and the audience.ArtistJungwon Phee  일자 2022. 10. 27 ~ 12. 09 장소 서정아트 강남 서울 강남구 봉은사로47길 12 
10-24
사이먼 고 개인전, Some Gorgeous Dream, 서정아트 부산
사이먼 고는 사랑 그리고 관계에 대한 고찰을 동화 같은 인물들로 풀어낸다. 작가는 평소 개인적인 경험을 바탕으로 관계를 맺을 때 나타나는 감정적 충만의 순간들을 포착하는데, 이는 작가에게 있어 가장 중요한 경험이자 곧 자아의 실현이기도 하다. 사이먼 고의 인물들은 인간관계에서 경험하게 되는 신뢰, 희망, 절망 등 여러 감정들을 반영하고 있다. 작가는 관계에 있어 한 사람이 누군가를 온전히 이해한다는 것은 어려운 일이지만, 작품을 통해 이러한 이해의 과정에 약간이나마 도움이 될 수 있을 것이라 기대한다.작가는 특유의 질감 표현에 회화만의 고유성을 부여하기도 한다. 그는 실제로 작품을 눈앞에서 보고 느끼는 것을 중요하게 생각한다. 최근 많은 사람들이 디지털 액정을 통해 작품들을 많이 접하기도 하지만 사이먼은 관객들에게 본인의 작품을 실물로 감상하는 것을 추천하는데, 작품을 실물로 접했을 때의 생동감 그리고 감동을 더하기 위해 특히 질감 표현에 집중했기 때문이다. 이러한 텍스처 표현은 작가에게 있어 ‘불완전함’을 은유하는 것이기도 하다. 회화는 표면의 질감을 입체적으로 구현하더라도 입체가 아닌 2차원, 즉 평면에 머무르게 된다. 이러한 점은 사이먼 고의 작품 세계를 관통하는 주제인 관계의 불완전함과 연결되는 지점이기도 하다. 또한 작가는 이번 전시에서 처음으로 입체 인물 작업을 선보일 예정이다. 작가가 이야기하는 페인팅의 불완전성, 그리고 입체 작업으로 나아가는 지점이 어떻게 맞물리게 될지 주목해 볼 만하다.이번 전시의 키워드는 ‘꿈’이다. 전시의 제목 은 “It’s like some gorgeous dream!”이라는 관용표현에서 착안했는데, 이 문장은 “정말 꿈같은 일이야!”라는 의미로 해석된다. 이처럼 사이먼은 ‘꿈같은’ 표현에 특별한 의미를 부여한다. 작가에게 있어 꿈이라는 것은 명확하지 않고 비현실적이며 마치 판타지 영화 속 한 장면과 같다. 꿈은 기승전결이 뚜렷하지 않으며, 각 장면들은 모두 내러티브를 가지고 있지만 연결되지 않고 서로 분리되어 있다. 하지만 이들은 모두 작가의 경험으로부터 창조되었다는 점에서 아이러니하게도 일관된 연결성을 가진다. 작가는 이러한 꿈의 속성들을 작품에 반영해 자신만의 로맨틱하고 몽환적인 판타지 세계를 창조해낸다. 전시작가사이먼 고 ―Some Gorgeous DreamNot confined to any square canvas, Nanan Kang’s work communicates with the public in the form of a picture on a window or a bunch of paper flowers brimming with vitality. Prestigious leading domestic and foreign brands hope for cooperation with the artist. This proves that Nanan is an artist of our time most loved by the public, and her works have a popular appeal that anyone can enjoy, and they can meet with ease anywhere and anytime. In this exhibition Sitcom The Corn: EO.1-Corn Sweet Corn, Nanan hilariously produces a scene of a sitcom using corn as her medium. The viewer can take delight in the exhibition and receive the positive message Nanan intends to share, as if watching a sitcom. The exhibitition is a space of artistic sense and sensibility in which viewers are allowed to intensively relish the meaning of love and happiness, the cardinal theme of Nanan’s oeuvre. Nanan acts as a guide in our journey of life full of good-natured energy and joy, lending a stronger presence than just a food material to the corn, the subject of the exhibition as well as an object of joy. The viewing point of this exhibition is how Nanan interprets and denotes ‘corn,’ its primary subject matter. The main character of this art show is the corn with a pearl earring. As soon as a viewer steps inside the venue, the ‘corn’ wearing a blue headscarf and a pearl earring on an alluring figure welcomes them in a Baroquesque frame. On display at the same time are an original painting of a diversely depicted cornfield and a video installation associated with this. Nanan collected audio directly in a cornfield and displays a video featuring an interview with corn cultivation professionals to touch on the birth and growth of corn more deeply, thereby trying to provide viewers with a special experience. In addition to this, her series Long Long Time Flower based on the viewer’s participation and involvement will be on display as well. This exhibit explores what messages her corn conveys, revealing her hope that art can be a pleasure in everyday life. It is hoped this exhibition will serve as an opportunity for visitors to appreciate artworks alongside sympathy and wit.ArtistNanan Kang 일자 2022. 