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Lee Choun Hwan   이춘환

1956 ~

붓끝으로 자연의 소리를 그리다

1956년 전라남도 완도에서 태어난 이춘환은 건국대학교 교육대학원을 졸업하였다. 경찰인재개발원 외래교수와 육군본부 초빙교수로 활동한 그는 교육 이외에도 예술계에서 꾸...<상세보기>

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Lee Ufan   이우환

1936 ~

한국 단색화를 대표하는 현대미술의 거장

일본의 미술 운동인 모노파(物派)를 주도한 현대미술의 거장이다. 1936년 경남 함안에서 태어난 이우환은 학창시절부터 신춘문예에 당선되는 등 예술 분야에서 두각을 나...<상세보기>

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Oh Chi Gyun   오치균

1956 ~

붓이 아닌 손가락 하나로, 묻지 않고 다만 그린다

오치균 작가는 붓이 아닌 손을 이용해 그림을 그리는 ‘지두화’로 유명한 작가이다. 손가락을 사용해 그림을 그리기 때문에 물감 층이 두껍고 질감이 강한 표현성이 특징이...<상세보기>

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Yun Hyong-keun   윤형근

1928 ~ 2007

올곧은 선비정신으로 사회적 참여의 목소리를 낸 단색화 거장

한국의 대표 단색화 작가인 윤형근은 검은 먹빛의 군더더기 없는 단순함으로 전통 서화와 수묵화에서 느끼는 멋을 자신만의 작품 세계에 담아낸 인물이다. ...<상세보기>

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Lee Kun-Yong   이건용

1942 ~

붓이 아닌 몸으로 전달하는 특별한 예술 세계

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Yoshitomo Nara   요시토모 나라

1959 ~

현대인의 감정을 담아내는 일본의 대표 네오 팝 아티스트

요시토모 나라는 일본 네오 팝(Neo Pop) 세대의 대표 작가로 저항과 반항에서부터 조용한 사색에 이르기까지 다양한 감정적 복잡성을 다양한 표정의 아이들과 귀여운 ...<상세보기>

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Ayako Rokkaku   아야코 로카쿠

1982 ~

어린 소녀와 몽환적인 풍경이 만들어내는 꿈의 세계

아야코 로카쿠는 맨손으로 페인팅 작업을 하는 퍼포먼스로 자신만의 독창적인 작품세계를 선보이며 현재 유망한 현대미술가 중 한 명으로 전 세계 미술계의 이목을 받고 있다...<상세보기>

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Anish Kapoor   아니쉬 카푸어

1954 ~

명상을 통해 숭고한 조각을 만드는 아티스트

세계적으로 유명한 영국의 조각가 아니쉬 카푸어는 인도 봄베이 태생으로, 1972년에 미술 공부를 하기 위해 영국으로 건너갔다. 그는 혼지 미술 대학과 첼시 미술, 디자인대학을 다닌 후 울버햄프턴 폴리테크닉에서 ...<상세보기>

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Andy Warhol   앤디 워홀

1928 ~ 1987

대중문화와 자본주의를 재료로 한 팝아트의 대가

앤디 워홀은 전통적인 미술의 개념과 일상생활을 통합하는 대중미술의 파생물인 팝 아트(Pop art)를 대표하는 거장이자 20세기 가장 영향력 있는 미술가이다. 그는 ...<상세보기>

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Alex Katz   알렉스 카츠

1927 ~

가장 뉴욕적인 화가이자 현대 초상회화의 거장

뉴욕 브루클린에서 태어난 카츠는 1950년대 이래 인물 초상을 주로 그리며 가장 뉴욕적인 화가로 자리매김했다. 알렉스 카츠는 단순하고 과감한 화면 구성과 대담한 채색...<상세보기>

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Lee Choun Hwan 이춘환 1956 ~

  • Artist Statement

    1956년 전라남도 완도에서 태어난 이춘환은 건국대학교 교육대학원을 졸업하였다. 경찰인재개발원 외래교수와 육군본부 초빙교수로 활동한 그는 교육 이외에도 예술계에서 꾸준한 활동을 전개하며 한국 화가로서 개인전 14회 및 단체전 300여 회에 참여했다. 한국 미술대전 대상, 대한민국미술대전 입선과 특선 5회, 신미술창작전 대상 등을 수상해 국내에서 입지를 다졌으며, 일본 자주현전에서 특선 및 문화교류상(요코하마미술관)을 받아 한국화의 아름다움을 국제적으로 널리 알린 바 있다. 현재 경찰인재개발원과 육군본부에서 초빙교수를 겸임하며 작업을 이어가는 그는 2013년 대한민국 미술대전 초대작가로 선정된 이래 2018년 제37회 대한민국미술대전 구상부문 한국화 운영위원장으로 선출되었다. (사)한국미술협회 이사와 국회 문화체육관광 위원장(2016)을 역임하며 2019년부터 제9회, 제10회 호국미술대전 운영위원으로서 활동한 바 있다.


    이춘환은 문인화와 수묵화를 주로 작업하며 한국 화가로서 미술 활동을 시작해 반구상과 추상화 시리즈를 전개하였다. 조부의 영향으로 어린 시절부터 한문과 서예를 익혔던 그는 자연스럽게 가장 한국적인 미를 대표할 수 있는 소재를 찾아 작업했다. 초기에는 수묵과 채색의 기법으로 구상미술의 근본에 충실했던 그의 작업은 중반기부터 서양화의 재료와 기법을 활용해 이를 한국화에 접목하는 실험정신을 발휘하면서 변화한다. 특히 그의 대표작 중 <빛+결> 시리즈에서 보이는 여러 겹의 물감층은 마띠에르(matière)를 형성하며 매체의 변화를 확연히 드러내는 동시에 완결된 추상성을 보여주는 장치다. 


    이춘환의 추상화는 여러 색상이 하나의 화면에 모여 규칙적인 형태로 나타나 일종의 통일성을 부여한다. 화려한 색채를 사용하지 않은 밑바탕은 평면의 캔버스가 입체적으로 변모해 깊이감을 나타내기 전까지는 무채색에 가까운데, 작업의 시작 과정에서 구획을 나누고 물감을 쌓는 반복적인 행위는 완성에 이르기 위한 과정 속에서 보여줄 수 있는 ‘절제’인 셈이다. 이로써 한 층씩 쌓은 작업의 표면에 색을 입혀 균형과 조화를 이루게 하는 작업 방식은 자연의 구체적 형상을 담아내기보다 자연을 닮은 모습을 ‘발견’하게 하려는 작가의 의도와 세계관이 담긴 결과물로 나타난다. 이는 자연의 순환과 음양의 이치를 담아내기 위한 장치로서 작가가 매료된 동양철학과 맞닿아 있다. 


    추상화 작업에 정착하면서도 그는 꾸준히 한국적 소재를 탐구하는 여정을 멈추지 않는다. <달항아리: 텅 빈 충만> 시리즈에서의 ‘달항아리’는 한국적인 미의 상징인 눈처럼 흰 빛깔과 청렴함의 결합체다. 무심한 달처럼 공중에 떠 있는 형태의 달항아리는 현란한 색채의 오방색 배경과 대비되어 소박함이 강조되는데, 이는 그가 지향하는 선비정신과 닮아있다. 비어 있으나 비어있지 않고, 가득 차 있으나 차 있지 않은 달항아리는 ‘검이불루 화이불치(검소하지만 누추하지 않고 화려하지만 사치스럽지 않다)’라는 옛 고사성어를 연상하게 하는 조선의 전통 백자로서 동양 철학을 담아내는 역할을 한다. 동양적 미감과 현대적인 조형성을 결합한 <황금 월매> 또한 달항아리를 중심으로 한 구상 작업이다. 변하지 않는 성질과 희소가치로 인해 신성함과 위엄, 고귀함, 권력, 부의 상징으로 여겨지는 금을 작품의 재료로 사용함으로써 작가는 작품 속 모티프인 매화가 지닌 성공과 성취의 의미를 더 발하게 한다. 한국적 소재의 가치 탐구는 작가가 직접 경험하고 느끼는 것으로부터 시작되기도 하는데, 이는 계룡산, 북한산, 설악산, 월출산 등 각지의 산을 오르며 얻은 에너지를 되새기며 자신만의 색채와 형태로 변형하는 <산의 기운> 시리즈로 나타난다. 2005년 고향에서의 산을 그리기 시작해 지금까지도 이어가며 고향을 향한 그리움을 표현한다. 세부적인 묘사에 집중하기보다 축약된 장치로 단순화한 그의 작업들에는 “전부 채워내고 나서야 비로소 비울 수 있다”는 동양 철학적 사고를 접목한 그 만의 작품 세계가 담겼다. 


    이춘환이 지칭하듯 그의 작품 세계를 형성한 근원은 섬에서 태어나 지금까지 떠나지 않고 각인된 바다의 이미지, 즉 자연이다. 그는 완도 섬마을의 풍경이 자연을 작업에 꾸준히 담아낼 수 있는 동력이 되었으며, 이는 단순한 외형 묘사에 그치지 않고 동양 철학과 연결되는 자연의 진리와 이치에 뿌리를 두게 했다고 이야기한다. 

    “그윽하고 깊은 신비의 이치를 존재와 비존재로 표상하고, 채우고 비워내는 것을 반복하는 연속성 속에 인고의 시간을 지나 응축된 흔적들을 담았다. 마침내 달빛에 눈을 멀게 하던 ‘결’의 눈부심은, 소리와 내면으로 만나게 되어 포옹의 존재(玄之又玄현지우현)를 드러낸다.”         
    -서정 이춘환 작업 노트 中


    약 40여 년 동안 이어진 그의 작업은 국·내외 기관에서 개인전 16회, 단체전 400회를 개최하면서 대중들에게 선보인다. 작가의 40년 미술 활동을 기념하는 전시로 2017년 서정아트센터 윤당아트홀 ‘이춘환 화업 40년’ 전이 열렸으며, 이후에도 2019년 LA Art Show, Affordable Art Fair HK, Asia Contemporary Art Show 등 미국과 홍콩 등 국제적인 아트페어에 참가했다. 그리고 중국 메이저 경매인 베이징 폴리옥션 춘계경매 2019에서 좋은 결과를 기록해 이름을 알리기 시작했으며, 그의 작품은 현재 국립전사 박물관과 육군본부 참모총장실 등에 소장되어있다. 

