서정아트프린팅

News

Lee Choun Hwan: Rooted Island, Saatchi Gallery
등록일
22-03-31 11:31
조회수
93
2cd4e15af62d18143ac18630bf2c4424_1648693664_7206.jpg
 
《Lee Choun Hwan: Rooted Island》는 작가 이춘환 본인이 정착한 한국의 땅, 자연의 기운에 대한 끝없는 탐구를 조망하고자 마련된 전시다. 전시명 ‘Rooted Island(뿌리내린 섬)’는 작가 작업의 근원으로 내면에 깊게 자리 잡은 섬을 의미한다. 여기서 ‘섬’은 작가의 고향 섬 완도를 의미하는 동시에 작가가 뿌리내린, 지리학적으로는 반도이지만 대륙으로 연결된 길이 막힌 섬, 한국을 의미하기도 한다. 

이춘환(1956~)은 한국의 작은 섬, 완도에서 태어나 수려한 자연경관과 함께 유년 시절을 보냈고 조부로부터 서예를 익힌 후 자연스럽게 작품 활동을 시작했다. 작가의 고향에 대한 애정은 자연에 대한 경애 그리고 나아가 한국적인 것에 대한 애착으로 이어졌다. 이번 전시는 수묵화가로서 20년간 정진하던 작가가 서양화 재료를 최초로 사용한 이후의 작품들을 다뤘다.

2000년대 초반 작품에서 보인 재료의 변경은 이에 따른 표현 방식의 변화로 이어졌다. 진경을 담아내던 수묵화 작품과 달리 색 면과 점, 선 등의 조형 요소들이 등장한 것이다. 이는 한편으로 눈에 보이는 것보다 더 근본적인 자연 요소들과 그 에너지에 대한 작가의 변화된 관심사의 반영이다. 이렇게 선보이게 된 <산의 기운> 연작을 위해 작가는 한국의 명산들을 무수히 올랐다. 그러던 중 무소유 정신을 설파한 승려이자 수필가인 법정을 만나 또 하나의 전환점을 맞이한다.

법정과의 만남을 통해 탄생한 <달항아리> 연작은 오방색 점으로 쌓아 올린 배경과 단순화한 주제의 대비를 통해 달항아리를 더 두드러지게 보이게 함으로써 '비움을 통해 채운다'는 무소유 정신을 잘 담아냈다. 이를 통해 비움의 미학에 감화된 작가는 유일한 구상 요소였던 주제마저 없애며 그의 작품은 완전한 추상으로 변모한다. 이 시기에 작가는 오방색 점으로 가득 찬 캔버스를 바라보며 다시 한번 본인의 뿌리에 대한 질문을 던진다. 그에 대한 답을 찾은 작품이 바로 고향의 달빛이 비치는 바다 물결을 담은 <빛+결>이다. 긴 여정 끝에 고향에서 근원을 찾은 작가는 자연의 미감을 표현한 <빛+결> 추상 연작을 그려내며 자연과 한국의 미에 대한 탐구를 이어오고 있다. 

이춘환의 연작들은 다양한 소재를 다루고 있지만 작품들의 이야기가 연결된다는 점에서 주목할만하다. 작가의 모든 연작을 선보이는 만큼 이번 전시를 통해 작품들의 상호작용을 느끼고, 이에 더해 본인의 근원에 대해 평생 연구하며 작품 세계를 확장해온 작가의 면모를 확인할 수 있는 기회가 되기를 기대한다.


Seojung Art is pleased to present Lee Choun Hwan’s solo exhibition Rooted Island. This exhibition illuminates the endless explorations of the energy of nature, the land of Korea where Lee himself settled. The exhibition title Lee Choun Hwan: Rooted Island refers to an island deeply embedded in the artist’s work. Here, 'island' refers to the artist's hometown, the 'island' of Wando, and simultaneously the Korean 'island', where the artist has taken root, a geographically peninsula with blocked connections to the continent.

Lee Choun Hwan (b.1956), who was born in a small Korean island, Wando, grew up with beautiful landscape. Lee started painting spontaneously after learning calligraphy in ink from his grandfather. The artist’s affection for his hometown led to the respect of the nature and Korea. This exhibition presents works by Lee, who had devoted himself to ink painting for more than 20 years, created with an application of the Western painting style for the first time. 

The transition of using materials showed in the early 2000s was connected to the change of his expression method. Unlike ink paintings which depicted real scenery, colour field surface, dot, and line appeared in Lee’s works. This was also the reflection of the change of Lee's interest from visible things to more fundamental natural elements and the energy they made. Lee climbed famous mountains in Korea numerous times, producing The Mood of the Mountain series. Meanwhile, Lee met Beopjeong, who was a novelist and monk known for the Musoyu (Non-Possession) spirit, and it marked a turning point in Lee’s career. 

Meeting Beopjeong became a motivation for Lee to create The Moon Jar series. This represents the Musoyu spirit, which means 'emptiness makes filling possible', by emphasising the contrast between the background filled with Obangsaek (the five Korean traditional colours) dots and the subject Lee simplified. Through The Moon Jar series, Lee was immersed in Musoyu, and ended up eliminating the subject which was the only figurative element, reaching complete abstractness. At this time, Lee asked himself the question about his origin once again, staring at the canvas full of Obangsaek dots. The Light+Grain series, which describes the moonlit sea of his hometown, is the answer to this question. Finding the origin in his hometown, Lee Choun Hwan has explored the Korean beauty and the nature, working with his abstract painting, the Light+Grain series, which portraits a sense of the beauty of nature. 

Even though Lee has covered several materials, it is noteworthy that his series are all linked to each other. Since the exhibition shows all the series of the artist, it provides an opportunity to feel the interactions between works, and Lee’s life-long endeavours to find his root and to broaden the artistic world. 

일자  
2022. 03. 31. 목 ~ 04. 04. 월 

장소 
Saatchi Gallery,
Duke of York´s HQ, King´s Road, Chelsea, London, SW3 4RY, United Kingdom (Gallery 4)


be26f6298034362c9aaa2197a682b033_1653449256_9999.jpg

be26f6298034362c9aaa2197a682b033_1653449262_3874.jpg

be26f6298034362c9aaa2197a682b033_1653449283_3089.jpg

be26f6298034362c9aaa2197a682b033_1653449289_8565.jpg

be26f6298034362c9aaa2197a682b033_1653449300_1123.jpg

be26f6298034362c9aaa2197a682b033_1653449306_9171.jpg

be26f6298034362c9aaa2197a682b033_1653449313_6476.jpg

be26f6298034362c9aaa2197a682b033_1653449333_4148.jpg

Photos by Lucy Emms
모든 이미지는 무단 도용 및 재배포·복제를 금지합니다. 
 
0

최근본작품

<1/0>