09. 22 ~ 10. 28 장소 서정아트 부산 부산 해운대구 달맞이길 30 엘시티 제포디움동 3F  
10-11
나난 개인전, 시트콤〈그 옥수수 The Corn〉, 서정아트 강남
서정아트는 다가오는 9월 3일부터 10월 2일까지 강남에서 나난 작가의 개인전을 개최한다. 사각형 캔버스 안에만 국한되지 않는 나난의 작업들은 우연히 마주한 창문 위의 페인팅이나, 생동감 넘치는 종이 꽃다발 등의 형태로 우리의 삶 속에서 대중과 소통하고 있다. 국내외 유수의 브랜드들이 나난 작가와 협업하기를 희망하며, 그에게 구애의 손길을 내밀지 않은 기업을 손에 꼽을 정도이다. 이러한 러브콜은 나난이 동시대 예술가중 대중에게 가장 사랑받는 아티스트 라는 것을 입증함과 동시에 나난의 작품이 남녀노소 누구나, 언제 어디서든 쉽게 만날 수 있다는 대중성을 기반한다.  나난은 이번 전시 ‘시트콤 <그 옥수수> 에피소드 01- 즐거운 나의 옥수수’에서 ‘옥수수’를 매개로 시트콤의 한 장면을 유쾌하게 연출한다. 관람객은 마치 시트콤을 보는 것처럼 전시를 통해 즐거움을 느끼고 나난이 함께 나누고자 한 긍정적인 메시지를 전달받는다. 관용구인 ‘Home sweet home’을 오마주한 부제 ‘Corn sweet corn’에서 알 수 있듯, 본 전시는 나난의 지금까지의 작업 전반을 관통하는 사랑과 행복의 의미를 집약적으로 향유할 수 있는 예술적 감각의 공간이다. 나난은 전시의 주체이며 기쁨의 존재인 옥수수에게 우리가 흔히 접하는 식재료 이상의 강력한 존재감을 부여하며 그가 추구하는 선한 에너지로 가득찬 삶의 방향과 여정을 안내한다. 이번 전시의 관람 포인트는 나난이 ‘옥수수’를 어떻게 해석하고 풀어냈는지 지켜보는 것이다. 해석의 결과물인 진주 귀걸이를 한 옥수수가 이번 전시의 주인공이다. 전시장에 들어서자마자 전 세계적인 반향을 일으킨 푸른 두건과 진주 귀걸이를 한 ‘옥수수’가 바로크풍의 프레임 속에서 고혹적인 자태로 관람객을 맞이한다. 동시에 옥수수 두건 위에 다채롭게 표현된 옥수수밭 원화를 함께 선보이며, 이와 연계된 비디오 설치를 통해 두건 원화 제작 과정을 일부 엿볼 수 있다. 작가는 ‘옥수수’의 탄생 스토리를 더욱 심도 있게 풀어내기 위해 옥수수밭에서 직접 사운드를 채취하고, 옥수수를 재배하는 전문 농업인과의 인터뷰 영상을 함께 설치하여 관람객들에게 특별한 경험을 선사하고자 한다. 이뿐만 아니라 관람객의 참여와 호흡을 기반으로 하는 시들지 않는 꽃다발 롱롱타임플라워 꽃집도 함께 선보일 예정이다. 일상 속에서 마주한 예술이 큰 기쁨이 되길 바라는 작가 나난의 바램을 담아, 그의 ‘옥수수’가 어떠한 메시지를 전하게 될지, 이번 전시를 통해 획일화되거나 일반화된 예술의 소명이 아닌 공감과 위트가 피어나는 감상의 기회를 가져보길 기대한다.전시작가나난 강 ―Sitcom 〈The Corn〉 E01. Corn Sweet CornNot confined to any square canvas, Nanan Kang’s work communicates with the public in the form of a picture on a window or a bunch of paper flowers brimming with vitality. Prestigious leading domestic and foreign brands hope for cooperation with the artist. This proves that Nanan is an artist of our time most loved by the public, and her works have a popular appeal that anyone can enjoy, and they can meet with ease anywhere and anytime. In this exhibition Sitcom The Corn: EO.1-Corn Sweet Corn, Nanan hilariously produces a scene of a sitcom using corn as her medium. The viewer can take delight in the exhibition and receive the positive message Nanan intends to share, as if watching a sitcom. The exhibitition is a space of artistic sense and sensibility in which viewers are allowed to intensively relish the meaning of love and happiness, the cardinal theme of Nanan’s oeuvre. Nanan acts as a guide in our journey of life full of good-natured energy and joy, lending a stronger presence than just a food material to the corn, the subject of the exhibition as well as an object of joy. The viewing point of this exhibition is how Nanan interprets and denotes ‘corn,’ its primary subject matter. The main character of this art