  • Professional Experiences

    개인전 
    2021  BUKHANSAN, Chelsea, 뉴욕, 미국
    　　　Meeting Sounds from the Inner Side, MIZUMA & Kips, 뉴욕, 미국
    　　　The Sound of Nature, 서정아트센터, 서울
    2020  이춘환 초대전, 레지나갤러리, 서울
    2019  강을 건너다展(빛+결), 슈페리어갤러리, 서울
    2018  서정 이춘환 초대 개인展, 레지나갤러리, 서울
    2018  서정 이춘환 초대 개인展, 레지나갤러리, 서울
    2017  서정 이춘환 화업 40년展, 서정아트센터, 서울
    2015  서정 이춘환 개인전, 윤당아트홀, 서울
    2014  서정 이춘환 개인전, 윤당아트홀, 서울
    2007  자연의 숨결展, 갤러리라메르, 서울
    2005  자연의 소리, 정.중.동展, 하나로갤러리, 서울
    2002  청해기행展, 조흥갤러리, 서울
    1999  자연의 소리展, 동덕아트갤러리, 서울
    1998  그리운 산하展, 웅전갤러리, 서울
    1993  서정 이춘환展, 경인미술관, 서울1992 도예-한국화 작품전, 올림픽국민생활관, 안산
    1988  이춘환 작품展, 신미술관, 서울

    아트페어 
    2021  부산디자인위크(Busan Design week)
    　　　서울리빙디자인페어
    　　　조형아트서울(PLAS - CONTEMPORARY ART SHOW)
    　　　부산국제화랑아트페어(BAMA-Busan Annual Market of Art)
    2020  아트부산 & 디자인(Art Busan & Design)
    　　　부산국제화랑아트페어(BAMA-Busan Annual Market of Art)
    　　　대구아트페어(Daegu Art Fair)
    2019  조형아트서울(PLAS - CONTEMPORARY ART SHOW)
    　　　아트부산(Art Busan)
    　　　아시아 컨템포러리 아트쇼 홍콩(Asia Contemporary Art Show HongKong)
    　　　어포더블 아트페어 홍콩(Affordable Art Fair HongKong)
    　　　LA 아트쇼(Los Angeles Art Show)
    　　　아시아 호텔 아트페어 부산(Asia Hotel Art Fair Busan)
    2018  아시아 컨템포러리 아트쇼(Asia Contemporary Art Show)
    　　　휴스턴 파인 아트페어(Houston Fine Art Fair)
    　　　어포더블 아트페어 홍콩(Affordable Art Fair HongKong)
    　　　조형아트서울(PLAS - CONTEMPORARY ART SHOW)
    　　　아시아 호텔 아트페어 서울(Asia Hotel Art Fair Seoul)
    　　　대한민국 미술축전 KAFA 국제아트페어 

    　　　CRAFT TREND FAIR 
    2017  UKYA 한 · 영 청년 아티스트 교류 展
    2013  아트경주(Art Gyeongju
    　　　휴스턴 파인 아트페어(Houston Fine Art Fair
    　　　한국국제아트페어 서울(Korea International Art Fair Seoul

    협찬 
    MOVIE
    공작 THE SPY GONE NORTH, 2018 - 이춘환 <황금월매>
    DRAMA
    MBC 시네마틱드라마 SF8 블링크 - 이춘환 <빛+결>
    KBS 저스티스 - 이춘환 <빛+결>
    MBC 봄밤 - 이춘환 <달항아리-텅 빈 충만>, <산의 기운> 
    JTBC 바람이 분다 - 이춘환 <바람 부는 날>
    JTBC 스카이캐슬 - <달항아리-텅 빈 충만>, <산의 기운>
    MBC 투깝스 - 이춘환 <달항아리-텅 빈 충만>, <산의 기운>
    MBC 킬미힐미 - 이춘환 <산의 기운>
    DRAMAX 1%의 어떤 것 - 서정아트센터 장소 협찬 및 이춘환 <달항아리-텅 빈 충만>, <산의 기운>

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  • Education

    폴리옥션 춘계경매 2019, 한국인작가 최초 경매 

    현재
    경찰인재개발원 외래교수
    육군본부 초빙교수

    경력
    2018~2020 제8회~10회 대한민국 호국미술대전 운영위원
    2019 강남 미술대전 심사위원장
    2018 제37회 대한민국미술대전 구상부문
    2016 국회 문화체육관광 위원장
    2013 제23대 사단법인 한국미술협회 운영이사 
    2013 대한민국미술대전 초대작가
    2012 제31회 대한민국미술대전 구상 1차 심사위원
    2010 제22대 한국미술협회 이사 
    2009 제4회 대한민국 강릉단오서화대전 심사위원 
    2005 제41회 전라남도미술대전 심사위원 
    2004 제23회 대한민국미술대전 비구상부문 심사위원장

    학력
    건국대학교 교육대학원 졸업

  • Award

    2016 제4회 “2016대한민국창조문화예술대상” 대상
    2001 제20회 대한민국 미술대전 (문인화부문, 1부:비구상계열) 입선
    2001 제20회 대한민국미술대전 (2부:구상계열) 특선
    1994 제13회 대한민국 미술대전 (2부:구상계열) 입선
    1991 제3회 대한민국 서예대전 입선
    1989 제1회 대한민국 서예대전 입선
    1985 제21회 전라남도 미술대전 입선

큐레이터 노트

#빛+결
이춘환 화백의 '빛+결' 시리즈는 물결 위에 비친 빛을 형상화한 작업으로, 1989년 한지 위에 수묵으로 시작했다. 서양화의 재료와 기법을 한국화에 접목시키는 작업을 실험하던 이 화백의 작업 방식에 의해 '빛+결'의 색감과 질감 표현에는 많은 변화가 있었다.
'빛+결'은 물감을 여러 층으로 겹겹이 쌓아 표현된 마띠에르(matièr)가 특징이다. 캔버스 위에 올린 다양한 색이 빛의 파장과 시점에 따라 달리 보이는 본 작업은 각기 다른 색상들이 서로 충돌하지 않고 통일감과 규칙성을 만들어낸다는 점에서 동양 철학의 중용 정신과 맞닿아있다. 한쪽으로 치우치지 않고 균형을 이루는 작품 속 작은 움직임들은 동양철학에 매료된 이 화백이 자연의 순환과 음양의 이치를 담아내기 위한 장치인 것이다. 구체적인 모티프가 없는 색면추상작품으로서 '빛+결' 시리즈는 이처럼 색상의 대비 속에서 자연의 모습을 발견하게 하고, 유려한 선들이 모인 레이어에서 자연의 소리를 듣게 한다.

#황금월매
'황금월매'는 동양적 미감과 현대적인 조형성을 결합해 절제된 아름다움과 기품을 담아낸 작품이다. 한국적 미의 상징인 달항아리와 그 곁을 장식한 매화와 나비의 조화는 이 화백이 평소 관심을 가졌던 한국적 소재를 향한 애정 어린 시선을 보여준다. 달항아리 옆에 가지를 뻗은 매화는 사군자 중에서 유일하게 열매를 맺는 꽃으로 성공과 성취를 의미한다.
작품은 실제 24K금으로 제작되어 고귀하고 우아한 느낌을 담아낸다. 역사적으로 ‘금’은 변하지 않는 성질과 희소 가치로 인해 신성함, 위엄, 고귀함, 권력, 부의 상징으로 여겨졌다. 오랜 시간이 지나도 변하지 않는 황금빛으로 표현된 는 작품 속 모티프가 지닌 의미와 가치를 더 발하게 한다.

#달항아리-텅 빈 충만
'달항아리' 시리즈는 조선의 전통 백자인 달항아리를 모티프로 한 작품이다. 비어있으나 비어있지 않고, 가득 차 있으나 차 있지 않은 달항아리에는 공(空)과 기(氣)가 담겨 ‘텅 빈 충만’이라는 부제를 안고 간다. 단순하고 소박한 매력의 달항아리는 이 화백이 법정 스님을 만나 욕심 없고 청정한 인격에 감명했던 기억을 더듬어 찾은 소재다. 달처럼 공중에 둥실 떠 있는 모습으로 나타난 달항아리의 흰 빛깔은 청렴을 지향하고, 형언하기 힘든 부정형의 원은 무심함을 보여준다.
이 같은 특징은 배경에 등장하는 ‘빛+결’의 원형과 대비되어 도드라지는데, 이 화백은 ‘주’보다 ‘부’의 화려함에 집중함으로써 단순하고 소박한 달항아리의 특징적 면모를 부각했다. 배경에는 장 한국적인 색감을 담아내기 위해 밑 작업으로 오방색을 찍은 뒤 하나하나 선으로 지워나가는 배채법을 활용해 모시 옷감을 연상하게 하는 질감을 완성하였다.

#산의 기운
'산의 기운'은 계룡산, 북한산, 설악산, 월출산 등 산의 모습을 조형적으로 함축해 색과 구도를 단순화한 작업이다. 이 화백은 새벽녘에 산에 오르면서 얻은 에너지를 되새기며 산의 형태와 색채를 자신만의 시각으로 변형해 특유의 개성을 담아낸다. 초기 작업인 수묵화 시기부터 서양화 재료를 혼합한 현재의 작업까지 이어온 '산의 기운' 시리즈는 색과 형태의 단순화 과정을 통해 오히려 산세의 웅장함을 드러낸다. “전부 채워내고 나서야 비로소 비울 수 있다”는 동양 철학적 사고를 접목한 이 화백은 완성에 이르는 과정들을 하나씩 비워내는 작업을 한다. 대자연을 품에 안은 삼라만상의 존재가치를 생동감 있게 담아낸 '산의 기운' 시리즈는 마치 산의 현장에서 그 모습을 관조하듯, 자연과의 교감을 이끌어낸다.

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Lee Ufan 이우환 1936 ~

  • Artist Statement

    일본의 미술 운동인 모노파(物派)를 주도한 현대미술의 거장이다. 1936년 경남 함안에서 태어난 이우환은 학창시절부터 신춘문예에 당선되는 등 예술 분야에서 두각을 나타냈다. 서울대학교 회화과를 중퇴하고 일본으로 건너가 니혼대학교에서 철학을 공부하며 사물과 세계의 관계에 대해 연구하기 시작했고, 이후 일본의 미술 운동인 모노파를 주도하며 활발한 작품 활동을 했다. 
     

    이우환의 대표적인 작품에는 붓에 물감을 묻혀 물감이 없어질 때까지 계속 점과 선을 그린 작품인 <점으로부터>(1976)와 <선으로부터>(1974)가 있는데, 작가는 이 작품을 통해 존재의 탄생과 소멸의 과정을 표현하고자 했다. 이후에도 <동풍>, <관계항>, <조응>, <상응> 등을 발표하며 작품 활동을 이어갔다.
     

    미국 뉴욕 구겐하임 미술관과 프랑스 파리 베르사유 궁전에서 전시를 열며 세계적으로 활동한 이 작가는 2000년 유네스코 미술상, 2007년 레지옹 도뇌르 훈장, 2013년 금관문화훈장 등을 받았다.
     