show is the corn with a pearl earring. As soon as a viewer steps inside the venue, the ‘corn’ wearing a blue headscarf and a pearl earring on an alluring figure welcomes them in a Baroquesque frame. On display at the same time are an original painting of a diversely depicted cornfield and a video installation associated with this. Nanan collected audio directly in a cornfield and displays a video featuring an interview with corn cultivation professionals to touch on the birth and growth of corn more deeply, thereby trying to provide viewers with a special experience. In addition to this, her series Long Long Time Flower based on the viewer’s participation and involvement will be on display as well. This exhibit explores what messages her corn conveys, revealing her hope that art can be a pleasure in everyday life. It is hoped this exhibition will serve as an opportunity for visitors to appreciate artworks alongside sympathy and wit.ArtistNanan Kang 일자 2022. 09. 03 ~ 10. 02 장소 서정아트 강남 서울 강남구 봉은사로47길 12 
10-11
2022 Kiaf PLUS 키아프 플러스
일자 2022. 09. 02. ~ 09. 05.  장소 SETEC 부스 C22 
10-06
관계망 : Connectworking 展, 서정아트 강남
현대 사회는 발전된 기술과 시스템을 통해 그 안에서 살아가는 사람들에게 편리함을 제공하지만, 동시에 복잡한 인구밀도 속에서 역설적이게도 외로움을 불러일으키기도 한다. <관계망:Connectworking>展은 현대 사회 안에서 사람들 간의 관계 그리고 소통에 주목했다. 주로 사람들 간의 사회적 연결망을 설명할 때 쓰이는 단어인 ‘관계망’, 그리고 연결과 소통을 뜻하는 connect와 network의 합성어인 ‘Connectworking’이라는 단어를 통해 현대 사회 속에서 맺어지는 사람들 간의 다양한 관계에 대해 다시 한번 주목하고자 한다. 사람들 간의 거리 그리고 접촉이 더욱 중요한 화두에 오르게 된 최근, 8인의 작가들의 작품이 한 공간에서 만나 서로 상호작용하며 연결되는 모습 또한 또다른 관계망의 형성인 것이다. 이번 전시를 통해 현대 사회 환경 속에서 주변화된 존재들에 집중하고 연결과 관계의 의미를 다시 되새기는 시간을 갖고자 한다.  본 전시에서는 다음과 같은 8인의 작가들을 만나볼 수 있다.사이먼 고는 개인적인 경험으로부터 출발한 인간관계의 사적이고도 보편적인 여러 모습들을 그린다. 관계로부터 발생하는 신뢰와 희망, 그리고 때로 절망은 작가 특유의 잔잔하면서도 차분한 분위기로 캔버스 위에 묘사된다. 정하눅은 여러 이질적인 요소들을 조합해 페인팅 회화에서 새로운 경계를 만들어낸다. 작가는 독일 유학 시절 이민가정 아이들을 인터뷰하며 그들이 가진 기억의 잔상에 주목한 작품을 선보여 왔다. 아이들이 성장하고 자신들의 정체성을 확립해 가며 얻는 기억의 여러 파편들을 이미지화해 그만의 독특한 방식으로 표현하였다. 최승윤은 역설과 양면성에 대해 탐구한다. 그는 그림 또한 하나의 생명체이거나 우주라고 생각하며, 세상에 존재하는 반대의 법칙들을 특유의 푸른색으로 표현한다. 푸른색은 작가에게 있어 모든 것의 근간이 되는 색으로, 이 색을 바탕으로 다양한 컬러 조합을 통해 에너지와 힘이 느껴지는 강렬한 작업들을 해 오고 있다. 콰야는 일상의 순간들을 포착해 특유의 감수성으로 표현해 낸다. 쉽게 지나치거나 놓칠 수 있는 일상의 순간들을 캔버스 안에 잡아둠으로서 작가는 “시간을 잠시 멈춰 세울 수 있다”고 말한다. 누구나 공감할 수 있는 일상과 감정들을 주제로 삼는 그의 그림은 다양한 분야에서 사랑받고 있다. 피정원은 동양의 먹과 서양의 블랙 젯소를 사용해 가장 근원적인 재료로 본인의 자아를 표현한다. 그는 주로 개인적인 경험과 감정을 주제로 삼는데, 그는 다양한 재료를 실험하고 캔버스 위에 만드는 균열과 물감의 흐름 등을 연구하여 효과적인 표현 방법을 고민한다. 홍성준은 주로 카메라를 통해 수집된 사진 이미지를 작품의 재료로 활용하지만 이를 회화적 층위에서 해석하고 기본적으로 구성하는 물성에 대한 고민을 표현한다. 작가는 보거나 보여지는 주체 사이의 관계에 대해서 고민하며, 이를 표현하기 위한 다양한 방법들을 시도한다. 황도유는 손이 지닌 불완전한 기능을 이용해 더욱 강조된 회화성을 실험한다. 작가는 동양미학의 ‘일획론’을 서양회화에 적용하여 중첩되지 않은 짧은 붓자국들로 화면을 채운다. 그는 특유의 기법과 앨리스로 대표되는 소녀 아이콘을 통해 순수하고 신비로운 풍경들을 그려낸다. 황원해는 도시 이미지와 건축적 구조를 재료로 추상회화를 작업한다. 작가는 건축적 이미지들 사이에서 각각의 요소를 조합해 캔버스 위에서 재조합하며 평면과 입체의 경계에 대해 고민하며 회화의 새로운 층위에 대해 연구한다. 이와 같이, <관계망 : Connectworking>展은 서정아트 강남에서 열리는 특별 기획전으로, 동시대를 살아가고 있는 작가들의 다양한 고민과 연구 그리고 나아갈 방향에 대해 새로운 비전을 제시한다. 이번 전시를 통해 빠르게 변화하는 현대미술계 안에서 활발하게 활동 중인 영향력 있는 작가들의 새로운 가능성을 발견하고 세상에 알리는 기회가 되기를 기대한다.  ―One of the defining paradoxes of today lies in feeling disconnected from the densely populated city around us in the era of unprecedented connectivity. Kwankyemang: Connectworking directs our attention to the interpersonal relationships in today’s society.   As the title of the show implies, the show seeks to explore how the interactions among the ideas of community, connectivity and communication are reflected in the diverse ways we relate to each other on both individual and collective levels.   As we navigate our way out of the time of social-distancing and contact-tracing, we invite the works of eight artists to come together, interact and connect. Kwankyemang: Connectworking   proposes a renewed meaning of connectivity and connection.  On view will be the works of the following eight artists.Simon Ko portrays human relationships in their private and universal aspects. Based loosely on his personal experience, Ko’s paintings present the trust, hope, and despair inherent to interpersonal connections through his gentle and calm poeticism.Jung Hanuk’s intermixing of disparate elements on his canvases pushes the boundaries of painting. Jung has created works that capture the afterimages of memories shared to him by immigrant children whom he has interviewed during his time in Germany. Reclaimed by the children as they grow into their own, their memory fragments are transformed by Jung into unexpected and compelling images that comprise Jung’s works.Seungyoon Choi’s paintings are a reflection of his deep thoughts about the concepts of paradox and duality. Choi views his works as living beings or microcosms in which the cosmic rules of opposites are painted in blue. To Choi, the color blue possesses an ontological meaning, which he mixes with others to create dynamic and powerful abstractions.Qwaya captures moments of everyday life and retells them in his distinctly poignant point of view. By preserving the fleeting moments of just-another-day on the canvas, he says he “momentarily stops the passage of time.” Instantly relatable and beautifully poetic, Qwaya’s works garner admiration from people from all walks of life.PHEE Jungwon creates paintings that explore the depths of his self-awareness using ink and gesso, the primal materials of Eastern and Western painting traditions. Inspired by personal experiences and emotions, PHEE’s paintings are testament to his dedicated research and experiments on materials, which flow and crack on the paintings’ surfaces.HONG Seong Joon’s works are like a love letter to painting in which he reinterprets and processes his photographic images in painting’s terms and probes fundamental questions regarding the topic of materiality in painting. HONG explores the relationship between seeing and being seen, and shows his findings through various tools and frameworks.Hwang Do you examines the relationship between painterliness and the human hand’s imperfections. Applying the Eastern concept of “the holistic brushstroke” to the Western painting tradition, Hwang fills her canvas with carefully placed brushstrokes that