    * 참고자료 : [네이버 지식백과] 이우환 (시사상식사전, pmg 지식엔진연구소)


    * 사진출처 : LEE UFAN sitting on Relatum – Expansion Place (2008), at Pace Wildenstein, New York, 2008

  • Professional Experiences

    2019

    <Inhabiting Time>, 퐁피두 메츠 센터, 메츠, 프랑스

    <Lee Ufan>, 디아 비컨, 비컨, 뉴욕, 미국


    2018 

    <Relatum – Stage>, 서펜타인 새클러 갤러리, 런던, 영국

    <From Point, From Line, From Wind>, 페이스 갤러리, 뉴욕, 미국


    2017 

    <Lee Ufan Chez Le Corbusier>, 라 투레트 수도원, 에브, 론알프, 프랑스

    <이우환>, 자당 프랑수아 프르미에(Jardin François Premier), 투르, 프랑스

    <전조>, 올리비에 드브레 현대창작센터, 투르, 프랑스

    <세라믹>, 페이스 갤러리, 뉴욕, 미국

    <하정웅미술관 개관기념 하정웅컬렉션특별기획전>, 광주시립미술관, 광주


    2016

    <Les Fragments et la Fenêtre>, 갤러리 드 세브르, 시테 드 라 세라믹(국립 세라믹 박물관), 파리, 프랑스

    카멜 메누어 갤러리, 파리, 프랑스

    샤토 라코스트, 르퓌생트레파라드, 프랑스

    <Sculpture in the Courtyard: Lee Ufan - The Cane of Titan>, 에르미타주 미술관, 상트페테르부르크, 러시아


    2015

    <New Works>, 페이스 갤러리, 홍콩

    리손갤러리, 런던, 영국


    2014

    <Lee Ufan: One Man Show>, 게리 타틴시안 갤러리, 모스크바, 러시아

    카이카이 키키 갤러리, 도쿄, 일본

    <Lee Ufan Versailles>, 베르사유 궁전, 파리, 프랑스


    2013

    카멜 메누어 갤러리, 파리, 프랑스

    <Lee Ufan: Tension Précaire>, 라 샤펠 생-로랑-르-카피톨, 아를, 프랑스


    2012

    <이우환: 예술의 공허함>, 아시아 소사이어티 텍사스 센터, 휴스턴, 미국


    2011

    <Dialogue>, 갤러리현대, 서울

    <Marking Infinity>, 구겐하임미술관, 뉴욕, 미국

    스카이 더배스하우스, 도쿄, 일본

    쉬래쉬 컨템포러리 아트, 도쿄, 일본


    2010

    <이우환: 공명>, 갤러리아 엘비라 곤잘레즈, 마드리드, 스페인

    블럼앤포, 로스앤젤레스, 미국


    2009

    국제갤러리, 서울

    갤러리 테디우스 로팍, 파리, 프랑스


    2008

    벨기에 왕립 미술관, 브뤼셀, 벨기에

    <이우환: 대화>, 달렘 미술관, 베를린, 독일

    페이스갤러리, 뉴욕, 미국


  • Education

    서울대학교 미술대학 입학, 3개월 후 도일(渡日)
    일본 니혼대학 (Nihon University / 日本大學) 문학부 철학과 졸업

  • Award

    2013 금관문화훈장

    2007 레지옹 도뇌르 훈장

    2001 제13회 일본미술협회 세계문화상

    2001 제11회 호암상 예술상

    2000 유네스코 미술상

    1979 제1회 헨리무어 대상전 최우수상

    1977 제13회 현대일본미술전 동경국립근대미술관상

    1969 국제청년미술가전 일본문화포럼상

큐레이터 노트

한국의 단색화 대표 화가인 이우환은 서구 중심의 현대 미술계에서 동양 철학을 바탕으로 본인의 작품 세계를 전개해 주목받고 있다. 이우환은 회화, 설치 등 다양한 작업 방식을 실험하고 있지만, 그의 모든 작품 세계를 관통하는 키워드는 ‘관계’와 ‘공존’이라고 할 수 있다.

이우환의 회화 중 대표적인 시리즈인 와 는 1973년 9월 도쿄화랑에서 열린 그의 개인전에서 시작되었다. 아교로 녹인 안료를 붓에 먹인 후 그것이 닳아 없어질 때까지 캔버스 혹은 종이에 점, 또는 선을 그리는 방식이다. 일명 ‘일필휘지(一筆揮之)’ 라고도 부를 수 있는 그의 작업은 붓과 물감을 통해 존재의 탄생과 소멸을 한 화폭에 담아낸다.

이우환의 표현방식은 기존 서양 현대미술작품들과 유사하지만, 작품을 통한 이우환의 메시지는 동양적 미의식에 근거하고 있다는 것을 알 수 있다. 이우환의 점들은 작가의 행위를 통해 매번 새롭게 생성되는 것이며 고유하다. 작가의 반복된 행위의 흔적들이 한 화면에 제시되는 것이다. 점과 선을 그리다가 물감이 소진되는 자리에는 캔버스 화면이 작품의 일부로 편입되게 된다. 작가, 물감, 캔버스가 상호 공존하는 관계에서 한국의 전통 윤리관 또한 엿볼 수 있는 것이다.

여백과 절제미가 드러나는 이우환의 작품들은 자칫 단순해 보일 수 있으나, 명확한 이론적 토대와 철학적 맥락 속에서 고민을 거친 작품들이다. 이우환은 본인과 사물, 세계와의 관계 그리고 공존에 대해 끊임없이 고찰하며 무한한 시공간의 개념을 작품 안에 담고자 했다. 아무것도 없는 빈 캔버스에서 세계와의 연결고리를 만드는 것, 결국 이우환의 궁극적인 탐구 주제는 ‘무한’인 것이다.

참고문헌 : 남수진, 「공존의 미의식: 이우환의 작품세계」, 『동양예술 제 28호』
김태율, 「이우환의 작품세계에 관한 연구 -작품 ‘관계항’을 중심으로-」, 강원대학교 대학원 미술학과 석사논문

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Oh Chi Gyun 오치균 1956 ~

  • Artist Statement

    오치균 작가는 붓이 아닌 손을 이용해 그림을 그리는 ‘지두화’로 유명한 작가이다. 손가락을 사용해 그림을 그리기 때문에 물감 층이 두껍고 질감이 강한 표현성이 특징이며, 이는 내면적인 울림을 동반한다.


    오치균은 가난한 농가의 10남매 중 일곱째로 태어났다. 그는 어린 시절, 가을이면 감을 따야 했으며 어머니는 이 감들을 새벽 첫차에 싣고 나가 시장에 내다 팔았다. 그의 작품에서 가장 중요한 소재인 ‘감’은 이렇게 지긋지긋한 가난의 상징이자 애틋한 추억이기도 하다.  


    1980년대 후반, 그는 서울대 미술대학 회화과를 졸업하고 뉴욕의 브루클린 대학으로 향한다. 옷 가게, 세탁소 등 거친 일과 작업을 병행하며 꿈을 키운 작가는 한국으로 돌아와 금호미술관에서 초대전을 열고, 이 전시는 미술계에서 큰 호응을 얻게 된다. 


    초기에 인체를 대상으로 작업하던 오치균은 그 대상을 점차 풍경으로 전환한다. 뉴욕, 서울, 봄과 겨울 풍경 등 일상의 단면을 포착하며 미국과 한국에서 작업을 하던 오치균은 1995년 돌연 뉴멕시코 주 산타페로 이주했다. 작가는 사막과 협곡의 대자연이 그대로 남아 있는 산타페의 풍경을 묘사했다. 이후 2000년대부터는 눈 쌓인 사북의 겨울 풍경을 묘사하기도 했다. 


    이후 2006년부터 작품 가격이 천정부지로 오르며, 산타페와 뉴욕 풍경화, 감 그림은 미술품 컬렉터들에게 큰 사랑을 받았다. 경매를 비롯한 미술 시장에서 항상 뜨거운 주목을 받는 일명 ‘블루칩 작가’ 오치균은 현재도 활발하게 작업 중이다. 



    “나는 붓이 싫다. 붓은 정교하게 구획하기 때문이다. 내 그림은 몸으로 비벼낸 자취이다.”



    참고자료 : 케이옥션 브런치, 한국경제, 국립현대미술관
    사진출처 : [Art In Culture 2016년 4월호] ARTIST_오치균(Oh Chi Gyun) 

  • Professional Experiences

    2017

    오치균은 묻지않고 다만 그린다, 서울미술관, 서울
     

    2013

    갤러리현대, 서울

    도시갤러리, 부산

    Art Stage Singapore, 싱가포르

    TEFAF, 네덜란드
     

    2012

    서울옥션, 홍콩


    2011

    갤러리현대, 서울

    Mizuma gallery, 도쿄

    박수근 미술관, 양구


    2009

    갤러리현대, 서울


    2008

    도시갤러리, 부산

    갤러리현대, 서울

    첼시 아트 뮤지엄, 뉴욕


    2007

    갤러리현대, 서울

    갤러리 H, 서울


    2006

    갤러리 아트링크, 서울

    도시갤러리, 부산


    2005

    도시갤러리, 부산


    2003

    갤러리 아트링크, 서울

    신세계갤러리, 광주

    맥향화랑, 대구


    2002

    인사아트센터, 서울


    1998

    신세계갤러리, 인천

    신세계갤러리, 광주

    맥향화랑, 대구

    공간화랑, 부산


    1997

    가나화랑, 서울

    Art Basel, 스위스


    1996

    Marisa del Re Gallery, 뉴욕


    1995

    공간화랑, 부산

    가나화랑, 서울


    1994

    Marisa del Re Gallery, 뉴욕


    1993

    FIAC, 파리


    1992

    가나화랑, 서울

    The Gallery Three Zero, 뉴욕


    1991

    이인화랑, 서울

    금호미술관, 서울


    1990

    BACA Downtown, 뉴욕

    C & A Gallery, 뉴욕


    1988

    Brooklyn College Gallery, 뉴욕

    Pindar Gallery, 뉴욕


    1987

    Pindar Gallery, 뉴욕


    1985

    백악미술관, 서울

  • Education

    1980 서울대학교 미술대학 회화과 졸업

    1988 미국 브루클린 대학 대학원 졸업

큐레이터 노트

오치균은 일상생활에서 소재를 찾는 작가이다. 그가 즐겨 그리는 소재는 감, 그리고 그림을 그릴 당시 살고 있는 도시의 풍경, 남대문과 독립문 같은 역사적인 기념물들이다. 엄청나게 대단한 절경이나 희귀한 소재가 아니어도 그는 애정 어린 시선으로 항상 주위를 둘러본다.

오치균의 그림을 논할 때, 작품의 질감을 빼놓고 이야기할 수 없다. 널리 알려진 사실이지만, 그는 그림을 그릴 때 본인의 손가락을 도구로 사용한다. 일명 ‘지두화’, 손가락으로 그린 그림이라는 뜻이다. 그는 아크릴 물감을 성형 제소와 반죽하여 사용하는데, 이런 과정을 통해 그만의 독특한 마티에르(matière)를 구축할 수 있었다. 관람객은 이런 독특한 마티에르로부터 육중한 무게감과 함께 그림을 그리는 행위에서의 즐거움을 읽어낼 수 있다. 따라서 그의 작품은 시각적일 뿐 아니라 촉각적이다.

오치균은 현실을 정확하게 투사해 내는 것에 관심이 없다. 그의 작업 과정에서 그의 몸, 특히 손가락은 도구로서 기능하고, 맨손으로 그림을 그리는 그 기법은 거친 질감과 함께 의도적으로 사물의 표면을 파괴한다. 오치균은 그림에서 보이는 지나친 정확도는 관객의 상상력에 치명적이라고 믿는다. 작가는 현실을 재현해 내는 것이 아니라, 관객에게 상상의 실마리만 제공할 뿐이다. 흐릿한 표면 위에서 관객들을 자신이 겪었던 경험을 덧칠해 자신만의 이미지를 완성해 나가는 것이다.

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Yun Hyong-keun 윤형근 1928 ~ 2007

  • Artist Statement

    한국의 대표 단색화 작가인 윤형근은 검은 먹빛의 군더더기 없는 단순함으로 전통 서화와 수묵화에서 느끼는 멋을 자신만의 작품 세계에 담아낸 인물이다. 
     

    1928년 충북 청주 출생인 그는 6남 2녀의 차남으로 태어났다. 20세기 초 개화기에 덕망 있는 선비 집안에서 태어난 그는 경성의전 출신의 조부 윤태현과 경성고보 출신의 문인 화가였던 아버지 윤용한의 영향을 받아 정신적으로 충만한 유년기를 보냈다. 
     

    올곧은 ‘선비정신’을 교육받은 윤형근은 역사의식이 깊고 사회적인 문제에 관심이 많았다. 예술가 이전에 불의를 참지 못하는 의인이었다. 일제강점기와 한국전쟁 등 역사적 혼란의 시기에 청년기를 보낸 그는 1947년 서울대학교에 입학하였으나 국립대학교설립안 반대 시위에 참가했다가 구류 조치 후 제적당했다. 
     

    1950년 한국전쟁 발발 직후에는 학창 시절의 시위 전력으로 보도연맹에 끌려가 학살당할 위기를 간신히 모면하기도 하였으며, 전쟁 중 피란을 가지 않고 서울에서 부역했다는 명목으로 1956년에는 6개월 간 서대문형무소 생활을 하기도 하였다. 1973년에는 부정 입학 비리를 따져 물었다가 반공법 위반으로 잡혀 가기도 했다. 그는 총 3번의 복역 이후, 그의 나이 만 45세에 비로소 본격적인 작품 활동을 시작할 수 있었다.
     

    1957년 홍익대학교 미술대학을 졸업한 윤형근은 당시 교수로 있었던 김환기 화백에게 가르침을 받으며 많은 영향을 받았다. 김환기는 윤형근의 작품 세계 구축에 있어 정신적인 지주가 되어 주었고, 1960년에는 김환기의 장녀인 김영숙과 결혼을 하면서 스승과 제자이자 장인과 사위 관계가 되었다. 작업 초기에는 김환기의 영향을 많이 받았지만, 1973년 반공법 위반이라는 누명을 쓰고 서대문형무소를 다녀온 이후부터 작품에서 색채가 사라지고 ‘검은’ 색의 작품들이 등장하기 시작한다.
     

    “내 그림이 1973년부터 확 달라졌다. 서대문교도소에서 나와 홧김에 한 것이 계기가 되었다. 그 전에는 색을 썼었는데 색채가 싫어졌고 화려한 것이 싫어 그림이 검어진 것이지. 욕을 하면서 독기를 뿜어낸 것이지. 그림에 살아온 것이 배인 거야.” – 윤형근 일기 중에서
     

    이후 80-90년대에 본격적으로 스스로 ‘천지문(天地門)’ 이라 명명했던 시리즈의 작품들을 선보이며, 더욱 간결해진 형태와 색채로 한국 단색화의 대표 작가로 손꼽히게 되었다. 그는 생전 상파울루 비엔날레, 베니스 비엔날레, 광주 비엔날레 등 영향력 있는 국제 행사 및 전시에 다수 초청되었고, 2018년에는 단색화 작가 최초로 그에게 헌정된 회고전이 국립현대미술관 서울관에서 개최되었다.


    * 참고자료 : 국립현대미술관, 아트부산, 오마이뉴스 화려한 색이 싫어졌다는 화가, '독기' 밴 그림들

    * 사진출처 : ⓒYun Seong-ryeol.


  • Professional Experiences

    2020 PKM 갤러리, 서울, 한국

    2020 데이비드 즈워너, 뉴욕, 미국

    2019 포르투니 미술관, 베니스, 이탈리아

    2018 사이먼 리 갤러리, 런던, 영국

    2018 윤형근 1928-2007, 국립현대미술관 서울관, 서울

    2017 Yun Hyong-keun, Oil on Hanji 1973 - 1989, PKM 갤러리, 서울

    2017 데이비드 즈워너, 뉴욕, 미국

    2016 사이먼 리 갤러리, 런던, 영국

    2016 악셀 베르보르트 갤러리, 앤트워프, 벨기에

    2015 블럼앤포 갤러리, 뉴욕, 미국

    2015 갤러리 야마구치, 오사카, 일본

    2015 PKM 갤러리, 서울, 한국

    2007 Silent Poetry, Wellside 갤러리, 서울

    2006 갤러리 장 브롤리, 파리, 프랑스

    2003 박여숙 화랑, 서울

    2003 갤러리 실라, 대구

    2002 스트라스부르 현대미술관, 스트라스부르, 프랑스

    2002 갤러리 장 브롤리, 파리, 프랑스

    2002 조현 갤러리, 부산

    2002 갤러리 인, 서울

    2001 선재미술관, 경주

    2001 비비 갤러리, 대전

    2001 갤러리 야마구치, 오사카

    1999 조현 갤러리, 부산

    1999 갤러리 신라, 대구

    1999 료 갤러리, 서울

    1997 구상미술재단, 로이틀링겐, 독일

    1996 <윤형근전>, 갤러리현대, 서울, 한국

    1994 예인 갤러리, 마산

    1994 토탈미술관, 서울

    1994 Chinati 재단, 마르파, 미국

    1994 갤러리 박, 서울

    1993 Donald Judd 재단, 뉴욕

    1993 Locks 갤러리, 필라델피아

    1991 인공갤러리, 서울

    1991 갤러리 휴마니떼, 나고야

    1991 갤러리 야마구찌, 오사카

    1991 스즈카와갤러리, 히로시마

    1990 우에다갤러리, 도쿄

    1989 인공갤러리, 서울

    1989 갤러리 휴마니떼, 나고야

    1989 갤러리 야마구찌, 오사카

    1989 스즈카와갤러리, 히로시마

    1987 수화랑, 서울

    1987 인공갤러리, 대구

    1987 이넥스갤러리, 오사카

    1982 관훈미술관, 서울

    1981 Association Villa Corot 25 Ateliers, 파리

    1980 관훈미술관, 서울

    1978 도쿄갤러리, 도쿄

    1977 공간화랑, 서울

    1977 서울화랑, 서울

    1976 무라마쓰갤러리, 도쿄

    1975 문헌화랑, 서울 (~76)

    1973 명동화랑, 서울 (~74)

    1966 신문회관, 서울



    * 출처 : 뮤움

  • Education

    1947 서울대학교 미술대학 서양화과 중퇴 (~49)

    1955 홍익대학교 미술대학 서양화과 졸업 (~57)

    청주상업고등학교 졸업


  • Award

    1978년 한국미술대상전 대상

큐레이터 노트

윤형근은 한국 단색화의 거목으로 알려진 작가 중 한 명으로, 같은 단색화 계열 작가 중에서도 사회적 참여의 목소리를 높인 것이 특징적이다.

윤형근은 1966년 첫 개인전을 서울 신문회관 화랑에서 열었다. 이 시기의 작품은 그의 스승이자 장인인 김환기 화백의 영향을 받아 푸른색이 지배적이며, 특유의 서정적이고 풍부한 감성이 드러난다. 김환기를 부모처럼 섬기며 평생 ‘아버지’라 부를 정도로 존경하며 많은 영향을 받았던 윤형근은 이후 그의 영향에서 벗어나 자신만의 독자적인 미술 세계를 구축하였다.

윤형근의 일대기를 보면 그는 사회 참여적 목소리를 내는 것에 거리낌이 없던 작가였다는 것을 알 수 있다. 늘 올곧은 이야기를 했던 그는 유신체제가 한창이던 1973년, 미술교사로 재직 중이던 숙명여고에서 부정 입학 비리에 대해 목소리를 냈다가 서대문형무소에서 다녀오기도 하였는데, 이 시기를 기점으로 현재 우리가 익숙한 윤형근의 작품으로 화풍이 변모하기 시작했다. 또한, 1980년 ‘광주’의 전말을 듣고 격노하며 그곳에서 억울하게 죽어간 시민들의 모습을 형상화한 작품을 그리며 시대의 아픔을 담담히 그림으로 담아냈다.

이후 80-90년대에 이르면서 본격적으로 윤형근의 대표작인 ‘천지문(天地門)’ 시리즈가 등장한다. 그는 하늘의 색인 청색(Blue)과 땅의 색인 암갈색(Umber)을 섞어 ‘오묘한 검정색’을 나타냈는데, 이를 ‘청다색(Blue-Umber)’이라고 명명했다. 윤형근은 이를 ‘속이 타들어 가는’ 울분의 색채라고 설명하며 분노와 저항을 은유적으로 표현하였다. 이 시기의 작품들은 형태와 색채, 과정과 결과가 더욱 간결해지며 이전보다 더 대담하면서도 수수한 미학의 결정체를 보여준다.

70~80년대 단색화 작가들은 종종 사회적 현실을 외면했다는 점이 약점으로 꼽히기도 한다. 하지만 윤형근은 단색화 장르의 어떤 화가보다도 적극적으로 사회적 목소리를 냈고, 추상화라는 장르를 한계로 인식한 것이 아니라 오히려 은유로서 효과적으로 활용하였다는 점에서 특별한 의미가 있는 작가이다.

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Lee Kun-Yong 이건용 1942 ~

  • Education

    1982 계명대학교 교육대학원 미술교육 졸업

    1967 홍익대학교 미술대학 서양화과 졸업

    1963 배재고등학교 졸업, 서울

  • Award

    1972 1회 앙데팡당전, 파리국제비엔날레 출품작가 후보로 선정/한국미술협회, 커미셔너 이우환

    1973 제8회 파리국제비엔날레 출품작가로 선정, 파리비엔날레 국제위원회

    1975 제8회 까뉴국제회화제 출품작가로 선정, 한국미술협회

    1979 제15회 상파울로 국제비엔날레 출품작가로 선정, 한국미술협회,커미셔너 오광수

    1979 LIS 리스본국제전 대상 수상, 포르투칼 문부성,리스본시립미술관

    1999 99 한국현대미술기획 개인전 초대작가로 선정, 한국문화예술진흥원

    2007 이인성미술상 수상, 이인성미술상 운영위원회

    2009 한국인 선정, 네이버게스트

큐레이터 노트

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Yoshitomo Nara 요시토모 나라 1959 ~

  • Artist Statement

    요시토모 나라는 일본 네오 팝(Neo Pop) 세대의 대표 작가로 저항과 반항에서부터 조용한 사색에 이르기까지 다양한 감정적 복잡성을 다양한 표정의 아이들과 귀여운 동물들로 표현하는 현대 미술의 선구적인 인물이다. 커다랗고 둥근 얼굴에 반항심 어린 표정의 소녀와 강아지나 고양이 같은 동물들이 등장하는 그의 예술은 우리 내면에 감춰진 두려움과 고독감, 반항심, 잔인함 등의 감정을 미묘하게 포착하고 있다.