do not overlap one another. Through the use of her signature technique and the girl-figure “Alice,” Hwang creates landscapes of painterly purity and otherworldliness.Hwang Wonhae creates abstract paintings using fragmented images of the city and architectural structures. Through her works that rearrange and combine fragments of the urban landscape and various architectural elements, Hwang investigates the boundaries between the two- and three-dimensions, and explores new depths of painting.The special exhibit Kwankyemang: Connectworking on view at Seojung Art Gangnam presents the works of contemporary artists, and shares their artistic inquiries, their findings as well as the future they are headed to. By bringing together influential artists with active roles in today’s rapidly-changing art world, we hope to generate exciting discussions around these artists and provide the audience with the opportunity to discover new possibilities in them. 일자 2022. 07. 29. 금 ~ 08. 28. 일 장소 서정아트 강남 서울 강남구 봉은사로47길 12 
07-19
박현지·전아현 2인전 ― 치유의 숲 展, 서정아트 부산
현대인들에게 숲이란 휴식과 재충전의 공간을 의미한다. 사람들은 쉬는 날 산에 오르며, 공원을 걷고, 피크닉을 하며 일상을 채우려 한다. 한편 숲과 대비되는 공간으로는 도시가 있다. 사람들은 도시 안에서 일하며 관계 맺고 발전하지만, 도시 안에서 얻은 스트레스를 숲과 자연에서 위로받고자 한다. 이처럼 숲은 도시인들에게 있어 하나의 도피처이자 치유의 공간으로 자리 잡았다.박현지는 추억이라는 키워드를 중심으로 작업한다. 작가는 삶의 원동력을 어릴 적 자연 속에서 보냈던 추억 속에서 찾는다. 자연은 작가에게 있어 어린 시절 가장 큰 위로가 되어 준 존재이기도 하다. 혼자 있는 시간이 많았고, 그런 외로움을 항상 자연 속에서 위로받으려 하던 어린 작가는 그때 느꼈던 따뜻함과 안식을 터프팅(Tufting) 기법으로 벽 위에 재현한다. 실로 엮여진 나무와 풀과 샘은 실제 자연의 그것과는 다른 감촉을 가지고 있지만 마치 어릴 적 엄마가 덮어주던 잠자리의 담요처럼 포근한 감촉으로 작가의 손끝에서 새롭게 창조된다. 전아현은 자연에서 느끼는 감정을 가구나 오브제, 회화 작업으로 표현한다. 작가의 ‘심산(深山)’시리즈는 산에서 느껴지는 평온함 그리고 안식을 오브제로 표현했는데, 운무가 낀 산의 이미지를 표현한 수묵을 구체화하여 바라보는 것뿐 아니라 실제로 사용하고 경험하고자 하였다. 특히 산수화의 표현기법 중 위에서 아래로 산을 내려다보는 듯한 시점인 ‘심원법’에 착안하여 사용자의 시선이 아래로 향하는 작품들을 제작하였다. 작가는 이러한 작품을 통해 산과 산 사이 안개가 흘러가는 모습을 보며 사람들이 위안을 얻기를 바란다. 본 전시에서는 숲 그리고 자연을 주제로 한 두 작가의 작품을 통해 관객들에게 편안함을 전달하고자 한다. 두 작가가 표현하는 자연의 모습은 실제의 자연을 모방하려 함이 아니다. 작가들은 숲이라는 요소를 각기 다른 재료를 이용하여 표현했으며 숲의 다양한 모습 중 각자가 느낀 인상을 포착하여 묘사하였다. 그럼에도 숲에 대한 두 작가의 공통점으로는 안식과 평온을 숲에서 찾고 더 나아가 치유받으려 한다는 점을 들 수 있겠다. 오늘날 자연이라는 공간은 도시인들에게 특별한 의미가 있다. 도시 그리고 현실로부터의 도피처가 되어 주는 자연 속에서 위로받고자 하는 두 작가의 작품을 통해, 일상 속에서 잠시 명상하듯 스트레스를 씻어낼 수 있는 작은 기회가 되고자 한다.전시작가박현지, 전아현―Healing ForestTo contemporary humans, a forest is a space that can be used to rest and recharge. People tend to replenish their energy by going up a mountain, walking through the park, or going on an outing on their day off. But, there is the city as a space contrasting with the forest. People work, enter into some relation, and evolve in the city, but relieve their stress brought on by their urban life in nature, especially the forest. A key concept in Hyunji Park’s work is ‘memory.’ The motivation of her life is her childhood memories of her time spent in nature. Nature was a great comfort to her as a child. She was often lonely but was comforted by nature. She represents the warmth and relaxation she felt at that time on the wall using a tufting technique. Trees, grasses, and a spring illustrated by weaving thread have a feel different from those in nature, but they are newly created by her hands to have a soft touch like a blanket her mother placed over her as a child. Ahyun Jeon tries to represent what she feels in nature in a variety of forms including objects. The DEPTH OF MISTY MOUNTAIN(深山) series is a representation of serenity and repose we can feel in the mountains, capturing the moments she gained comfort from in the mountains shrouded with cloud and mist. She concretely illustrates the outlines of mountains reminiscent of landscape painting, thereby enabling her pieces to be actually used and experienced rather than just seen. Applying deep-distance perspective, an ink wash landscape painting technique, in which one may feel like they are looking down the mountains from the sky, she created works that make the viewer’s eyes look down. Jeon hopes her scenes of mist streaming between the mountains offer consolation to the viewers. This exhibition is designed to provide viewers with comfort and relaxation through works by the two artists who have worked on the themes of forest and nature. The nature they portrayed is not in imitation of real nature. They capture and depict impressions they have from forests using different materials. All the same, they commonly seek solace and peace in forests and intend to be healed by them. A natural place today has particular significance to urbanites. It is our hope that this art show will serve as a chance to relieve stress through works by the two artists who seek solaced in nature.ArtistHyunji Park, Ahyun Jeon 일자 2022. 07. 11. 월 ~ 08. 31. 수 장소 서정아트 부산 부산 해운대구 달맞이길 30 엘시티 제포디움동 3F   ⓒ서정아트
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7. 기타 “몰”이 별도로 정하는 절차 제 10조 (계약의 성립) ① “몰”은 제 9조와 같은 구매신청에 대하여 다음 각호에 해당하면 승낙하지 않을 수 있습니다. 다만, 미성년자와 계약을 체결하는 경우에는 법정대리인의 동의를 얻지 못하면 미성년자 본인 또는 법정대리인이 계약을 취소할 수 있다는 내용을 고지하여야 합니다.
1. 신청 내용에 허위, 기재누락, 오기가 있는 경우
2. 미성년자가 담배, 주류 등 청소년보호법에서 금지하는 재화 및 용역을 구매하는 경우
3. 상행위(재판매)를 목적으로 구매하는 거래이거나, 거래 정황상 상행위(재판매)를 목적으로 한 구매로 판단되는 경우
4. 기타 구매신청에 승낙하는 것이 “몰” 기술상 현저히 지장이 있다고 판단하는 경우
② “몰”의 승낙이 제12조 제1항의 수신확인통지형태로 이용자에게 도달한 시점에 계약이 성립한 것으로 봅니다.
③ “몰”의 승낙의 의사표시에는 이용자의 구매 신청에 대한 확인 및 판매가능 여부, 구매신청의 정정 취소 등에 관한 정보 등을 포함하여야 합니다. 제 11조 (지급방법) ① “몰”에서 구매한 재화 또는 용역에 대한 대금지급방법은 다음 각 호의 방법 중 가용한 방법으로 할 수 있습니다.
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7. “몰”과 계약을 맺었거나 “몰”이 인정한 상품권에 의한 결제
8. 기타 전자적 지급 방법에 의한 대금 지급 등
② “회사”는 이용자의 대금 지급에 법적, 기술적 문제가 발생하거나 “회사”가 예견하지 못한 장애(은행 통신망 장애 등)가 발생하는 경우 “회사”의 정책에 따라 이용자에게 결제 수단의 변경을 요청하거나 잠정 결제보류 내지 거부할 수 있습니다. 제12조 (수신확인통지, 구매신청 변경 및 취소) ① “몰”은 이용자의 구매신청이 있는 경우 이용자에게 수신확인통지를 합니다.
② 수신확인통지를 받은 이용자는 의사표시의 불일치 등이 있는 경우에는 수신확인통지를 받은 후 즉시 구매신청 변경 및 취소를 요청할 수 있고 “몰” 은 배송 전에 이용자의 요청이 있는 경우에는 지체 없이 그 요청에 따라 처리하여야 합니다. 다만 이미 대금을 지불한 경우에는 제15조의 청약철회 등에 관한 규정에 따릅니다. 제13조 (재화 등의 공급) ① “몰”은 이용자와 재화 등의 공급시기에 관하여 별도의 약정이 없는 이상, 이용자가 청약을 한 날부터 30일 이내에 재화 등을 배송할 수 있도록 주문제작, 포장 등 기타의 필요한 조치를 취합니다. 다만, “몰”이 이미 재화 등의 대금의 전부 또는 일부를 받은 경우에는 대금의 전부 또는 일부를 받은 날부터 3영업일 이내에 조치를 취합니다. 이때 “몰”은 이용자가 재화 등의 공급 절차 및 진행 사항을 확인할 수 있도록 적절한 조치를 합니다.