    1959년 일본 아오모리현 히로사키에서 태어난 그는 1987년 아이치 현립 예술대학(愛知縣立藝術大學) 대학원을 졸업하고, 이듬해 독일의 뒤셀도르프 예술아카데미에 입학하여 1993년 A.R. 펭크(A.R. Penck)로부터 마이스터 슐러(Meister Schueler)를 취득하였다. 1995년에는 나고야시 예술장려상을 받았다. 1998년에 미국의 UCLA에서 객원 교수로 재직하였으며, 독일과 일본, 미국을 거점으로 활발한 작품 활동을 하고 있다.


    일본 ‘네오 팝(Neo Pop)’을 대표하는 그의 예술은 이른바 ‘오타쿠’라고 하는 일본 하위문화 옹호 세대를 배경으로 탄생하였다. ‘네오 팝’이 일본 만화와 애니메이션 등 대중문화에 바탕을 두고 있는 것은 사실이지만, 그의 경우 자신의 어린 시절의 경험과 청소년기부터 몰입해온 저항과 자유를 노래하는 로큰롤 음악에서 더욱 강한 영향을 받았다. 그의 작업은 순수미술 형식과 대중문화의 정서를 결합한 특유의 복합적인 양상을 보이며 커다란 주목을 받았다. 그의 그림은 세계 각지의 미술관이 그의 작품을 소장하고 있으며, 특히 우리나라에서는 요시모토 바나나의 소설 <하드보일드 하드 럭>의 일러스트로 유명하다.



    * 사진출처 : Yoshitomo Nara in his home studio in Tochigi Prefecture, Japan, with one of his bigheaded girl works, “Miss Moonlight” (2020). © Tetsuya Miura

  • Professional Experiences

    2010 ~ 2020

    2020

    Yoshitomo Nara, LACMA, Los Angeles, CA; traveling to Yuz Museum, Shanghai, China


    2019

    En/trance, Japan Society, New York, NY

    Drawings Last 31 Years, Château La Coste, Le Puy-Sainte-Réparade, France


    2018

    Ceramic Works and…, Pace Gallery, Hong Kong, China (cat.)

    Drawings: 1988-2018, Kaikai Kiki Gallery, Tokyo, Japan

    Your Dog, Asian Art Museum, San Francisco, CA

    Sixteen springs and sixteen summers gone–Take your time, it won’t be long now, Taka Ishii Gallery Photography / Film, Tokyo, Japan (cat.)

    all things must pass, but nothing is lost / precious days around me, sometimes farther along, sometimes under my feet, Pace / Macgill Gallery, New York, NY 


    2017

    Thinker, Pace Gallery, New York, NY (cat.)

    For Better or Worse: Works 1987-2017, Toyota Municipal Museum of Art, Toyota, Japan (cat.)

    At Tobiu, Tobiu Art Community, Shiraoi, Hokkaido, Japan

    Will the Circle Be Unbroken, Daikanyama Hillside Plaza, Tokyo, Japan (cat.)


    2016

    New Works, Stephen Friedman Gallery, London, UK (cat.)

    Picture Box, Kato Art Duo, Singapore

    Museum of National Taipei University of Education, Taipei, Taiwan


    2015

    Shallow Puddles, Blum & Poe, Tokyo, Japan (cat.)

    Stars, Pace Gallery, Hong Kong, China (cat.)

    Life is Only One: Yoshitomo Nara, Asia Society Hong Kong Center, Hong Kong, China (cat.)

    Johnen Galerie, Berlin, Germany


    2014

    A 3-Day Drawing Show, Sawada Mansion Gallery room 38, Kochi, Japan

    Greetings from a Place in My Heart, Dairy Art Centre, London, UK

    Print Works, Satellite, Okayama, Japan

    Blum & Poe, Los Angeles, CA (cat.)


    2013

    Pace Gallery, New York, NY (cat.) 


    2012

    a bit like you and me…, Yokohama Museum of Art, Yokohama, Japan; traveled to Aomori Museum of Art, Aomori, Japan; Contemporary Art Museum, Kumamoto, Japan (cat.)

    The Little Little House in The Blue Woods, Towada Art Center, Aomori, Japan

    Yoshitomo Nara Prints, 8/Art Gallery / Tomio Koyama Gallery, Tokyo, Japan


    2011

    Print Works, Roppongi Hills A/D Gallery, Tokyo, Japan


    2010

    Ceramic works, Tomio Koyama Gallery, Tokyo, Japan (cat.)

    Nobody’s Fool, Asia Society, New York, NY (cat.)

    New Editions, Pace Prints, New York, NY


    ...

    * 2010년 이전 이력 생략

  • Education

    Aichi Prefectural University (愛知縣立藝術大學), Japan

    Kunstakademie Düsseldorf, Germany

    Meister Schueler from A.R. Penck

  • Award

    1995  Award for Artist, Nagoya, Japan

큐레이터 노트

요시토모 나라의 작품에는 항상 순진해 보이면서도 악동 같은 표정의 어린 아이와 귀여운 동물들이 등장한다. 요시토모는 그 악동의 표정에서 우리 내면에 감춰진 두려움과 고독감, 반항심, 잔인함 등의 감정을 미묘하게 포착해내고 있다.

그의 작품에 등장하는 캐릭터 중에서도 특히 소녀들이 특징적인데, 항상 무언가 불만에 가득 찬 듯한 표정을 한 소녀들은 앙증맞은 외모와 밝고 화사한 의복을 걸쳤지만, 고독하거나 혹은 반항적이거나, 심지어 사악해 보이기까지 하는 시선을 가지고 있다. 이 표정들은 현대인의 내면에 감춰진 두려움과 고독감, 반항심을 반영한다. 이처럼 나라의 작품들은 현대인이 공감하기 쉬운 감정을 반영한다는 점이 전 연령층에서 사랑을 받고 있는 이유일 것이다.
요시토모 나라의 작품은 ‘네오 팝(Neo-pop)’으로 널리 알려져 있고, 네오팝 세대는 만화와 애니메이션의 영향을 강하게 받았다. 이와 동시에 나라의 회화 작품에서는 일본 판화인 ‘우키요에’의 영향 또한 엿볼 수 있는데, 19세기의 목판화가 카츠시카 호쿠사이(Katsushika Hokusai, 葛飾 北斎), 우타가와 구니요시(Kuniyoshi Utagawa, 歌川豊國)의 만화적 윤곽선과 색감에 영향 받은 점을 볼 수 있다. 따라서 나라의 작품 세계는 일본의 전통문화와 더불어 현대의 만화적 감각, 그리고 작가 본인의 자전적 경험이 버무려져 형성된 독특한 미감인 것이다.

[콰드로페니아 'Quadrophenia']
요시토모 나라의 ‘콰드로페니아’는 이러한 특징이 잘 드러나 있는 작품 중 하나이다. 서류봉투 위에 색연필로 무심한 듯 그려진 이 작품은, 소녀 혹은 소년의 머리 네 개가 마치 장난감처럼 차곡차곡 쌓여 있는 것처럼 보인다. ‘콰드로페니아’ 라는 제목은 영국의 록 그룹인 더 후(The Who)가 1973년에 발표한 앨범 제목으로, 네 가지 인격을 가진 모드족 소년 지미의 성장 스토리를 담았다. 따라서 그림 속 네 개의 머리는 노래 속 주인공 지미의 네 가지 인격을 상징하는 것이다. 이처럼 나라의 그림 전반에는 자유와 저항을 찬미하는 로큰롤의 정신 또한 쉽게 발견할 수 있다.

다른 작품

[품절] Doggy Radio, 2011
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Marching on a Butterbur Leaf, 2019
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1,800,000원
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작가 사진
Ayako Rokkaku 아야코 로카쿠 1982 ~

  • Artist Statement

    아야코 로카쿠는 맨손으로 페인팅 작업을 하는 퍼포먼스로 자신만의 독창적인 작품세계를 선보이며 현재 유망한 현대미술가 중 한 명으로 전 세계 미술계의 이목을 받고 있다.
     

    2000년대 초반부터 작품 활동을 시작한 그는 정규 미술교육을 받지 않고 완전한 독학으로 자신만의 독특한 그림 기법을 개발하였다. 처음에는 그저 일상의 이벤트를 웹에 기재할 뿐이었지만, 점차 독창적인 페인팅 기술을 선보이게 되었고, 2003년과 2006년에 무라카미 다카시의 ‘카이카이 키키(Kaikai Kiki)’가 기획한 ‘Geisai Art Fair’에서 두 번이나 수상하게 되었다. 무라카미가 자신의 팀에 로카쿠를 합류시켜 아트 바젤에 작품을 출품하게 되면서 그는 전 세계 컬렉터의 사랑을 받는 인기작가 반열에 오르게 되었다.
     

    베를린, 포르투, 도쿄, 암스테르담 등에 거주하며 작업을 지속해오고 있는 그는 2007년 암스테르담의 갤러리 델레이브에서 첫 전시회를 개최한 후 로테르담의 쿤스트할과 슬로바키아의 다누비아나 멀린스린 미술관에서 개인전을 열었다. 수천 명의 관람객이 몰리며 잇따라 작품들이 매진되는 등 성공적으로 개인전을 마친 로카쿠는 이후 스위스, 프랑스, 미국, 네덜란드, 중국 등에서 작품을 선보였고, 2009년에는 일주학술문화재단 초청으로 국내에서도 전시를 진행하였다. 