② “몰”은 이용자가 구매한 재화에 대해 배송수단, 수단별 배송비용 부담자, 수단별 배송기간 등을 명시합니다. 만약 “몰”이 약정 배송기간을 초과한 경우에는 그로 인한 이용자의 손해를 배상하여야 합니다. 다만 “몰”이 고의. 과실이 없음을 입증한 경우에는 그러하지 아니합니다. 제14조 (환급) “몰”은 이용자가 구매 신청한 재화 등이 품절 등의 사유로 인도 또는 제공을 할 수 없을 때에는 지체 없이 그 사유를 이용자에게 통지하고 사전에 재화 등의 대금을 받은 경우에는 대금을 받은 날부터 7영업일 이내에 환급하거나 환급에 필요한 조치를 취합니다. 제15조 (청약 철회 등) ① “몰”과 재화 등의 구매에 관한 계약을 체결한 이용자는 수신확인의 통지를 받은 날부터 7일 이내에는 청약의 철회를 할 수 있습니다.
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③ 이용자는 재화 등을 배송 받은 경우 다음 각 호의 1에 해당하는 경우에는 반품 및 교환을 할 수 없습니다.
1. 이용자에게 책임 있는 사유로 재화 등이 멸실 또는 훼손된 경우(다만, 재화 등의 내용을 확인하기 위하여 포장 등을 훼손한 경우에는 청약철회를 할 수 있습니다)
2. 이용자의 사용 또는 일부 소비에 의하여 재화 등의 가치가 현저히 감소한 경우
3. 시간의 경과에 의하여 재판매가 곤란할 정도로 재화 등의 가치가 현저히 감소한 경우
4. 같은 성능을 지닌 재화 등으로 복제가 가능한 경우 그 원본인 재화 등의 포장을 훼손한 경우
④ 제3항 제2호 내지 제4호의 경우에 “몰”이 사전에 청약철회 등이 제한되는 사실을 소비자가 쉽게 알 수 있는 곳에 명기하거나 시용상품을 제공하는 등의 조치를 하지 않았다면 이용자의 청약철회 등이 제한되지 않습니다.
⑤ 이용자는 제1항 및 제2항의 규정에 불구하고 재화 등의 내용이 표시, 광고 내용과 다르거나 계약내용과 다르게 이행된 때에는 당해 재화 등을 공급받은 날부터 30일 이내, 그 사실을 안 날 또는 알 수 있었던 날부터 30일 이내에 청약철회 등을 할 수 있습니다. 제16조 (청약 철회 등의 효과) ① “몰”은 이용자로부터 재화 등을 반환 받은 경우 7영업일 이내에 이미 지급받은 재화 등의 대금을 환급합니다. 이 경우 “몰”이 이용자에게 재화 등의 환급을 지연한 때에는 그 지연기간에 대하여 공정거래위원회가 정하여 고시하는 지연이자율을 곱하여 산정한 지연이자를 지급합니다.
② “몰”은 위 대금을 환급함에 있어서 이용자가 신용카드 또는 전자화폐 등의 결제수단으로 재화 등의 대금을 지급한 때에는 지체 없이 당해 결제수단을 제공한 사업자로 하여금 재화 등의 대금의 청구를 정지 또는 취소하도록 요청합니다.
③ 청약철회 등의 경우 공급받은 재화 등의 반환에 필요한 비용은 이용자가 부담합니다. “몰”은 이용자에게 청약철회 등을 이유로 위약금 또는 손해배상을 청구하지 않습니다. 다만 재화 등의 내용이 표시. 광고 내용과 다르거나 계약내용과 다르게 이행되어 청약철회 등을 하는 경우 재화 등의 반환에 필요한 비용은 “몰”이 부담합니다.
④ 이용자가 재화 등을 제공받을 때 발송비를 부담한 경우에 “몰”은 청약철회 시 그 비용을 누가 부담하는지를 이용자가 알기 쉽도록 명확하게 표시합니다. 제17조 (개인정보보호) ① “몰”은 이용자의 개인정보 수집 시 서비스 제공을 위해 필요한 최소한의 정보를 수집합니다. 다음 사항을 필수사항으로 하며 그 외 사항은 선택사항으로 합니다.
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2. 회원은 자신의 ID 및 비밀번호를 제3자에게 이용하게 해서는 안됩니다.
3. 회원이 자신의 ID 및 비밀번호를 도난 당하거나 제3자가 사용하고 있음을 인지한 경우에는 바로 “몰”에 통보하고 “몰”의 안내가 있는 경우에는 그에 따라야 합니다. 제20조(이용자의 의무) 이용자는 다음 행위를 하여서는 안됩니다.
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2. 타인의 정보 도용
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5. “몰” 기타 제3자의 저작권 등 지적재산권에 대한 침해
6. “몰” 기타 제3자의 명예를 손상시키거나 업무를 방해하는 행위
7. 외설 또는 폭력적인 메시지, 화상, 음성, 기타 공서양속에 반하는 정보를 몰에 공개 또는 게시하는 행위 제21조 (연결“몰”과 피연결 “몰” 간의 관계) ① 상위 “몰”과 하위 “몰”이 하이퍼링크(예: 하이퍼 링크의 대상에는 문자, 그림 및 동화상 등이 포함됨)방식 등으로 연결된 경우, 전자를 연결 “몰”(웹 사이트)이라고 하고 후자를 피연결 “몰”(웹사이트)이라고 합니다.
② 연결 “몰”은 피연결 “몰”이 독자적으로 제공하는 재화 등에 의하여 이용자와 행하는 거래에 대해서 보증책임을 지지 않는다는 뜻을 연결“몰”의 초기화면 또는 연결되는 시점의 팝업화면으로 명시한 경우에는 그 거래에 대한 보증책임을 지지 않습니다. 제22조(저작권의 귀속 및 이용제한) ① “몰“이 작성한 저작물에 대한 저작권 기타 지적재산권은 ”몰“에 귀속합니다.
② 이용자는 “몰”을 이용함으로써 얻은 정보 중 “몰”에게 지적재산권이 귀속된 정보를 “몰”의 사전 승낙 없이 복제, 송신, 출판, 배포, 방송 기타 방법에 의하여 영리목적으로 이용하거나 제3자에게 이용하게 하여서는 안됩니다.
③ “몰”은 약정에 따라 이용자에게 귀속된 저작권을 사용하는 경우 당해 이용자에게 통보하여야 합니다. 제23조(분쟁해결) ① “몰”은 이용자가 제기하는 정당한 의견이나 불만을 반영하고 그 피해를 보상처리하기 위하여 피해보상처리기구를 설치, 운영합니다.
② “몰”은 이용자로부터 제출되는 불만사항 및 의견은 우선적으로 그 사항을 처리합니다. 다만, 신속한 처리가 곤란한 경우에는 이용자에게 그 사유와 처리일정을 즉시 통보해 드립니다.
③ “몰”과 이용자 간에 발생한 전자상거래 분쟁과 관련하여 이용자의 피해구제신청이 있는 경우에는 공정거래위원회 또는 시, 도지사가 의뢰하는 분쟁조정기관의 조정에 따를 수 있습니다. 제24조(재판권 및 준거법) ① “몰”과 이용자 간에 발생한 전자상거래 분쟁에 관한 소송은 제소 당시의 이용자의 주소에 의하고, 주소가 없는 경우에는 거소를 관할하는 지방법원의 전속관할로 합니다. 다만, 제소 당시 이용자의 주소 또는 거소가 분명하지 않거나 외국 거주자의 경우에는 민사소송법상의 관할법원에 제기합니다.
② “몰”과 이용자 간에 제기된 전자상거래 소송에는 대한민국의 법령을 적용합니다. 제25조(정보의 제공 및 광고의 게재) ① “회사”는 “회원”이 “몰” 이용 중 필요하다고 인정되는 다양한 정보를 공지사항 또는 전자우편이나 서신우편, SMS, 전화, 모바일메신저 등의 방법으로 회원에게 제공할 수 있습니다. 다만, 회원은 관련법에 따른 거래관련정보 및 고객문의 등에 대한 답변 등을 제외하고는 언제든지 전화, 우편 등에 대해서 수신 거절을 할 수 있습니다.
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④ “회원”의 가입과 동시에 제25조 1,2항의 “회사”의 정보 제공에 대해 수신동의 한 것으로 간주합니다. 제 26조(기타조항) ① “몰”은 회원이 제기하는 정당한 의견이나 불만을 반영하고 그 문제를 해결하고 회원 상호 간의 분쟁을 조정하기 위하여 고객센터를 설치, 운영합니다. “몰”은 회원으로부터 제기되는 불만사항 및 의견이 정당하다고 판단되는 경우 이를 신속하게 처리하며, 즉시처리가 곤란한 경우에는 그 사유와 처리기간을 통보합니다.
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최종개정일: 2019년 11월 20일

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