    참고문헌 : 매일경제, 이데일리, Ayako Rokkaku 홈페이지

  • Professional Experiences

    2020

    Magic Hand, Chiba Prefectural Museum of Art, Chiba, Japan 


    2019

    Fumble in colors, tiny discoveries, Museum Jan van der Togt,

    Amsterdam, Netherlands


    2018

    Bright wind, another step, Gallery Delaive, Amsterdam, Netherlands


    2017

    OBSCURA, Gallery Target, Tokyo, Japan

    ramblings' habitat, gallery trax, Yamanashi, Japan


    2016

    Sealed Reminiscence,  Gallery Delaive, Amsterdam, Netherlands


    2015

    Lumpy Fluffy Splatter, gallery trax, Yamanashi Japan


    2014

    Never ending love letter, Gallery Target, Tokyo, Japan


    2012

    Where the smell comes from, Danubiana Meulensteen Art Museum, Bratislava, Slovakia


    2011

    Colours in my hand, KUNSTHAL Museum, Rotterdam, Netherlands


    2010

    About Us, Gallery Delaive, Amsterdam, Netherlands

    About Us, VACANT, Tokyo, Japan


    2009

    girl in moment, Guy Peters Gallery, Knokke-Heist, Belgium

    Untitled, San Carlo Gallery, Milano, Italy


    2008

    Untitled, Galerie Wild, Frankfurt Germany

    Untitled, Juliana Gallery, Seoul, Korea


    2007

    Rokkaku Ayako Exhibition, Galerie Teo, Tokyo, Japan

    Untitled, Galerie Moderne, Silkeborg, Denmark

    Walking around cloud, Gallery Delaive, Amsterdam, Netherlands


    2006

    Untitled, GARELIE AAA, Paris, France

  • Award

    Geisai Art Fair

큐레이터 노트

독창적인 페인팅 기술과 테크닉을 스스로 터득한 아야코 로카쿠는 다채로운 색감과 구성으로 로카쿠만의 독특한 작품을 선보인다. 어린아이의 순수한 모습을 담은 듯한 그의 작품은 사뭇 요시토모 나라의 화풍이 연상시키기도 한다. 하지만 로카쿠는 맨손으로 캔버스나 판지에 아크릴 물감을 바르며, 역동적이고 색동감 넘치는 구성으로 특정한 목적 없이 그림을 그리는 자신만의 독특한 화법을 내재하고 있다.

2009년부터 2010년대 초기의 작품에서는 그림 속 인물이 정확한 형태를 가지고 있는 것이 특징이었지만, 최근 작품에서는 배경과 인물이 특별한 형태 없이 뭉개지면서 더욱 몽환적인 느낌을 담고 있다. 사전에 계획된 구상 없이 시작하여 그림이 서서히 완성되기까지의 자연스러움을 추구한 화폭에는 둥실둥실 떠다니는 꽃과 동물, 큰 눈망울의 어린 소녀가 한데 모여 몽환적이고 화려한 풍경을 만들어낸다. 일본 애니메이션의 영향을 받은 듯 큰 눈과 긴 팔의 어린 소녀들은 작가의 성격과 솔직한 표정을 담아 본인의 개성을 표현하고 있다. 또한, 절제와 규칙을 배제하고 상상력과 생생한 색채의 사용은 로카쿠만의 화려하고 행복한 꿈의 세계를 실현한다.

다른 작품

[별도문의] Untitled, 2008
Original
[별도문의] Untitled, 2008
[별도문의] Untitled, 2008
전화문의
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Anish Kapoor 아니쉬 카푸어 1954 ~

  • Artist Statement

    세계적으로 유명한 영국의 조각가 아니쉬 카푸어는 인도 봄베이 태생으로, 1972년에 미술 공부를 하기 위해 영국으로 건너갔다. 그는 혼지 미술 대학과 첼시 미술, 디자인대학을 다닌 후 울버햄프턴 폴리테크닉에서 학생들을 가르쳤고, 이후 리버풀에 있는 워커 갤러리에서 근무하던 중 미술가로 데뷔하였다. 이후 런던에 정착하여 지금까지 활발하게 작품 활동을 이어가고 있다. 
     

    1980년대 초반에 카푸어는 리처드 디컨(Richard Deacon), 빌 우드로(Bill Woodrow) 등과 함께 ‘영국의 젊은 조각가(The Young British Sculptors)’ 그룹의 한 일원으로 선정되었다. 이 그룹은 영국 문화원으로부터 전폭적인 후원을 받았으며, 실험적인 작품들로 국제적인 명성을 얻었다. 그 결과, 카푸어는 1990년 제 44회 베니스 비엔날레에 영국을 대표하는 작가로 참가하여 ‘프리미오 듀밀라’ 상을 받았고, 이듬해 1991년 영국 최고 권위의 현대미술상인 ‘터너상’을 수상하였다. 
     

    카푸어는 인도와 유럽의 정체성을 모두 가지고 있는 아티스트로, 그의 작품은 동양 미술과 서양 미술의 간극을 연결한다고 평가받는다. 카푸어의 모든 작품을 관통하는 키워드는 ‘숭고함’이다. 물성을 가장 뚜렷이 드러내는 조각이라는 매체를 통해 물성을 뛰어넘는 정신적인 사유를 담아내는 것이 목표이며, 카푸어는 이를 위해 매일 새벽 1시간 동안 참선과 독경을 통해 내면과 마주한다. 카푸어의 작품은 이처럼 내면을 응시하고 성찰하는 과정을 통해 사물의 또 다른 모습을 이끌어내는 것을 특징으로 한다. 

  • Professional Experiences

    2020

    ‘HOWL’, Rotunda, Pinakothek der Moderne, Munich, Germany (current)

    ‘Anish Kapoor at Houghton Hall’, Norfolk, U.K (current)

    ‘Anish Kapoor’, Regen Projects, Los Angeles, USA

    2019

    ‘Anish Kapoor’, Lisson Gallery, New York, USA

    ‘Anish Kapoor’, CAFA Art Museum / Imperial Ancestral Temple, Beijing

    Anish Kapoor Lisson Gallery, London

    Surge CorpArtes, Santiago; Fundación Proa, Buenos Aires

    Anish Kapoor Pitzhanger Manor, London


    2018

    Anish Kapoor Galerie Klüser, Munich, Germany

    Anish Kapoor in Beppu, Beppu Park, Japan

    Anish Kapoor–Works, Thoughts, Experiments, Serralves, Museu de Arte Contemorânea, Porto, Portugal

    Anish Kapoor, PUNKT Ø Galleri F 15, Moss, Norway

    Another (M)other, Kamel Mennour, Paris


    2017

    Anish Kapoor. My Red Homeland, Musée d’Art et Contemporain, Saint–Ètienne Mètropole, France

    ‘Concept of Happiness. Anish Kapoor’s Outline of Collapse’, Eye of Gyre, Tokyo

    Places of Origin–Monuments for the 21st Century, MAST Foundation, Bologna, Italy

    Ark Nova, Lucerne Festival, Tokyo Midtown

    Destierro, Parque de la Memoria, Buenos Aires

    Descension, Brooklyn Bridge Park, Public Art Fund, New York, USA

    Anish Kapoor, Lisson Gallery, London

    Stackhouse, Winnipeg Warming Huts, Manitoba, Canada

    Anish Kapoor, Galleria Massimo Minini, Brescia, Italy


    2016

    ‘Anish Kapoor’, Museo d’Arte Contemporane, Rome

    ‘Anish Kapoor’, Galleria Continua, Havana

    ‘Descension’, Nuit Blanche 2016, The Seine, Paris

    ‘Anish Kapoor’, Gagosian, Hong Kong

    ‘Anish Kapoor’, Scai The Bathhouse, Tokyo

    ‘Gathering Clouds’, Kukje Gallery, Seoul

    ‘Anish Kapoor’, Casamadre Arte Contemporanea, Naples, Italy

    ‘Tristan and Isolde’, Set design, English National Opera, London Coliseum

    ‘Archaeology, Biology’, Museo Universitario Arte Contemporáneo, UNAM, Mexico City

    ‘Anish Kapoor’, Lisson Gallery, Milan, Italy

    ‘Anish Kapoor’, Gladstone Gallery, New York, USA


    2015

    ‘Ascension’, Follia Continua, Paris

    ‘Ark Nova’, Lucerne Festival, Fukushima, Japan

    ‘My Red Homeland’, The Jewish Museum and Tolerance Center, Moscow

    ‘Anish Kapoor Chez Le Corbusier’, La Tourette, Lyon, France

    ‘Anish Kapoor Versailles’, Château de Versailles

    ‘Descension’, Galleria Continua, San Gimignano, Italy

    ‘Anish Kapoor’, Lisson Gallery, London

    ‘Anish Kapoor’, Gladstone Gallery, Brussels

    ‘Anish Kapoor’, Regen Projects, Los Angeles, USA


    2014

    ‘Ark Nova’, Lucerne Festival, Sendai, Japan

    ‘Descension’, Kochi-Muziris Biennale, India


    2013

    ‘Kapoor in Berlin’, Martin–Gropius–Bau, Berlin

    ‘Anish Kapoor in Istanbul’, Sakıp Sabancı Müzesi, Istanbul

    ‘Anish Kapoor’, Galleria Continua, Le Moulin, France

    ‘Ark Nova’, Lucerne Festival, Matsushima, Japan


    2012

    ‘Anish Kapoor’, MCA Sydney

    ‘Anish Kapoor’, Leeum, Samsung Museum of Art, Seoul

    ‘Anish Kapoor’, Lisson Gallery, London

    ‘Anish Kapoor’, De Pont Museum of Contemporary Art, Tilburg, Netherlands

    ‘Parcifal’. Set Design. Het Muzietheatre, De Nederlands Opera, Amsterdam

    ‘Orbit’, Queen Elizabeth Park, London

    ‘Anish Kapoor’, Pinchuk Art Centre, Kyiv

    ‘Anish Kapoor’, Gladstone Gallery, New York, USA


    2011

    ‘Anish Kapoor’, Rotonda della Besana, Milan, Italy

    ‘Dirty Corner’, Fabricca del Vappore, Milan, Italy

    ‘Leviathan’, Monumenta 2011, Grand Palais, Paris

    ‘Between Shit and Architecture’, Galerie Kamel Mennour, Chapelle des Petits Augustins, Beaux-Arts de Paris

    ‘Flashback’, Manchester Art Gallery; Sculpture Court, Edinburgh College of Art; Nottingham Castle Museum and Art Gallery, U.K, 2012

    ‘Ascension’, Basilica di San Giorgio Maggiore, Venice, Italy


    2010

    ‘Anish Kapoor, Delhi Mumbai’, National Gallery of

    Modern Art and Mehboob Studios, Mumbai, India

    ‘Turning the World Upside Down’,

    Kensington Gardens, The Royal Parks and the

    Serpentine Gallery, London

    ‘Temenos’, Middlesbrough, Tees Valley, UK

    ‘Anish Kapoor’, Museo Guggenheim de Arte Moderno

    y Contemporáneo, Bilbao, Spain

    ‘Turning the World Upside Down’, Israel Museum, Jerusalem

    ‘Anish Kapoor’, Middlesbrough Institute of Modern Art,

    Middlesbrough, U.K


    ...

    * 2010년 이전 이력 생략

  • Education

    Chelsea School of Art

    Hornsey College of Art

  • Award

    ■ Artistic accolades

    1990 Premio Duemila, Venice Biennale

    1991 Turner Prize

    1999 elected Royal Academician

    2011 Praemium Imperiale


    ■ Civilian honours

    2003 Commander of the Order of the British Empire (CBE)

    2011 French Ordre des Arts et des Lettres

    2012 Padma Bhushan, India's third-highest civilian honour.[92]

    2013 Knighthood


    ■ Honorary Fellowships

    1997 London Institute

    1997 Leeds University

    1999 University of Wolverhampton

    2001 Royal Institute of British Architects


    ■ Other

    2016 LennonOno Grant for Peace

    2017 Genesis Prize


큐레이터 노트

아니쉬 카푸어는 지금 세계에서 가장 주목받는 조각가 중 한 명이다. 그는 스테인리스 스틸(stainless steel)로 만들어진 대형 조각들로 잘 알려져 있는데, 그의 조각들은 주변 환경을 거울처럼 그대로 반사시켜 작품의 일부로 끌어들이기 때문에 ‘건축적인 조각’이라는 평가를 받는다. 이 작품들은 단단한 물질성을 갖고 있음에도 불구하고, 관람객들은 작품 자체의 물질보다 관람객 자신을 포함한 반사된 반영들을 보게 되는 것이다.

그는 스테인리스 조각 외에도 시리즈도 진행하고 있는데, 단어 그대로 텅 비어있는 공간을 작품의 일부로 활용하는 작업들이다. 그는 아무 것도 없는 ‘부재’의 공간과 그 공간 안에서 느낄 수 있는 관람자의 아득함 같은 비물질적인 것들을 작품 안으로 편입시킨다. 이외에도 붉은색의 커다란 바셀린 덩어리를 활용한 시리즈로 색채, 특히 그만의 독특한 붉은색에 대한 탐구를 하기도 했다.

결국 아니쉬 카푸어가 추구하고자 하는 공통된 주제는 ‘숭고함’이다. 아름다움과 달리 숭고함은 경계가 없으며 무한하다. 그래서 숭고함을 느낄 때는 경외감, 두려움, 낯설고 압도적인 데서 오는 일종의 불쾌감까지를 동반할 수 있다. 따라서 카푸어의 조각들의 미니멀리즘적으로 단순한 형태, 그러나 압도적인 거대한 크기는 이러한 숭고함을 표현하기 위한 장치들인 것이다. 이에 더해 카푸어는 “보이는 것이 다가 아니다” 라는 말을 종종 사용하는데, 작품과 관객이 신체적 그리고 정신적으로 교감하는 것이 바로 카푸어가 추구하는 ‘숭고’가 발생하는 지점이 아닐까 한다.

다른 작품

[별도문의] Mirror (Brandy Wine to Laser Red mix2 to Brandy Wine), 2018
Original
[별도문의] Mirror (Brandy Wine to Laser Red mix2 to Brandy Wine), 2018
[별도문의] Mirror (Brandy Wine to Laser Red mix2 to Brandy Wine), 2018
0원
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작가 사진
Andy Warhol 앤디 워홀 1928 ~ 1987

  • Artist Statement

    앤디 워홀은 전통적인 미술의 개념과 일상생활을 통합하는 대중미술의 파생물인 팝 아트(Pop art)를 대표하는 거장이자 20세기 가장 영향력 있는 미술가이다. 그는 미술뿐만 아니라 사진작가, 영화 제작자, 음반 제작자 등으로 미국 대중문화의 전반에 큰 영향을 끼친 아티스트이다.


    그는 미국 펜실베니아 피츠버그 출생으로, 카네기 멜런 대학에서 미술 학사학위를 받은 후 상업미술가로 경력을 시작하였다. 1950년대에 워홀은 신발 광고와 같은 상업 삽화로 이름을 날렸으며, 책의 삽화를 그리거나 무대 디자인을 하기도 했다. 1960년부터 그는 ‘뽀빠이’와 ‘슈퍼맨’ 같은 연재만화를 이용해 실험적인 회화 작품을 제작하였다. 워홀은 첫 개인전에서 캠벨 수프 깡통을 그린 37점의 회화를 시작으로 현재의 앤디 워홀을 대표하는 대량생산되는 기성품과 유명인 도상 작업을 선보였다. 그러나 이러한 작업들은 당시 뉴욕의 화상들로부터 외면당하였다.


    이후 워홀은 1962년 뉴욕의 시드니 재니스 갤러리에서 열린 <새로운 사실주의자들(New Realists)>전에 참여해 주목을 받았다. 그는 미국을 대표하는 상업적인 소재들을 실크스크린 판화기법으로 제작하였는데, 이 작품들은 워홀의 스튜디오인 ‘더 팩토리(The Factory)’에서 그의 조수들에 의해 대량생산된 것이 특징이다. 이 팩토리에서는 롤링 스톤즈, 벨벳 언더그라운드 등 당대 대표되는 아티스트가 모이는 장소가 되었고, 1965년 벨벳 언더그라운드의 데뷔 앨범을 프로듀싱과 실크 스크린 프로세스에 의한 앨범 자켓 디자인을 하며 그 유명한 <바나나(Banana, The Velvet Underground & Nico Album Cover)> 앨범 커버가 탄생하였다. 1970년대부터는 사교계나 정치계의 인물들을 실크 스크린 프린트로 다수 제작하였다.


    팝아트는 상업주의와 소비주의에 깊이 물들은 사회에 관해 이야기한다. 앤디 워홀의 작품은 미술의 전통적인 개념과 일상생활을 통합하는 대중미술의 파생물인 팝 아트의 전제를 입증한다. 그가 즐겨 사용한 실크스크린 기법은 기계와 조수의 힘을 빌려 의식적으로 완성작에서 미술가의 흔적을 지웠다. 이와 같이 원작자의 배제를 통한 작품의 대량생산과 대담하고 선명한 색채가 팝 아트의 특징으로 볼 수 있다. 스스로 기계이기를 원했던 워홀은 기계와 같은 미술을 만들어냈고, 기계를 통해 무한히 복제되는 세계 속에서 자신의 작품 또한 명성과 함께 증식을 거듭하고 있다. 



    참고문헌 : [네이버 지식백과] 앤디 워홀 [ANDY WARHOL] (501 위대한 화가, 2009. 8. 20., 스티븐 파딩, 위키미디어 커먼즈), [네이버 지식백과] 앤디 워홀 [Andy Warhol] (두산백과) 

  • Professional Experiences

    1987

    'Andy Warhol: Il Cenacolo', Milan: Refettorio delle Stelline

    'Warhol: Shadows', Houston: The Menil Collection, Richmond Hall

    'Andy Warhol: "Ich erkannte dafs alles, was ich tue, mit dem Ton zusammenhangt"', Hamburg: Kunstverein in Hamburg

    'Remembering Andy: Warhol's Recent Works', Tokyo: Watari Gallery

    'Lenin by Warhol', Munich: Galerie Bernd Kluser

    'Andy Warhol: Recent Work', New York: Leo Castelli Gallery

    'Andy Warhol: A Memorial', Bridgehampton: Dia Art Foundation

    'Andy Warhol: Skulls 1976', New York: Dia Art Foundation

    'Andy Warhol: Arbeiten/Works 1962-1986', Salzburg: Galerie Thaddaeus Ropac


    1986

    'Andy Warhol: Disaster Paintings 1963', New York: Dia Art Foundation

    'Andy Warhol: Major Prints', Paris: Galerie Daniel Templon

    'Andy Warhol: Self-Portraits', London: Anthony d'Offay Gallery

    'Andy Warhol: Photographs', New York: Robert Miller Gallery

    'Hand-Painted Images: Andy Warhol 1960-1962', New York: Dia Art Foundation

    'Andy Warhol: Oxidations Paintings', New York: Larry Gagosian Gallery


    1985

    'Andy Warhol: Reigning Queens 1985', New York: Leo Castelli Gallery

    'Ads', New York: Amelie A. Wallace Gallery, State University of NY at Old Westbury

    'Warhol, Basquiat Paintings', New York: Tony Shafrazi Gallery

    'The Silkscreens of Andy Warhol: 1962-1985', New York: Lehman College Art Gallery

    'Andy Warhol: Paintings 1962-1985 & Early Prints', Cologne: Paul Maenz Gallery

    'Vesuvius by Warhol', Naples: Museo di Capodimonte


    1984

    'Jean-Michel Basquiat, Francesco Clemente, Andy Warhol', Zurich: Galerie Bruno Bischofberger

    'Portraits of Ingrid Bergman by Andy Warhol', Malmo: Galerie Borjeson

    'Andy Warhol: Renaissance Paintings', London: Waddington Graphics

    'Andy Warhol: Details of Renaissance Paintings', New York: Schellman & Kluser Gallery


    1983

    'Warhol's Animals: Species at Risk', New York: American Museum of Natural History

    'Andy Warhol in the 1980's', Ridgefield, CT: Aldrich Museum of Contemporary Art

    'Andy Warhol's Electric Chairs', San Francisco: Fraenkel Gallery

    'Andy Warhol: Paintings for Children', Zurich: Galerie Bruno Bischofberger



    * 생전 5년간의 전시내역 (1980 ~ 1987년 전시)

  • Education

    1949 Carnegie Institute of Technology

  • Award

    35th Annual Art Award for Distinctive Merit for a shoe advertisement

    36th Annual Art Directors Club Medal and Award of Distinctive Merit


큐레이터 노트

앤디 워홀의 작품을 한 마디로 정의하자면, 가장 ‘미국적’인 예술로 정리할 수 있다. 미국은 치밀한 자본주의를 바탕으로 성장한 국가이다. 자본주의를 적극적으로 활용함으로써 고속 성장했지만, 한편으로는 모든 요소를 돈으로 환산하는 세속적인 요소가 공존하는 국가이다. 워홀은 미국의 이런 양면적인 요소를 작품에 잘 반영한 아티스트이다.

“내가 미국이 대단하다고 생각하는 이유는 부자나 가난한 사람이나 똑같은 것을 소비한다는 점이다. 대통령이나 우리나 똑같은 코카콜라를 마신다. 돈을 더 준다고 더 나은 코카콜라를 마실 수 없다.”

이와 같이 워홀은 모두에게 공평한 대중문화야말로 진정한 민주주의라고 생각했다. 대중문화 이미지가 홍수처럼 쏟아지는 시대에 코카콜라, 캠벨 수프 깡통, 마릴린 먼로와 같은 대상들을 예술의 주요 소재로 삼았다.

하지만 동시에 대중문화의 공허함과 덧없음 또한 워홀의 재료가 되었다. 워홀이 주 소재로 삼았던 당대의 섹시 스타 마릴린 먼로는 화려한 삶을 살았지만 실제로는 불행과 고독으로 가득한 사람이었다. 하지만 마릴린이 사망하고 나서도 워홀이 만든 마릴린의 형상은 지금도 팝아트의 대표적인 이미지로 남아 있다. 이처럼 풍요롭지만 공허한 이미지는 워홀이 사용하는 주 재료가 되었고, 이후에는 해골 이미지를 이용하여 더욱 노골적으로 이러한 양면성을 강조하기도 하였다.

앤디 워홀은 자신을 ‘최초의 상업 예술가’로 칭했으며, 실제로도 자본주의의 수혜를 입은 대표적인 아티스트이기도 하다. 워홀은 58세의 나이에 갑작스럽게 생을 마감했지만, 그의 화려한 작품들은 여전히 현대인들에게 널리 사랑받으며 미술 시장에서 높은 가격대를 기록하고 있다.

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[별도문의] Clockwork Panda Drummer, 1983
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Alex Katz 알렉스 카츠 1927 ~

  • Artist Statement

    뉴욕 브루클린에서 태어난 카츠는 1950년대 이래 인물 초상을 주로 그리며 가장 뉴욕적인 화가로 자리매김했다. 알렉스 카츠는 단순하고 과감한 화면 구성과 대담한 채색, 절제된 분위기를 특징으로 추상과 구상, 전통과 아방가르드가 맞닿아 있는 현대적 리얼리즘을 보여준다.


    브루클린에서 처음 그림을 시작한 그는, 퀸스, 소호로 옮기며 계속 작업을 했다. 카츠는 1968년 이후 소호에 작업실을 갖고 있다. 메인 주에 있는 스코히건 미술학교에서 일 년 동안 공부한 후, 그는 뉴욕으로 가서 쿠퍼 유니언에서 공부했다. 그의 첫 개인전은 1954년 로코 갤러리에서 열렸고, 첫 회고전은 1986년 휘트니 미술관에서 열렸다.


    카츠는 개성적인 인물회화로 유명하다. 자신의 아내와 아들, 친구들과 동료 선후배 예술가들, 우아하고 세련된 맨해튼의 지식인들과 시골 부유층 사람들이 그의 초상화의 모델이 되어 주었다. 그의 작품은 전통적 초상화 장르에 속하지만 추상표현주의 회화처럼 거대한 크기를 자랑한다. 또한 광고나 영화 속에 등장하는 인물처럼 클로즈업과 화면 분할을 통해 인물들을 한순간에 멈춘 듯 포착해 낸다. 대상의 세밀한 부분들을 과감히 생략하고 두드러지는 특징만을 잡아 단순화시킨 그는 빠르게 스치고 지나가는 대상을 객관적으로 표현해내며 미국 화단에서 새로운 사실주의 화풍을 주도해왔다.


    카츠는 야심적이고 우아하며 비개성적이고 거대한 크기로 당대를 반영하는 동시에 시간을 초월하는 것을 ‘하이 스타일(high style)’이라고 정의했다. 이러한 특징은 그의 회화에 고스란히 담겨 있다. 그는 또한 “그림에 전통적인 요소가 없다면 힘을 얻을 수 없다”라고 말했다. 구상과 추상, 전통과 아방가르드가 조화롭게 결합된 그의 회화에서 우리는 전형적인 ‘아메리칸 스타일(American style)’을 발견할 수 있다.


    참고 : 두산백과, 네이버 지식백과 / 501 위대한 화가, 2009. 8. 20., 스티븐 파딩, 박미훈, 위키미디어 커먼즈, 내셔널 갤러리 런던, 프랑스국립박물관연합(RMN), 더 브릿지먼 아트 라이브러리, 비피케이

  • Professional Experiences

    2019 

    Alex Katz, Daegu Art Museum, Daegu, South Korea Contemporary Counterpoint
    Alex Katz. Water Lilies - Homage to Monet series, 2009-2010, Musee de l’Orangerie, Paris, France 

    Alex Katz: Red Dancers, Galerie Thaddaeus Ropac, Paris, France 

    Alex Katz / Moby Dick, Colby Museum of Art, Waterville, Maine  


    2018 

    Alex Katz: Grass and Trees, Richard Gray Gallery, Chicago, Illinois 

    Alex Katz: Models and Dancers, Lotte Museum of Art, Seoul, Korea 

    Brand-New & Terrific: Alex Katz in the 1950s, Neuberger Museum of Art, Purchase, New York Alex Katz: Coca-Cola Girls, Timothy Taylor Gallery, London, England 

    Alex Katz: Splits, Galeria Javier Lopez & Frances Fer, Madrid, Spain 

    ARTIST ROOMS: Alex Katz, Tate Liverpool, Liverpool, England, U.K. 

    Alex Katz, Museum Brandhorst, Munich, Germany  


    2017 

    Brand-New & Terrific: Alex Katz in the 1950s, The Cleveland Museum of Art  


    2016 

    Alex Katz: Quick Light, Serpentine Gallery, London  


    2015 

    Alex Katz: This is Now, High Museum of Art, Atlanta (exh. cat.) 

    Brand-New & Terrific: Alex Katz in the 1950s, Colby College Museum of Art, Waterville, Maine (exh. cat.) 

    Alex Katz at the Met, Metropolitan Museum of Art, New York


    ...


    * 2010년 이전 이력 생략

  • Education

    The Cooper Union, New York.

    Skowhegan School of Painting and Sculpture, Skowhegan, Maine

큐레이터 노트

알렉스 카츠(Alex Katz)는 데이비드 호크니와 더불어 가장 화사하고 아름다운 그림을 그린다고 평가받는 거장이다. 그는 르네상스 시대의 미술가들처럼 사진을 사용하지 않고 실물을 보고 스케치를 했다. 그는 자신의 가장 뛰어난 드로잉들을 캔버스에 풀 사이즈의 카툰으로 옮겼다. 이 정확한 이미지들은 손으로 섞어 만든 색으로 칠해 구체화되었다. 카츠는 가족과 친구들, 동료 미술가들의 초상화를 자주 그렸다. 작품 속 인물들은 감정을 노출시키지 않고 드러냄과 감춤을 자유자재로 구사하며 풍부한 색채 속에 절제된 분위기를 보여준다.

카츠는 흔히 미국 팝 아티스트로도 알려져 있는데, 과감하게 생략되고 잘린 평면적인 인물들은 매스미디어에서 흔히 볼 수 있는 이미지를 연상시킨다. 그러나 알렉스 카츠는 팝 아트와 자신의 회화를 분명하게 경계 짓는다. 기존의 팝 아트는 이미 존재하는 이미지 중에서 아티스트가 선택한 이미지만을 변형해 탄생시키지만, 알렉스 카츠는 직접 보고, 느끼고, 선택한 대상을 이미지화하는 것이 구별되는 특징이다.

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4. 같은 성능을 지닌 재화 등으로 복제가 가능한 경우 그 원본인 재화 등의 포장을 훼손한 경우
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⑧ “몰” 또는 그로부터 개인정보를 제공받은 제3자는 개인정보의 수집목적 또는 제공받은 목적을 달성한 때에는 당해 개인정보를 지체 없이 파기합니다. 제18조 (“몰“의 의무) ① “몰”은 법령과 이 약관이 금지하거나 공서양속에 반하는 행위를 하지 않으며 이 약관이 정하는 바에 따라 지속적이고, 안정적으로 재화. 용역을 제공하는데 최선을 다하여야 합니다.
② “몰”은 이용자가 안전하게 인터넷 서비스를 이용할 수 있도록 이용자의 개인정보(신용정보 포함)보호를 위한 보안 시스템을 갖추어야 합니다.
③ “몰”이 상품이나 용역에 대하여 「표시. 광고의 공정화에 관한 법률」 제3조 소정의 부당한 표시. 광고행위를 함으로써 이용자가 손해를 입은 때에는 이를 배상할 책임을 집니다. 제19조 (회원의 ID 및 비밀번호에 대한 의무) 1. 제17조의 경우를 제외한 ID와 비밀번호에 관한 관리책임은 회원에게 있습니다.
2. 회원은 자신의 ID 및 비밀번호를 제3자에게 이용하게 해서는 안됩니다.
3. 회원이 자신의 ID 및 비밀번호를 도난 당하거나 제3자가 사용하고 있음을 인지한 경우에는 바로 “몰”에 통보하고 “몰”의 안내가 있는 경우에는 그에 따라야 합니다. 제20조(이용자의 의무) 이용자는 다음 행위를 하여서는 안됩니다.
1. 신청 또는 변경 시 허위 내용의 등록
2. 타인의 정보 도용
3. “몰”에 게시된 정보의 변경
4. “몰”이 정한 정보 이외의 정보(컴퓨터 프로그램 등) 등의 송신 또는 게시
5. “몰” 기타 제3자의 저작권 등 지적재산권에 대한 침해
6. “몰” 기타 제3자의 명예를 손상시키거나 업무를 방해하는 행위
7. 외설 또는 폭력적인 메시지, 화상, 음성, 기타 공서양속에 반하는 정보를 몰에 공개 또는 게시하는 행위 제21조 (연결“몰”과 피연결 “몰” 간의 관계) ① 상위 “몰”과 하위 “몰”이 하이퍼링크(예: 하이퍼 링크의 대상에는 문자, 그림 및 동화상 등이 포함됨)방식 등으로 연결된 경우, 전자를 연결 “몰”(웹 사이트)이라고 하고 후자를 피연결 “몰”(웹사이트)이라고 합니다.
② 연결 “몰”은 피연결 “몰”이 독자적으로 제공하는 재화 등에 의하여 이용자와 행하는 거래에 대해서 보증책임을 지지 않는다는 뜻을 연결“몰”의 초기화면 또는 연결되는 시점의 팝업화면으로 명시한 경우에는 그 거래에 대한 보증책임을 지지 않습니다. 제22조(저작권의 귀속 및 이용제한) ① “몰“이 작성한 저작물에 대한 저작권 기타 지적재산권은 ”몰“에 귀속합니다.
② 이용자는 “몰”을 이용함으로써 얻은 정보 중 “몰”에게 지적재산권이 귀속된 정보를 “몰”의 사전 승낙 없이 복제, 송신, 출판, 배포, 방송 기타 방법에 의하여 영리목적으로 이용하거나 제3자에게 이용하게 하여서는 안됩니다.
③ “몰”은 약정에 따라 이용자에게 귀속된 저작권을 사용하는 경우 당해 이용자에게 통보하여야 합니다. 제23조(분쟁해결) ① “몰”은 이용자가 제기하는 정당한 의견이나 불만을 반영하고 그 피해를 보상처리하기 위하여 피해보상처리기구를 설치, 운영합니다.
② “몰”은 이용자로부터 제출되는 불만사항 및 의견은 우선적으로 그 사항을 처리합니다. 다만, 신속한 처리가 곤란한 경우에는 이용자에게 그 사유와 처리일정을 즉시 통보해 드립니다.
③ “몰”과 이용자 간에 발생한 전자상거래 분쟁과 관련하여 이용자의 피해구제신청이 있는 경우에는 공정거래위원회 또는 시, 도지사가 의뢰하는 분쟁조정기관의 조정에 따를 수 있습니다. 제24조(재판권 및 준거법) ① “몰”과 이용자 간에 발생한 전자상거래 분쟁에 관한 소송은 제소 당시의 이용자의 주소에 의하고, 주소가 없는 경우에는 거소를 관할하는 지방법원의 전속관할로 합니다. 다만, 제소 당시 이용자의 주소 또는 거소가 분명하지 않거나 외국 거주자의 경우에는 민사소송법상의 관할법원에 제기합니다.
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최종개정일: 2019년 11월 20일

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